viernes, 28 de diciembre de 2007

Grandes momentos de la historia del cine: El acorazado Potemkin.

En 1925 Sergéi Eisenstein recibe el encargo de realizar una película que tenía como fin elogiar el espíritu de la Revolución Rusa de 1917: El acorazado Potemkin.
La cinta narraba la sublevación de la triulación de la nave ante los malos tratos y la carne agusanada que recibían para comer. En la versión filmica de su motín recibirían el apoyo de la población de la ciudad portuaria de Odessa, que como ellos sufrirían la posterior represión militar.
La película buscaba expresar el espíritu de la nueva nación, mientras que, al tiempo, proporcionaba al lenguaje del cine un nuevo elemento, la inclinación del plano que afectaban a lo que se contaba. Pero también proporcionó algunos de los momentos más importantes de la historia del cine. En este caso uno versionado unas cuantas veces. Os dejo, con la escena de las escaleras de Odessa.


jueves, 27 de diciembre de 2007

Preview: Valkyre


Rodeada de la polémica, por la oposición de la familia del personaje real que interpreta (Klaus von Stauffenberg) y del gobierno alemán a que un reconocido cienciólogo, Tom Cruise, tomara parte de ella, se estrena este próximo verano Valkyre.



La historia, la del complot que un grupo de militares alemanes tramaron con el fin de asesinar a Adolf Hitler, significa el adiós de Bryan Singer (Superman Returns, X-men) a los héroes de cómic y el regreso a los personajes de carne y hueso (que tan bien demostró conocer en Sospechosos habituales). Y delante de las cámaras contará un reparto tremendo, con -entre otros- Tom Cruise, Kenneth Branagh, Terence Stamp, Billy Nighy o Stephen Fry.
Como decía ya es polémica, y tras el estreno lo será aún más (tanto si es mala como si es buena), pero lo que si se puede afirmar es que lo que se ha podido ver hasta ahora tiene muy buena pinta.

lunes, 24 de diciembre de 2007

Felices fiestas

Bueno... no voy a decir nada original. Así que lo diré igualmente, os deseo a todos, vistantes perdidos, amigos (Zombi, Juanjo, Raquel, Moni, Pedro...), conocidos, etc. unas felices fiestas y todo lo mejor para este año que empieza.




Y si os sentís solos, perdidos... No lo estaís. Podéis pasar por aquí y dejar un comentario. Yo estaré pasando de cuando en cuando.

¡¡Feliz Navidad y próspero año nuevo!!

Preview: The happenig

Ya se prepara otro de los grandes estrenos del 2008 que esta a punto de comenzar, se trata de The happening, dirigida por M. Night Shyamalan.
¿De qué trata? un thriller que gira alrededor de una familia que huye de una crisis que pone en peligro la continuidad de la especie humana. Me recuerda un poco a El bosque (The village) o Señales (Signs), de nuevo nos encontramos un grupo humano sometido a una situación crítica (quizás la que se cuenta aquí, o aquí donde se presenta una revisión del supuesto guión).


En el reparto protagonista encontramos a Mark Walberg, John Leguizamo y Zooey Deschanel.
El estreno, para el 13 de junio en USA, el 19 en Argentina y un día después en España.

sábado, 22 de diciembre de 2007

Soy leyenda (I´m legend)

Cuando supe que se iba adaptar (nuevamente) la novela de Richard Matheson Soy leyenda (I´m legend) desconfié, fundamentalmente porque esta iba a ser un película estrenada en campaña navideña, momento eminentemente de cine familiar. También porque se encuentra al amparo de un gran estudio. Estos apuestan sobre seguro y no quieren nada que pueda espantar al público. Y, por último, Will Smith. Es una gran estrella (si no la mas grande a día de hoy) con unas connotaciones similares a las de, por ejemplo, Tom Hanks.

Soy leyenda cuenta que una plaga ha arrasado el planeta. La mayoría de la población ha muerto y los que quedan se han convertido en una raza de mutantes hipersensibles a la luz. Todos, menos un científico militar, Robert Neville.

Tras verla, hay cosas sobre las que he cambiado de opinión y otras en las que me he reafirmado.
La primera hora de película me ha encantado. La tremenda visión de Nueva York recuerda al Londres asolado de 28 días después o al mismo Nueva York de 12 monos. Durante esta parte la película se sustenta, fundamentalmente, en la gran actuación de Will Smith que logra dar el perfil paranoide de un personaje (a priori, pensaba que otros actores encajarían mejor) convertido un naufrago ballardiano. La cuestión es que consigue llevar el peso de una historia que recae directamente en sus hombros, proporcionando, incluso, algunos momentos más que interesantes.

Los problemas de la cinta comienzan tras los primeros sesenta minutos, justo cuando Neville (Smith) descubre que no está solo. Todo lo cual hace que destaquen numerosas inconsistencias en el guión (como es inmune, porque no ha buscado un refugio mejor...).
Por un lado, los mutantes hace que se echen de menos los de El último hombre vivo (The Omega man). Si aquellos (o los de la novela original) eran un grupo dominados por un sentimiento casi religioso de romper con el mundo de la ciencia que había provocado el desastre, estos son apenas unas bestias casi irracionales a la altura de los orcos de El señor de los anillos.
De otra parte, hacia el final se hacen demasiadas concesiones al cine de acción, con el propósito de terminar con un happy end pero a partir de unos supuestos bastante absurdos.

El deseo o la necesidad de darle un sentido positivo a la historia termina por pesar demasiado. En la novela y en versiones anteriores, la idea era la de la normalidad subvertida. "Soy leyenda", la frase final de la novela, era lo que se decía el protagonista antes de morir. Soy leyenda, porque para ellos yo soy el monstruo, el mito en un mundo de vampiros. Por contra en esta nueva versión se incide en la idea de la infección, (como sucede con la reciente Invasión) a lo racional -como amenaza- frente a lo mítico y pesimista del material original. Por eso pasó lo que pasó con la última versión de La invasión de los ladrones de cuerpos y por eso hoy sería imposible que un gran estudio se comprometiera a hacer una película como, por ejemplo, Cuando el destino nos alcance (Soylent green).

jueves, 20 de diciembre de 2007

Grandes momentos de la historia del cine: Atrapado por su pasado (Carlito´s way)

Pese a que hoy en día se muestre titubeante, Brian de Palma es el autor de la película considerada por Cahiers du Cinemà la mejor de los años noventa, Atrapado por su pasado (Carlito´s way -1993-). Su protagonista Carlito Brigante constituiría el reverso del Tony Montana de El precio del poder (Scarface), del mismo director y ambos interpretados por Al Pacino.
En Atrapado por su pasado, presenciamos los intentos de Carlito por huir del mundo del crimen, mientras este no para de rodearle.
Pero la película también nos deja algunos de los mejores momentos de la filmografía de Brian de Palma, como esta brillantísima set piece...

martes, 18 de diciembre de 2007

Arma fatal (Hot Fuzz).


Edgar Right y Simon Pegg fueron los autores del homenaje al cine de zombis en clave de comedia que se tituló Shaun of the dead. Si, digo bien, homenaje que no parodia, porque lejos de reírse, barnizaban de humor el género de no-muertos.
Ahora, con bastante retraso respecto el resto del mundo se ha estrenado en España su última creación: Arma fatal (Hot Fuzz). Un título que traducido no ayuda a que resulte atractivo para el público (a pesar de buscar la cercanía con Arma letal). Lo mismo sucedió con Shaun of the dead, que se convirtió en Zombies party.

Arma fatal cuenta la historia de Nick Angel (Simon Pegg), el mejor agente de policía de Londres, que debido a la envidia que sufre por parte de sus compañeros de trabajo es destinado a un tranquilo pueblo de la campiña inglesa, tranquilo... en apariencia.

Teniendo en cuenta que cuenta con gran parte del equipo que creó Zombies party, parece lógico que mantenga muchos puntos en común con esta. Formalmente es muy parecida, como en ella, durante el primer acto nos presentan las situaciones que en el último nos volverán a aparecer pero de manera subvertida. Por ejemplo, poco después de llegar al pueblo, veremos a Angel haciendo footing por el mismo, de una manera similar a como se nos planteará una de las ultimas escenas.
Como sucedía en su film anterior con el cine de terror, este esta plagado de todo tipo de referencias, en este caso al cine de acción policíaco. Desde el inicio a lo Ángeles de Charlie a escenas que nos recordaran, inevitablemente, a títulos como Le llamaban Bodhi (Point break), Dos policias rebeldes (Bad boys) o CSI. Pero también esta en deuda con el cine británico de los sesenta-setenta (como La plaga de los zombis -The plague of zombies-, 1966), historias situadas es pueblos aparentemente idílicos pero que escondían muchos secretos (como pasa en este).

La primera parte de la película presenta al personaje (ojo a los cameos de Peter Jackson como Santa Claus y Cate Blanchett, la exnovia del agente Angel) y su llegada al pueblo, transcurriendo por el territorio de la comedia, caricaturizando a los habitantes del pueblo.
La segunda, sin dejar la comedia, se convierte en una buddy movie con tintes gore. Los asesinatos se suceden mientras Angel intenta convencer a sus compañeros de que no se tratan de accidentes.
El último acto es el mejor (tremenda la "toma" del supermercado). Una vez descubierta la trama, se produce un desenlace que comienza a la manera de Sergio Leone, después se transformaría en Perros de paja (Straw dogs), para terminar por emular a John Woo. Increíble.


Se trata de una película más que recomendable. Lo mejor, de una parte los actores, todos y en especial la pareja protagonista (Pegg y Nick Frost). Y también el tono general de la película. Como combina (y desmonta) las distintas referencias con la comedia, sin estridencias, mientras va pasando del realismo en el inicio a la exageración al final.

Preview: Batman. The Dark Knight (2)

Hace un par de días le dediqué un post a Batman. The Dark Knight, poquito después me encontré que ya había trailer circulando por la web. No digo más y aquí os lo dejo...

lunes, 17 de diciembre de 2007

Preview: El rey de la montaña.


Dentro de la renovación del cine de terror español (Fotogramas, 1969), junto a las recientes El orfanato y REC (pese a que quizás Paco Plaza y Joan Balagueró no terminan de estar en ese grupo), hay que situar a El rey de la montaña. Dirigida por Gonzalo López-Gallego, autor de la muy desconocida y multipremiada Nómadas.


El rey de la montaña, estrenada en Sitges (y cuyos derechos han sido comprados por los hermanos Weinstein para un remake USA), cuenta la historia de Quím (Leonardo Sbaraglia) quien buscando a su exnovia, para recuperarla, se pierde en el bosque. Allí, aislado, ve una silueta, cuando cree que ha encontrado ayuda, esta le dispara.
Huyendo, se encuentra con otra silueta que le vuelva a disparar.
Durante su huida se encuentra con Bea (Maria Valverde) que también se ha quedado tirada allí. Para sobrevivir tendrán que huir juntos...


En principio, tiene buena pinta. Llama la atención por su argumento que recuerda a Deliverance o Perros de paja. A esto que hay que unir que ya haya vendido sus derechos, antes incluso de su estreno, que será -en España- a mediados del año que viene.

viernes, 14 de diciembre de 2007

Grandes momentos de la historia del cine: Blade runner

La otra noche hablaba con Pedro (¡¡Hola amigo!!) sobre cine y las ediciones y reediciones en dvd, y salió en la conversación Blade Runner con sus mil y una versiones (y las que pueden quedar). Pero una cosa si es cierta, pese al tiempo y a pesar de los añadidos, hay momentos que no cambian...

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas mas allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser... Todos esos.... momentos... se perderán en el tiempo... como lágrimas en la lluvia... es hora de morir.

Se dice que parte del monólogo fue improvisado por Rutger Hauer. Hay frases que salvan una carrera.

jueves, 13 de diciembre de 2007

Preview: Soy leyenda (2)

En un par de días se estrena en España Soy leyenda y ya podéis leer críticas tan interesantes como esta de Zombi. Hasta el estreno (y su correspondiente comentario) os dejo otra imagen, en este caso con mutante (el de la izquierda -por si acaso-) incluido...


Cómo veis nada que ver con los de El último hombre vivo...

martes, 11 de diciembre de 2007

REC


Lo confieso desde la primera línea. Hasta ahora la labor de los directores Paco Plaza y Jaume Balagueró no me habían terminado de convencer. Me parecían grandes "ilustradores", pero siempre he pensado que sus películas flaqueaban a nivel de contenido contenido.
Sin embargo, con [Rec] han encontrado la historia perfecta (o esta les encontró). Lo que se cuenta... la reportera (Manuela Velasco) de un programa que dedica a acompañar a un cuerpo diferente cada noche, hace el turno con el cuerpo de bomberos. Reciben el aviso de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, una vez que llegan todo se lía...

Perfecto. El mensaje unido al medio. Si, como decía, el problema que le solía encontrar a sus películas anteriores era que lo contado no estaba a la altura de como se narraba, ahora cuentan con la historia ideal, en la que la manera de contar forma parte de lo que se cuenta, porque gran parte de lo contando se debe a como se cuenta (como la transformación de los heridos).
La película se narra desde la perspectiva del cámara que acompaña al personaje de Manuela Velasco, con lo que (pese a quedar pedante) la referencia a McLuhan y eso de que el medio es el mensaje se me ha venido a la cabeza.


Con todo me parece una película "de zombis" (aunque no sería la palabra.... mejor... ¿infectados?) dentro de los cánones. Tenemos un grupo cerrado (aunque esta vez la amenaza esta dentro), alguien que se encuentra el tema por casualidad. Referencias a la realidad: al racismo (más o menos) latente (me encanta cuando dice alguien: "es culpa de los chinos") de nuestra sociedad, el papel de los medios de comunicación...
Los actores en líneas generales están bastante bien, me han gustado mucho los secundarios (aunque la actriz que interpreta a la madre de Jessica.... no se, creo que exagera demasiado los estos). Todos muy naturales, muy de carácter.
El gran acierto esta en una realización que aparenta muy natural, pero detrás de la que se encierra mucho trabajo, mucha coreografía. En ese sentido, si quiero llamar la atención en algo. He leído comentarios que la comparaban con El proyecto de la bruja de Blair, pero creo que Rec se encuentra precisamente, salvo por el uso de la cámara en mano, en sus antípodas. El proyecto de la bruja de Blair quiso ser vendido como "real" (a lo Holocausto caníbal, cintas supuestamente recuperadas), durante algún tiempo la publicidad quiso vender que se trataban cintas reales, recuperadas. Frente a esta construcción fictica de la real, Rec construye un artício partiendo de la realidad. Es una película, pero "construida" con elementos que identificamos, con lo que conocemos, como es el lenguaje de los medios de comunicación. Por esto mismo, desde el principio, me pareció genial la idea de contar con una cara conocida de la tv como protagonista.


Las pegas... algunos sustos predecibles (en eso coincido con mi amigo Zombi) y quizás no hacía falta esa explicación final, de la que no diré nada. También es cierto que se hace imprescindible para terminar como termina (cuando la vean sabrán a que me refiero), pero con todo creo que es una gran película de género y, pienso que, prácticamente redonda.
(Al final, Mónica tenía razón)

sábado, 8 de diciembre de 2007

El orfanato

Conocía a Juan Antonio Bayona por sus vídeos de OBK (también Camela, pero esos no los he visto).






Ahora ha debutado en el largometraje siendo producido por Guillermo del Toro con El orfanato. Un matrimonio, con un hijo, llega a un viejo orfanato (en el que se crió ella). Allí se reencontraran con viejos fantasmas.



Una crítica malintencionada podría decir que se trata de un refrito de muchas otras cintas con un esquema similar, este es:
1. Una familia (con alguna crisis o trauma de por medio) llega a su nuevo hogar.
2. En la casa pasó algo terrible que se mimetiza con el problema de la familia
3. Allí vive un fantasma de un niño. Se manifiesta ante la madre, pero nadie la cree.
4. Hay un punto de inflexión después encajan todas las piezas.

Sin embargo, este no es de ese tipo de comentarios. Pese a ello si es cierto que El orfanato tiene una serie de puntos de contactos con otras películas (aquí vienen más referencias).
-La casa... parece cimentada sobre los pilares de aquella de El final de la escalera. Grande, vacía, llena de recovecos, donde nunca llega la luz del día del todo... (¿no les recuerda a Los otros?).
-La madre (tremendamente interpretada por Belén Rueda)... quizás sea uno de los personajes mas arquetípicos. Mucho se ha hablado de la similitud con la Nicole Kidman de Los otros, pero sin embargo, yo la veo más cercana a la de Jennifer Conelly, de la versión norteamericana de Dark Water (pero eso si poniendo el acento en la interpretación de la actriz española).
-El niño (cuya interpretación no me ha gustado, desigual, muy niño a veces muy adulto otras)... vendría a ser el resultado de juntar al niño de El resplandor y sus amigos imaginarios con los enfermos de Frágiles, quienes por cercanos a la muerte, poseen el don de ver el más allá.
-La médium... salvo porque no lleva gafas de concha me ha recordado a la de Polstergeist, con esa frase... Debes creer para ver, no ver para creer.

Por ello, la película gusta pero no sorprende. Pero donde radica el acierto de Bayona esta, de una parte en hacer encajar bien las piezas dentro del conjunto sin que nada chirríe. De otra (más interesante) es la atmósfera que ha sabido crear. Más allá del susto puntual, hay una sensación opresiva desde el inicio que no hace más que ir en aumento. Al final, como decía la película esta bien, es más que correcta, pero lo malo es que no hay nada innovador lo que puede derivar en cierta frialdad ante el resultado. Pero pese a ello la cinta posee algunos buenos momentos.


(¿Por cierto, alguien que haya visto El amanecer de los muertos y El orfanato.... el plano de la caída de la protagonista en la bañera no es muy parecido en ambas?)

viernes, 7 de diciembre de 2007

Leones por corderos (Lions for lambs).

La última película de Robert Redford como director -y actor- es esta Leones por corderos. La cinta cuenta, alternativamente, tres historias relacionada con Estados Unidos y su política. Es la historia de un profesor que intenta implicar a uno de sus alumnos en sus estudios. También es la historia de una periodista que entrevista a un político que ha ideado un nuevo plan de actuación en Oriente Medio, y es, también, la de dos soldados destinados allí.


Lo mejor de la película, lo que más me ha llamado la atención, es la manera en la que combina diferentes niveles del uso de la palabra. Uno es el de los políticos, que hablan en términos abstractos de nuevas estrategias, daños colaterales, eje del mal, etc. Otro es el de las esferas académicas, los estudiantes que pierden sus ideales al enfrentarse al mundo real, y los profesores cuyas ideas parecen no ir más allá de las facultades. Los medios de comunicación, por su lado, que han optado por los resultados económicos en lugar de contar los hechos; y, por último, los soldados, junto a la verdad, las víctimas de esta historia, convertidos en meros peones.


Personalmente me han encantado los actores, y también sus diálogos, sobre todo los de Robert Redford y su alumno, por directos, ágiles; la corrección política del personaje de Tom Cruise (genial, y no menos genial su cara a cara con Meryl Streep)... pero del mismo modo que es lo mejor, es también lo que más la ha perjudicado a nivel popular, solo hay que ver las pobres valoraciones, por ejemplo, en imdb y rotten tomatoes (aunque no hay que obviar que el público USA machaca todo aquello que suene a crítica de su política). Pero la cuestión está que Robert Redford ha hecho una película directa (en sus apenas noventa minutos), sobria, alejada de artificios -como la reciente Redacted-, por momentos teatral, pero que encierra su fuerza en su mensaje.

jueves, 6 de diciembre de 2007

Preview: Batman.The Dark Knight.

Ya lo anunciaba elpais.com, la revista Empire se vio obligada a anunciar -antes de lo previsto (debido a una filtración)- el aspecto de El Joker en la nueva Batman. The Dark Knight, dirigida por Chris Nolan. Rol este encarnado por Heath Ledger (para cabreo de Jack Nicholson), que en dicha publicación británica cuenta:

I definitely feared it (...). Although anything that makes me afraid I guess excites me at the same time. I don’t know if I was fearless, but I certainly had to put on a brave face and believe that I have something up my sleeve. Something different...

It’s a combination of reading all the comic books I could that were relevant to the script and then just closing my eyes and meditating on it (...). I sat around in a hotel room in London for about a month, locked myself away, formed a little diary and experimented with voices — it was important to try to find a somewhat iconic voice and laugh. I ended up landing more in the realm of a psychopath — someone with very little to no conscience towards his acts. He’s just an absolute sociopath, a cold-blooded, mass-murdering clown, and Chris has given me free rein. Which is fun, because there are no real boundaries to what The Joker would say or do. Nothing intimidates him, and everything is a big joke.

O, lo que es lo mismo (bueno, más o menos):

Definitivamente le temo (...). A pesar de que me atemorizaba, al mismo tiempo me excitaba. No se si perdí el miedo, pero tenía que emplear una máscara de valentía y creer que tenía algo guardado bajo la manga. Algo diferente...

Se trata de una combinación de leer todos los comics que resultaban relevantes para el guión y entonces cerrar mis ojos y meditar sobre ello (...). Me senté en una habitación de un hotel de Londres durante cosa de un mes, aislándome, creando un pequeño diario y experientando con voces -era importante intentar encontar una risa y voz icónicas. Terminé aterrizando en el terreno de un psicopata -alguién que no tiene conciencia de sus actos. Es un absoluto sociopata, alguien de sangre fría. un payaso asesino en masa, y Chris me ha dado total libertad. Esto es divertido porque no hay limites reales a lo que El Joker puede decir o hacer. Nada le intimida, todo es un gran chiste.

En lo que respecta al resto (atención a los enlaces al final del enlace) del reparto, repite Christian Bale. Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman y Cillian Murphy, a los que se añaden -entre otros- Eric Roberts, Aaron Eckhart (como Harvey Dent/Dos caras-), Anthony Michael Hall y Maggie Gyllenhaal. Todo ello a partir del 13 de agosto en España, el 17 de julio en Argentina y el 18 en los USA.




lunes, 3 de diciembre de 2007

Habitación sin salida (Vacancy).

Habitación sin salida constituye el debut en el cine norteamericano de Nimród Antal. Su película es claramente deudora de Psicosis (Pshyco, 1950) de Alfred Hitchcock (y argumentalmente de la saga Hostel), un hotel perdido, un recepcionista bastante "peculiar"(obsesionado con cintas de vídeo en vez de con su madre)... A este lugar "paradisiaco" llega una pareja (Kate Beckinsale y Luke Wilson) en crisis tras la muerte de su hijo y allí descubrirán que han caído en las manos de una red dedicada a la filmación de snuff movies.

Como gran parte del cine de terror USA actual parece nacer de leyenda urbanas, a ello hay que unir la caída en ciertos tópicos: el teléfono que se queda sin cobertura, el motor que falla...
Sin embargo, y a pesar de un desenlace demasiado dulce (por suerte, no hay susto fácil final), no es una mala película. Al contrario. Tampoco diré que se trata de una gran película, pero sin ser innovadora parte de una serie de presupuestos bastante claros y sabe como aprovecharlos en sus 85 minutos: tres personajes, una relación dañada entre los protagonistas, un hotel, unas cintas de vídeo y una amenaza.

Entre los actores, Kate Beckinsale, estupenda (luego he sabido -y agradecido- que sustituyó a Sarah Jessica Parker, inicialmente elegida para protagonizarla), terrenal. Y también me ha gustado el actor que hace de gerente del hotel (a pesar de que creo que sobreactúa un poco al final), Frank Whaley... cuyo momento mas terrorífico me parece que es el de su primera aparición, con la sensación malsana que despierta su forzada normalidad.


Creo que lo correcto sería definir a esta Habitación sin salida como un pasatiempo. Quizás desaprovecha algo que leía en la crítica de aullidos, la idea de que el ser humano es eminentemente voyeur. Si no fuera así, ni siquiera existiría el cine. La necesidad de ver imágenes impactantes se hace más que evidente en la propia web. Sin embargo, esta no es del todo aprovechado (no se nos hace notar que siente el posible consumidor de estas imágenes -¿puede haber algo más terrorífico?-). Esto hace que la película no vaya más allá, pero se deja ver bien gracias a una correcta realización.

viernes, 30 de noviembre de 2007

Beowulf

Beowulf pertenece a la misma estirpe de héroes que Hércules, Aquiles o Gilgamesh, aquellos que solo con su muerte lograron acceder a la inmortalidad. La suya es una historia mítica, gloriosa, pero también triste ante la certeza de su destino.

La película de Robert Zemeckis deja una sensación ambigua. Si, deslumbra, desde el punto de vista técnico es increíble, pero presenta sus pegas en el contenido. La película tiene dos partes, la primera nos presenta a un héroe joven, altanero, que cae en la tentación de convertirse en rey. La segunda muestra la "redención" del héroe. Viejo ya, tiene la posibilidad de encontrarse con las consecuencias de sus actos y, esta vez si, hacer lo correcto y entrar en la inmortalidad.

Hay cuatro escenas que particularmente me han encantado en la película. La primera aparición de Grendel es un auténtico prodigio. También lo es el fragmento donde se recuerda la lucha de Beowulf con monstruos marinos, así como el encuentro entre el héroe y la madre del monstruoso ser Grendel y toda la parte final, con dragón y lucha final incluida.


No deja de ser paradójico que de estas escenas, dos sean de las que mayor contenido dramático poseen, la primera y la tercera (junto con la muerte de Grendel). Porque esa es una de las cosas más discutibles que posee, la planitud de ciertos elementos del guión, aún a pesar de los aspectos oscuros que presenta. Uno es la presencia de la religión, esa estancia que se cierra tras el primer ataque por creer que este se debe a sus actitudes pecaminosas. Otro Grendel, ese ser (digno de estar la altura de Gollum) sensible al sonido, que mientras esta en pantalla proporciona algunos de los mejores momentos de la cinta, a la par que es su muerte el desencadenante de la maldición de Beowulf.


Otro elemento es la violencia que presente por todas partes y luego el sexo. La escena de la seducción entre el héroe y la madre de Grendel, me parece simplemente maravillosa. La aparición de ella, la masturbación metafórica (donde la idea de la espada como símbolo viril adquiere todo su significado)... increíble.


Pero la cuestión es que aparte de ello no parece que haya nada más. Los personajes, salvo por la del viejo rey Hrothgar y en el anciano Beowulf, no presentan muchos más matices (si obviamos buscar el parecido con los actores reales). Esto demuestra que no solo hay que contar con que la técnica sea suficiente para deslumbrar al público, sino que hay que querer ir más allá. Otra cosa, que había señalado en los comentarios de la preview de la película, es si hacía falta realmente hacer la película así. Lo mejor de la animación es que es capaz de tomar los materiales de la realidad, subvertirlos y hacer casi cualquier cosa. Esta idea, si se quiere contar una historia mítica, resulta ideal. Pero, por ejemplo, vemos al personaje de Angelina Jolie y pensamos en ella, la cuestión está en que querer aproximar la animación a lo real, quizás no esta haciendo más que limitarla.



(Fragmentos de la película y de una entrevista a los guionistas, Neil Gainman y Roger Avary durante la comic-con de San Diego. Lamentablemente, solo he podido encontrar este material en inglés)

martes, 27 de noviembre de 2007

Adiós, pequeña, adiós (Gone, baby, gone)



El largometraje debut de Ben Affleck despertaba curiosidad, quizás miedo. Su integración en la gran industria de Hollywood, una elección de papeles discutible y haberse convertido, durante un tiempo, en personaje de la prensa rosa planteaba dudas sobre sus posibilidades. Y eso a pesar de que adaptaba un material tan potente como la novela de David Lehane, Adiós pequeña, adiós, de quién ya habíamos visto una adaptación anterior, Mystic River, de Clint Eastwood.



Lo cierto es que Affleck aprueba el examen, diría incluso que con muy buena nota. La historia narra el secuestro de una niña y como su desaparición se transforma en una prueba moral para el protagonista. Este, encarnado por Cassey Affleck compone un personaje interesante, que durante gran parte de la cinta cae mal, un listillo con cara de crío. Pero también es el personaje sobre el que recae gran parte de la historia y el que nos plantea el dilema moral de la misma.
¿Qué debemos hacer? ¿lo que sabemos que es mejor o lo correcto? ¿Hasta que punto se puede justificar matar?¿hasta que punto es justificable? son algunas de las preguntas que sinuosamente se van deslizando a lo largo del metraje.

Me han gustado los personajes, todos ellos bastante ricos en detalles, dando pistas de ellos, dejando caer muchas cosas. También me llamó la atención la estructura de la película, bastante llamativa. Realista, ambientada en las zonas marginales de Boston, comienza contando la desaparición y la búsqueda de la niña desaparecida (se ha repetido hasta la saciedad el paralelismo con el caso de Madeleine McCann, totalmente casual), a continuación, pasa a un primer "final", desencadenante de la acción posterior. Luego se presenta un segmento medio (lo mejor de la película), para después desmontar todo lo contado en el primer acto y finalizar con un epílogo, triste y silencioso.


Hay pocos peros que ponerle a la película, quizás la caída en algunos tópicos en lo que respecta a la investigación policial y a cierto exceso de diálogo, lo que deja a esta por detrás de la contención de Mystic River. Pero en definitiva se trata de un film bastante sólido, con un reparto bastante equilibrado (muy bien Cassey Affleck y Ed Harris), aunque quizás se desperdician los personajes de Morgan Freeman y Michelle Monaghan, pero cuyo mayor acierto esta en plantear más de lo que responde.

sábado, 24 de noviembre de 2007

Preview: 01-18-08 aka Coverfield aka Monstruoso

Apenas un anuncio bastó para que la próxima película de JJ Abrams, el enfant terrible de la televisión USA (creador de Alias o Lost, entre otras), desatara las especulaciones. Imágenes de una fiesta, una explosión y un título 01-18-08 (aunque parece que finalmente se titulará Cloverfield/Monstruoso).

¿Un remake de The Host? ¿una continuación de Godzilla? ¿Voltron? ¿el Cthulhu?
Lo cierto es que para encontrar los orígenes de este proyecto hay que remontarse al momento en el que Abrams se comprometió a filmar la nueva parte de la saga Star Trek. Entonces, como contraprestación solicitó la financiación para producir un proyecto mas pequeño (para lo que son las producciones hollywoodienses, 30 millones de dólares).



A continuación, le siguió la presentación de una web que, al puro estilo Lost, más que ayudar, siembra el terreno de especulaciones. Una campaña exitosa, a la vista de como se ha estremecido toda la red(por cierto, algún día habrá que hablar de la relación entre cine e internet como medio publicitario desde el primer gran éxito en este sentido, El proyecto de la bruja de Blair) que no ha hecho más que abrir el "apetito" con vistas al estreno y creando más controversia, a lo que hay que unir páginas a las que erróneamente se les ha atribuido una relación con la película como ethanhaaswasright.com y ethanhaaswaswrong.blogspot.com (rumor desmentido por el propio Abrams).
Por cierto para el que vaya a la pagina 1-18-08.com, que pinche sobre las fotos y "frote" sobre ellas...
Lo que si se sabe es que la película estará dirigida por Matt Reeves (Felicity), la acción se sitúa en Nueva York y esta filmada a modo de vídeo casero.

Personalmente y aunque es algo temprano aún, creo que tiene buena pinta. También admito me gustaría que utilizara las criaturas del mundo literario de H.P. Lovecraft, aunque la presencia de la idea del contagio me recuerda a la coreana The Host, pero no se. La respuesta, con el estreno fijado en USA para el 18 de enero casi al tiempo de la nueva temporada de Lost ¿casualidad?); el 25 en México, el 31 en Argentina y el 1 de febrero en España.

pd. Otra cosa, como hay mucho material por la red acerca de la película os dejo unos enlaces.
En la wikipedia hay alguna cosilla en inglés.
Aullidos.com tiene aqui su ficha, que van actualizando.
En Uruloki también se habla sobre la película.

jueves, 22 de noviembre de 2007

Fernando Fernán Gómez (1921-2007)

Ayer falleció Fernando Fernán Goméz, uno de los grandes del arte español del siglo XX. Nacido en Lima, hijo de actores españoles. Estudió filosofía y letras para terminar dejándose conducir por su verdadera vocación: la interpretación.
Destacado actor de teatro desde finales de los años treinta, a mediados de la década siguiente comenzó a trabajar en el cine.
A partir de los años ochenta comenzó a volcarse en su faceta literaria: artículos, ensayos, once novelas, un extensa autobiografía, obras de teatro, como fue su mayo éxito: Las bicicletas son para el verano.
En 1998 fue elegido miembro de la Real Academia Española, galardonado con el Premio Príncipe de Asturias tres años antes. La suya fue una carrera labrada desde el teatro, para luego consolidarse como un popular actor de comedia.
Desde los setenta su prestigio como director y actor aumentó hasta lo noventa, cuando su actividad actoral comenzó a decaer, no así como escritor.
Pese a ser recordado por otras "actuaciones" recientes,


no debemos olvidar que con él se ha marchado uno de los grandes de la cultura en español.

martes, 20 de noviembre de 2007

Redacted

La última película de Brian de Palma, Redacted, narra unos sucesos acontecidos en 2006 en una localidad al sur de Bagdag (Irak), la violación de una niña y su posterior asesinato, además del de parte de su familia por un grupo de soldados estadounidenses (aquí y aquí se cuenta la noticia).


De Palma, que lleva unos años con un rumbo titubeante, se ha mostrado siempre como un gran espectador de cine. Eisenstein y Hitchcock -sobre todo éste-, son referentes esenciales en su cine.
En este caso sus referentes cambian, aproximándose a Peckinpah (y a su Grupo Salvaje) y al Stanley Kubrick de La chaqueta metálica y La naranja mecánica (como en el uso de suaves travellings o la manera de alejarse de la cámara, desde un primer plano a plano medio o general, amén del uso de la música de Barry Lindon), sobre todo en la primera mitad del metraje. De hecho, podría verse Redacted como una versión irakí de La chaqueta metálica, prescindiendo de la despersonalización de los soldados y de la parte del entrenamiento. Acompañada de la violación del hogar por parte de los drugos (los miembros de la banda de Alex, en La naranja mecánica).


Así, acompañamos a un grupo de soldados a cargo de un punto de control. Para ello De Palma recurre a técnicas cercanas al documental, la filmación corresponde en gran parte al vídeo diario personal de uno de los soldados, también cuenta con imágenes provenientes de medios de información o de otros medios de distribución de imágenes (webs, blogs, youtube...), lo que no implica una multiplicación de los punto de vista, sino simplemente se presenta como un recurso estilístico.
La crítica USA ha machacado la película, muy probablemente por las implicaciones que tiene dentro del país, solo hay que darse una vuelta por foros como el de imdb o páginas pidiendo su boicot, por su supuesto espíritu antipatriótico.
Pero los verdaderos problemas de la cinta son otros. De una parte los personajes. Tópicos, el soldado recto, el soldado intelectual, el soldado tonto... prescindiendo de casi toda caracterización acerca de sus motivaciones, como se han convertido en lo que son, o acerca de quienes son (incluso hay un momento que me recuerda A sangre fría, en el que uno de los protagonistas recuerda a su hermano).
También esta el excesivo artificio que emplea para contar la historia, el uso de diferentes formatos no persigue plantear niguna reflexión.Y otro problema es el de las interpretaciones, que dejan bastante que desear, lo cual no hace sino perjudicar el resultado final. Evidentemente no creo que De Palma haya perdido el ojo con los actores y no vea las interpretaciones, pero creo que estas persiguen una finalidad realista. Los neorrealistas italianos, en su afán por lograr la "realidad" utilizaban a gente común como actores. En Redacted, los actores actúan como actuarían soldados interpretando a soldados. Esto provoca, que como dice la crítica de Lo que yo te diga, Redacted es una película que, por su tema, se ve en silencio por momentos (la tremenda escena de la violación), estremecido. Pero por su tema, por lo que cuenta (incluso a pesar de algunos elementos éticos casi al final), no por la realización en si, lastrada por unas interpretaciones que la acercan más a un telefilm de sobremesa que a una gran película.

lunes, 19 de noviembre de 2007

Grandes momentos de la historia del cine: El Resplandor.

La familia Torrance llega al hotel Overlook. Sin saberlo se han metido en la boca del lobo. Allí reside un mal que poco a poco les irá rodeando, sobre todo al padre, Jack (Jack Nicholson).... ¿o acaso sólo saca lo que y había dentro de ellos?
Para filmar El Resplandor, Stanley Kubrick utilizó planos largos y movimientos suaves de cámara. Para ello se valió de la steady cam, un tipo de cámara unida a un arnés con pesos que permite al operador de cámara moverse libremente sin que su movimiento afecte la imagen. Si bien no fue Kubrick quien la inventó, si fue el director que generalizó su uso.
Sin ella, El Resplandor no habría sido la película que es hoy y nunca habríamos tenido la sensación de que poco a poco la familia se internaba en el terror, lenta e inexorablemente, como cuando acompañamos al pequeño Danny por los pasillos del hotel.

jueves, 15 de noviembre de 2007

Preview: Beowulf

Primero una nota "erudita", sacado de la wikipedia, "Beowulf es un poema épica que fue escrito en inglés antiguo en verso aliterativo. Con 3182 versos, contiene mucho más material que cualquier obra similar en su mismo idioma, y representa alrededor del 10% del corpus existente del verso anglosajón. El poema no tiene título en el manuscrito, pero se le ha llamado Beowulf desde principios del siglo XIX.
Su importancia es equiparable a la del Cantar del mío Cid o el Cantar de Roldán. Se estima que el poema se redactó en la primera mitad del siglo VIII, aunque ese tema es objeto de debate. La narración se sitúa en los siglo V-VI.
Tiene dos grandes partes: la primera sucede durante la juventud de Beowulf, y narra cómo acude en ayuda de los daneses o jutos, que sufrían los ataques de un gigante (Grendel), y tras matar a este, se enfrenta con su madre; en la segunda parte Beowulf ya es rey de los gautas y pelea hasta la muerte con un dragón".

Este año se estrenan dos películas que recogen el mito, una protagonizada por Gerard Butler (Leónidas en 300) y otra, de animación, dirigida por Robert Zemeckis. Lo dejo claro desde el principio, no, no me gusta Zemeckis -aunque me gustó, y bastante, Contact-. Me parece que ha sabido continuar la manera "clásica" de hacer cine, pero también pienso que no se arriesga más allá de en lo técnico (lo que si, tiene su mérito).

Ahora estrena la adaptación del mito para lo que ha hecho lo mismo que en Polar Express. filmar con actores y luego digitalizar la imagen, pasándola a animación. Personalmente, una lástima prescindir del Ray Winstone "real". A mi, a priori, no me termina de seducir. Pero bueno, veremos. Puede que dentro de un par de entradas tenga que reconocer que no ha estado mal.... ¿quién sabe?

miércoles, 14 de noviembre de 2007

La extraña que hay en ti (The brave one)


Tenía esta crítica pendiente desde hacía un par de semanas (como la de Promesas del Este), así que la comentaré en caliente.
La película cuenta la historia de una locutora de radio, Erica Bain (Jodie Foster) que una noche, pasea junto a su novio (Naveen Andrews). Ambos reciben una paliza, a consecuencia de la cual él muere y ella queda en coma. Al recuperarse, algo en Erica ha cambiado. Sale a las calles intentando combatir su miedo mediante venganza.

En el fondo, lo que el guión ha hecho ha sido utilizar el "esquema Charles Bronson", ¿recuerdan sus pelís?
1. A su hija y/o mujer le hacían algo tremendo (asesinadas y/o violadas).
2. Charles salía a la calle a vengarse a base de plomo.
3. Charles no solo era apoyado por la población, sino por las autoridades (siempre tenía un amigo policía).

De todas maneras, vamos al grano...
Lo que me ha gustado de la película:
Los actores. Jodie Foster esta muy bien (pese a que nunca me ha terminado de gustar, lo admito), a modo de un moderno Travis Bickle (Robert de Niro en Taxi Driver), vagando por las calles de Nueva York, mezclando fragilidad y violencia. Lo mejor, sin duda, sus momentos de "enajenación" y su mirada, la expresión de su rostro.
También Terrence Howard, el policía que investiga los asesinatos cometidos por el personaje de Jodie Foster. Fundamentalmente me han gustado sus pequeños gestos, sus miradas.
La historia de amor-amistad, que tiene que ver con lo que acabo de decir. Hay una historia íntima entre Jodie Foster y Terrence Howard, de "amor"... de proximidad entre dos personas heridas sería más apropiado, contada a través de detalles (como el almuerzo en el que él toma su mano).
Cosas del guión, sobre todo las referencias mitológicas. Como el perro con el que se reencuentra y que reconoce a Erica hacia al final; o cuando una joven prostituta dice que "nadie" le ayudó. Esto equipara al personaje de Foster con un moderno Odiseo, vagando a la búsqueda de si misma.

Qué no me ha gustado nada (y creo que son mayoría):
Cosas de la dirección, la película se hace un tanto pesada, le falta algo de ritmo, pese a que estéticamente está muy bien. Pero creo que el segundo movimiento se alarga demasiado y termina por hacerse pesada.
Aspectos del guión (si, ya se que dije que algunos me gustaban), ocurre como lo que había comentado en Mr.Brooks, no creo que sea adecuado basar la historia de una investigación en pistas "casuales", o al menos, no darle la categoría de certeza como si sucede aquí, lo cual no hace sino restar credibilidad a la historia.
Otro de ellos es el concepto de culpa. Neil Jordan, en otras películas ha justificado la presencia de esta idea debido a cuestiones religiosas (Jordan es de un país muy católico como es Irlanda), pero aquí, al no incidir en el cristianismo ni en la redención, el concepto de culpa queda un poco descolgado. En este sentido, si me habría gustado ver la misma historia en manos de otro director, como David Cronenberg. Pese a que Jordan es muy cuidadoso con las formas, creo que siempre ha pecado de dejar demasiadas puertas abiertas en sus guiones.
La conclusión moral de la cinta. Peligrosa y perjudica mucho a la cinta. Las reacciones humanas son justificables, pero ¿pueden serlo cuando cuando es una autoridad autoridad las realiza?

martes, 13 de noviembre de 2007

Películas que nunca veremos (1): Kaleidoscope


Pongámonos en situación. Mediados de los sesenta (1967), François Truffaut, termina de leer un guión. Sabe que lo que tiene entre sus manos lo que puede ser una obra maestra. Sin embargo, también sabe que su carga de sexo y violencia hace muy difícil, si no imposible, realizarla. Acababa de leer el guión de Kaleidoscope, de Alfred Hitchcock (1899-1980).

Tras Cortina rasgada y Marnie, que no contaron con el apoyo crítico, el orondo director británico consideró dar un giro en su carrera, pese a su edad (superaba los sesenta años) y a contar con un status importante en la industria.
Para ello partió de un suceso real, Neville Heath, un joven oficial de la RAF que en 1946 violó, mutiló y asesinó a dos mujeres, para luego ser condenado a muerte. En el guión de Hitch, (estructurado en tres crescendos, a partir de tres asesinatos) encontramos a un joven que atrae a las mujeres a su muerte. Para detenerlo la policía le pone una trampa, una mujer policía que se presenta como víctima potencial. Todo ello con una estética cercana a las novedades estilísticas llegadas de Europa, sobre todo a través de la Nouvelle vague.

Sin embargo, los directivos de la Universal se asustaron. Temieron que el tratamiento de la historia fuera demasiado radical, demasiado violenta y muy explícita en lo sexual, eso incluso cuando Hitchcock se ofreció a hacerla por menos de un millón de dolares, rodándola con actores desconocidos (pese a que llegaron a sonar nombres como Michael Caine o David Hemmings). Así el proyecto quedó en el cajón, pese a que años después recuperó algunas ideas para Frenesí (1972), hasta que el historiador del cine Dan Aullier encontró en 1999 unos rollos y documentación sobre la película entre el material que la hija de Alfred, Patricia Hitchcock, donó a la Academia de Ciencias Cinematográficas de Los Ángeles.

domingo, 11 de noviembre de 2007

American Gangster

Ridley Scott es un director capaz de lo mejor y lo peor. Fue uno de los grandes triunfadores de los setenta/ochenta (Los duelistas, Blade Runner, Alien, Telma y Louise -aunque sea de 1991-) y autor de una carrera más bien discreta en los noventa (1492:la conquista del paraíso, La teniente O´Neil), que consiguió resurgir a partir del 2000 con Gladiator.
Ahora estrena American Gangster, la crónica del ascenso y la caída de Frank Lucas (Denzel Washington), al parecer, el primer gran capo de la droga de raza negra de Estados Unidos. Al tiempo presenciamos la historia de Richie Roberts (Russell Crowe), el policía que terminará por detenerlo.





Uno de los principales retos a los que se enfrenta Scott con esta película es que tras verla, se verá comparada con otras obras del mismo género, léase Atrapado por su pasado, El Padrino, El precio del poder, Uno de los nuestros, o incluso, Blow. Las similitudes que existen entre todas estas se centran en el argumento, lo que podríamos llamar "la puerta trasera del sueño americano". En esto no sucede en American gangster que, en principio, no presenta un interés moralizante tan claro. Es como si realmente lo que quisiera mostrarnos el director inglés es el inexorable triunfo del capitalismo a través del hombre hecho a si mismo, bien como delincuente (Frank Lucas), bien como policía honesto (Richie Roberts), mientras que sitúa la historia durante la guerra (contra el comunismo) del Vietnam. Además de que en este caso Scott ha optado por unl ritmo es muy pausado, rehuyendo del montaje acelerado tan típico ya del género.

Gran parte del peso fundamental de la película recae sobre las interpretaciones de los protagonistas, aunque creo que debería de considerarse a Denzel Washington como el principal. Este ha construido su actuación a partir de los rasgos más significativos de su personaje: familiar, humilde, sobrio, de solidos valores, pero también extremadamente violento, todo lo cual relaciona a su personaje con otro gran patriarca mafioso del cine, Vito Corleone.


Esta violencia que se oculta tras los momentos de calma son los que nos proporcionan los mejores momentos de la película, los que nos dan la dimensión mas "real" de su personaje. Por otro lado, Russell Crowe, en su papel de policía honesto intenta mostrarse como una persona "normal", compone un buen papel, con sus virtudes y sus defectos. Sin embargo, son las virtudes del personaje las que impiden que el papel sea redondo (lo que sucede en la última escena del juicio por la custodia de su hijo).

Pero la película no es redonda, me parece que necesitaría un poco más de tensión, sobre todo en sus momentos finales. Hay un primer final, que parece un poco precipitado y al que le falta cierta fuerza. Este, lleva a un epílogo, que parece defender una cierta moralidad, lo que (acertadamente) no había sucedido a lo largo de toda la cinta, que si parece ocurrir entonces. Pero el mayor defecto que tiene es la falta de un punto final brillante (se echa en falta una set piece como la de El precio del poder), o un crescendo... Con todo ello son las interpretaciones las que le dan caracter a la cinta, salvan la película y la hacen recomendable.

sábado, 10 de noviembre de 2007

La primera nevada

Los primeros planos de La primera nevada parecen entroncar con el final de Carretera Perdida. Sin llegar a los extremos de David Lynch, el director de esta (Mark Fergus, guionista de A scanner Darkly y de Hijos de los hombres) intenta conjugar lo real con lo sobrenatural, con un resultado un tanto desigual.


La inefable sinopsis.... un vendedor (Guy Pearce) se queda tirado en la carretera. Mientras espera a que su coche sea arreglado, visita a un vidente que le predice que con la próxima nevada, morirá.

Bueno, me gustaría diferenciar, en este caso, de forma clara entre forma y contenido. Formalmente es una cinta bellísima. Ambientada en el medio oeste estadounidense, el director ha extraído imágenes preciosas, destacando la horizontalidad del paisaje y ha jugado con los encuadres y las texturas (atención al plano del protagonista atravesando un paisaje nevado), de una manera que me ha recordado a La promesa (de Sean Penn).


De otra parte tenemos la historia... aquí está lo que más flojea. Mientras predomina el elemento sobrenatural (la predicción, el mcguffin) la película función muy bien, el director sabe crear un clima opresivo, paranoico, donde todo le recuerda al protagonista a la muerte -y en lo que actúa a modo de contrapeso su novia (Piper Peraboo) y su mejor amigo (William Fitcher)-. Pero a partir de aquí flojea, según la trama se acerca a lo convencional, y va perdiendo fuerza hasta el final.