Beowulf

Beowulf pertenece a la misma estirpe de héroes que Hércules, Aquiles o Gilgamesh, aquellos que solo con su muerte lograron acceder a la inmortalidad. La suya es una historia mítica, gloriosa, pero también triste ante la certeza de su destino.

La película de Robert Zemeckis deja una sensación ambigua. Si, deslumbra, desde el punto de vista técnico es increíble, pero presenta sus pegas en el contenido. La película tiene dos partes, la primera nos presenta a un héroe joven, altanero, que cae en la tentación de convertirse en rey. La segunda muestra la "redención" del héroe. Viejo ya, tiene la posibilidad de encontrarse con las consecuencias de sus actos y, esta vez si, hacer lo correcto y entrar en la inmortalidad.

Hay cuatro escenas que particularmente me han encantado en la película. La primera aparición de Grendel es un auténtico prodigio. También lo es el fragmento donde se recuerda la lucha de Beowulf con monstruos marinos, así como el encuentro entre el héroe y la madre del monstruoso ser Grendel y toda la parte final, con dragón y lucha final incluida.

No deja de ser paradójico que de estas escenas, dos sean de las que mayor contenido dramático poseen, la primera y la tercera (junto con la muerte de Grendel). Porque esa es una de las cosas más discutibles que posee, la planitud de ciertos elementos del guión, aún a pesar de los aspectos oscuros que presenta. Uno es la presencia de la religión, esa estancia que se cierra tras el primer ataque por creer que este se debe a sus actitudes pecaminosas. Otro Grendel, ese ser (digno de estar la altura de Gollum) sensible al sonido, que mientras esta en pantalla proporciona algunos de los mejores momentos de la cinta, a la par que es su muerte el desencadenante de la maldición de Beowulf.

Otro elemento es la violencia que presente por todas partes y luego el sexo. La escena de la seducción entre el héroe y la madre de Grendel, me parece simplemente maravillosa. La aparición de ella, la masturbación metafórica (donde la idea de la espada como símbolo viril adquiere todo su significado)... increíble.

Pero la cuestión es que aparte de ello no parece que haya nada más. Los personajes, salvo por la del viejo rey Hrothgar y en el anciano Beowulf, no presentan muchos más matices (si obviamos buscar el parecido con los actores reales). Esto demuestra que no solo hay que contar con que la técnica sea suficiente para deslumbrar al público, sino que hay que querer ir más allá. Otra cosa, que había señalado en los comentarios de la preview de la película, es si hacía falta realmente hacer la película así. Lo mejor de la animación es que es capaz de tomar los materiales de la realidad, subvertirlos y hacer casi cualquier cosa. Esta idea, si se quiere contar una historia mítica, resulta ideal. Pero, por ejemplo, vemos al personaje de Angelina Jolie y pensamos en ella, la cuestión está en que querer aproximar la animación a lo real, quizás no esta haciendo más que limitarla.

(Fragmentos de la película y de una entrevista a los guionistas, Neil Gainman y Roger Avary durante la comic-con de San Diego. Lamentablemente, solo he podido encontrar este material en inglés)

Adiós, pequeña, adiós (Gone, baby, gone)

El largometraje debut de Ben Affleck despertaba curiosidad, quizás miedo. Su integración en la gran industria de Hollywood, una elección de papeles discutible y haberse convertido, durante un tiempo, en personaje de la prensa rosa planteaba dudas sobre sus posibilidades. Y eso a pesar de que adaptaba un material tan potente como la novela de David Lehane, Adiós pequeña, adiós, de quién ya habíamos visto una adaptación anterior, Mystic River, de Clint Eastwood.

Lo cierto es que Affleck aprueba el examen, diría incluso que con muy buena nota. La historia narra el secuestro de una niña y como su desaparición se transforma en una prueba moral para el protagonista. Este, encarnado por Cassey Affleck compone un personaje interesante, que durante gran parte de la cinta cae mal, un listillo con cara de crío. Pero también es el personaje sobre el que recae gran parte de la historia y el que nos plantea el dilema moral de la misma.
¿Qué debemos hacer? ¿lo que sabemos que es mejor o lo correcto? ¿Hasta que punto se puede justificar matar?¿hasta que punto es justificable? son algunas de las preguntas que sinuosamente se van deslizando a lo largo del metraje.

Me han gustado los personajes, todos ellos bastante ricos en detalles, dando pistas de ellos, dejando caer muchas cosas. También me llamó la atención la estructura de la película, bastante llamativa. Realista, ambientada en las zonas marginales de Boston, comienza contando la desaparición y la búsqueda de la niña desaparecida (se ha repetido hasta la saciedad el paralelismo con el caso de Madeleine McCann, totalmente casual), a continuación, pasa a un primer "final", desencadenante de la acción posterior. Luego se presenta un segmento medio (lo mejor de la película), para después desmontar todo lo contado en el primer acto y finalizar con un epílogo, triste y silencioso.


Hay pocos peros que ponerle a la película, quizás la caída en algunos tópicos en lo que respecta a la investigación policial y a cierto exceso de diálogo, lo que deja a esta por detrás de la contención de Mystic River. Pero en definitiva se trata de un film bastante sólido, con un reparto bastante equilibrado (muy bien Cassey Affleck y Ed Harris), aunque quizás se desperdician los personajes de Morgan Freeman y Michelle Monaghan, pero cuyo mayor acierto esta en plantear más de lo que responde.

Preview: 01-18-08 aka Coverfield aka Monstruoso

Apenas un anuncio bastó para que la próxima película de JJ Abrams, el enfant terrible de la televisión USA (creador de Alias o Lost, entre otras), desatara las especulaciones. Imágenes de una fiesta, una explosión y un título 01-18-08 (aunque parece que finalmente se titulará Cloverfield/Monstruoso).

¿Un remake de The Host? ¿una continuación de Godzilla? ¿Voltron? ¿el Cthulhu?
Lo cierto es que para encontrar los orígenes de este proyecto hay que remontarse al momento en el que Abrams se comprometió a filmar la nueva parte de la saga Star Trek. Entonces, como contraprestación solicitó la financiación para producir un proyecto mas pequeño (para lo que son las producciones hollywoodienses, 30 millones de dólares).



A continuación, le siguió la presentación de una web que, al puro estilo Lost, más que ayudar, siembra el terreno de especulaciones. Una campaña exitosa, a la vista de como se ha estremecido toda la red(por cierto, algún día habrá que hablar de la relación entre cine e internet como medio publicitario desde el primer gran éxito en este sentido, El proyecto de la bruja de Blair) que no ha hecho más que abrir el "apetito" con vistas al estreno y creando más controversia, a lo que hay que unir páginas a las que erróneamente se les ha atribuido una relación con la película como ethanhaaswasright.com y ethanhaaswaswrong.blogspot.com (rumor desmentido por el propio Abrams).
Por cierto para el que vaya a la pagina 1-18-08.com, que pinche sobre las fotos y "frote" sobre ellas...
Lo que si se sabe es que la película estará dirigida por Matt Reeves (Felicity), la acción se sitúa en Nueva York y esta filmada a modo de vídeo casero.

Personalmente y aunque es algo temprano aún, creo que tiene buena pinta. También admito me gustaría que utilizara las criaturas del mundo literario de H.P. Lovecraft, aunque la presencia de la idea del contagio me recuerda a la coreana The Host, pero no se. La respuesta, con el estreno fijado en USA para el 18 de enero casi al tiempo de la nueva temporada de Lost ¿casualidad?); el 25 en México, el 31 en Argentina y el 1 de febrero en España.

pd. Otra cosa, como hay mucho material por la red acerca de la película os dejo unos enlaces.
En la wikipedia hay alguna cosilla en inglés.
Aullidos.com tiene aqui su ficha, que van actualizando.
En Uruloki también se habla sobre la película.

Fernando Fernán Gómez (1921-2007)

Ayer falleció Fernando Fernán Goméz, uno de los grandes del arte español del siglo XX. Nacido en Lima, hijo de actores españoles. Estudió filosofía y letras para terminar dejándose conducir por su verdadera vocación: la interpretación.
Destacado actor de teatro desde finales de los años treinta, a mediados de la década siguiente comenzó a trabajar en el cine.
A partir de los años ochenta comenzó a volcarse en su faceta literaria: artículos, ensayos, once novelas, un extensa autobiografía, obras de teatro, como fue su mayo éxito: Las bicicletas son para el verano.
En 1998 fue elegido miembro de la Real Academia Española, galardonado con el Premio Príncipe de Asturias tres años antes. La suya fue una carrera labrada desde el teatro, para luego consolidarse como un popular actor de comedia.
Desde los setenta su prestigio como director y actor aumentó hasta lo noventa, cuando su actividad actoral comenzó a decaer, no así como escritor.
Pese a ser recordado por otras "actuaciones" recientes,

no debemos olvidar que con él se ha marchado uno de los grandes de la cultura en español.

Redacted

La última película de Brian de Palma, Redacted, narra unos sucesos acontecidos en 2006 en una localidad al sur de Bagdag (Irak), la violación de una niña y su posterior asesinato, además del de parte de su familia por un grupo de soldados estadounidenses (aquí y aquí se cuenta la noticia).

De Palma, que lleva unos años con un rumbo titubeante, se ha mostrado siempre como un gran espectador de cine. Eisenstein y Hitchcock -sobre todo éste-, son referentes esenciales en su cine.
En este caso sus referentes cambian, aproximándose a Peckinpah (y a su Grupo Salvaje) y al Stanley Kubrick de La chaqueta metálica y La naranja mecánica (como en el uso de suaves travellings o la manera de alejarse de la cámara, desde un primer plano a plano medio o general, amén del uso de la música de Barry Lindon), sobre todo en la primera mitad del metraje. De hecho, podría verse Redacted como una versión irakí de La chaqueta metálica, prescindiendo de la despersonalización de los soldados y de la parte del entrenamiento. Acompañada de la violación del hogar por parte de los drugos (los miembros de la banda de Alex, en La naranja mecánica).

Así, acompañamos a un grupo de soldados a cargo de un punto de control. Para ello De Palma recurre a técnicas cercanas al documental, la filmación corresponde en gran parte al vídeo diario personal de uno de los soldados, también cuenta con imágenes provenientes de medios de información o de otros medios de distribución de imágenes (webs, blogs, youtube...), lo que no implica una multiplicación de los punto de vista, sino simplemente se presenta como un recurso estilístico.
La crítica USA ha machacado la película, muy probablemente por las implicaciones que tiene dentro del país, solo hay que darse una vuelta por foros como el de imdb o páginas pidiendo su boicot, por su supuesto espíritu antipatriótico.
Pero los verdaderos problemas de la cinta son otros. De una parte los personajes. Tópicos, el soldado recto, el soldado intelectual, el soldado tonto... prescindiendo de casi toda caracterización acerca de sus motivaciones, como se han convertido en lo que son, o acerca de quienes son (incluso hay un momento que me recuerda A sangre fría, en el que uno de los protagonistas recuerda a su hermano).
También esta el excesivo artificio que emplea para contar la historia, el uso de diferentes formatos no persigue plantear niguna reflexión.Y otro problema es el de las interpretaciones, que dejan bastante que desear, lo cual no hace sino perjudicar el resultado final. Evidentemente no creo que De Palma haya perdido el ojo con los actores y no vea las interpretaciones, pero creo que estas persiguen una finalidad realista. Los neorrealistas italianos, en su afán por lograr la "realidad" utilizaban a gente común como actores. En Redacted, los actores actúan como actuarían soldados interpretando a soldados. Esto provoca, que como dice la crítica de Lo que yo te diga, Redacted es una película que, por su tema, se ve en silencio por momentos (la tremenda escena de la violación), estremecido. Pero por su tema, por lo que cuenta (incluso a pesar de algunos elementos éticos casi al final), no por la realización en si, lastrada por unas interpretaciones que la acercan más a un telefilm de sobremesa que a una gran película.

Grandes momentos de la historia del cine: El Resplandor.

La familia Torrance llega al hotel Overlook. Sin saberlo se han metido en la boca del lobo. Allí reside un mal que poco a poco les irá rodeando, sobre todo al padre, Jack (Jack Nicholson).... ¿o acaso sólo saca lo que y había dentro de ellos?
Para filmar El Resplandor, Stanley Kubrick utilizó planos largos y movimientos suaves de cámara. Para ello se valió de la steady cam, un tipo de cámara unida a un arnés con pesos que permite al operador de cámara moverse libremente sin que su movimiento afecte la imagen. Si bien no fue Kubrick quien la inventó, si fue el director que generalizó su uso.
Sin ella, El Resplandor no habría sido la película que es hoy y nunca habríamos tenido la sensación de que poco a poco la familia se internaba en el terror, lenta e inexorablemente, como cuando acompañamos al pequeño Danny por los pasillos del hotel.

Preview: Beowulf

Primero una nota "erudita", sacado de la wikipedia, "Beowulf es un poema épica que fue escrito en inglés antiguo en verso aliterativo. Con 3182 versos, contiene mucho más material que cualquier obra similar en su mismo idioma, y representa alrededor del 10% del corpus existente del verso anglosajón. El poema no tiene título en el manuscrito, pero se le ha llamado Beowulf desde principios del siglo XIX.
Su importancia es equiparable a la del Cantar del mío Cid o el Cantar de Roldán. Se estima que el poema se redactó en la primera mitad del siglo VIII, aunque ese tema es objeto de debate. La narración se sitúa en los siglo V-VI.
Tiene dos grandes partes: la primera sucede durante la juventud de Beowulf, y narra cómo acude en ayuda de los daneses o jutos, que sufrían los ataques de un gigante (Grendel), y tras matar a este, se enfrenta con su madre; en la segunda parte Beowulf ya es rey de los gautas y pelea hasta la muerte con un dragón".

Este año se estrenan dos películas que recogen el mito, una protagonizada por Gerard Butler (Leónidas en 300) y otra, de animación, dirigida por Robert Zemeckis. Lo dejo claro desde el principio, no, no me gusta Zemeckis -aunque me gustó, y bastante, Contact-. Me parece que ha sabido continuar la manera "clásica" de hacer cine, pero también pienso que no se arriesga más allá de en lo técnico (lo que si, tiene su mérito).

Ahora estrena la adaptación del mito para lo que ha hecho lo mismo que en Polar Express. filmar con actores y luego digitalizar la imagen, pasándola a animación. Personalmente, una lástima prescindir del Ray Winstone "real". A mi, a priori, no me termina de seducir. Pero bueno, veremos. Puede que dentro de un par de entradas tenga que reconocer que no ha estado mal.... ¿quién sabe?

La extraña que hay en ti (The brave one)

Tenía esta crítica pendiente desde hacía un par de semanas (como la de Promesas del Este), así que la comentaré en caliente.
La película cuenta la historia de una locutora de radio, Erica Bain (Jodie Foster) que una noche, pasea junto a su novio (Naveen Andrews). Ambos reciben una paliza, a consecuencia de la cual él muere y ella queda en coma. Al recuperarse, algo en Erica ha cambiado. Sale a las calles intentando combatir su miedo mediante venganza.

En el fondo, lo que el guión ha hecho ha sido utilizar el "esquema Charles Bronson", ¿recuerdan sus pelís?
1. A su hija y/o mujer le hacían algo tremendo (asesinadas y/o violadas).
2. Charles salía a la calle a vengarse a base de plomo.
3. Charles no solo era apoyado por la población, sino por las autoridades (siempre tenía un amigo policía).

De todas maneras, vamos al grano...
Lo que me ha gustado de la película:
Los actores. Jodie Foster esta muy bien (pese a que nunca me ha terminado de gustar, lo admito), a modo de un moderno Travis Bickle (Robert de Niro en Taxi Driver), vagando por las calles de Nueva York, mezclando fragilidad y violencia. Lo mejor, sin duda, sus momentos de "enajenación" y su mirada, la expresión de su rostro.
También Terrence Howard, el policía que investiga los asesinatos cometidos por el personaje de Jodie Foster. Fundamentalmente me han gustado sus pequeños gestos, sus miradas.
La historia de amor-amistad, que tiene que ver con lo que acabo de decir. Hay una historia íntima entre Jodie Foster y Terrence Howard, de "amor"... de proximidad entre dos personas heridas sería más apropiado, contada a través de detalles (como el almuerzo en el que él toma su mano).
Cosas del guión, sobre todo las referencias mitológicas. Como el perro con el que se reencuentra y que reconoce a Erica hacia al final; o cuando una joven prostituta dice que "nadie" le ayudó. Esto equipara al personaje de Foster con un moderno Odiseo, vagando a la búsqueda de si misma.

Qué no me ha gustado nada (y creo que son mayoría):
Cosas de la dirección, la película se hace un tanto pesada, le falta algo de ritmo, pese a que estéticamente está muy bien. Pero creo que el segundo movimiento se alarga demasiado y termina por hacerse pesada.
Aspectos del guión (si, ya se que dije que algunos me gustaban), ocurre como lo que había comentado en Mr.Brooks, no creo que sea adecuado basar la historia de una investigación en pistas "casuales", o al menos, no darle la categoría de certeza como si sucede aquí, lo cual no hace sino restar credibilidad a la historia.
Otro de ellos es el concepto de culpa. Neil Jordan, en otras películas ha justificado la presencia de esta idea debido a cuestiones religiosas (Jordan es de un país muy católico como es Irlanda), pero aquí, al no incidir en el cristianismo ni en la redención, el concepto de culpa queda un poco descolgado. En este sentido, si me habría gustado ver la misma historia en manos de otro director, como David Cronenberg. Pese a que Jordan es muy cuidadoso con las formas, creo que siempre ha pecado de dejar demasiadas puertas abiertas en sus guiones.
La conclusión moral de la cinta. Peligrosa y perjudica mucho a la cinta. Las reacciones humanas son justificables, pero ¿pueden serlo cuando cuando es una autoridad autoridad las realiza?

Películas que nunca veremos (1): Kaleidoscope

Pongámonos en situación. Mediados de los sesenta (1967), François Truffaut, termina de leer un guión. Sabe que lo que tiene entre sus manos lo que puede ser una obra maestra. Sin embargo, también sabe que su carga de sexo y violencia hace muy difícil, si no imposible, realizarla. Acababa de leer el guión de Kaleidoscope, de Alfred Hitchcock (1899-1980).

Tras Cortina rasgada y Marnie, que no contaron con el apoyo crítico, el orondo director británico consideró dar un giro en su carrera, pese a su edad (superaba los sesenta años) y a contar con un status importante en la industria.
Para ello partió de un suceso real, Neville Heath, un joven oficial de la RAF que en 1946 violó, mutiló y asesinó a dos mujeres, para luego ser condenado a muerte. En el guión de Hitch, (estructurado en tres crescendos, a partir de tres asesinatos) encontramos a un joven que atrae a las mujeres a su muerte. Para detenerlo la policía le pone una trampa, una mujer policía que se presenta como víctima potencial. Todo ello con una estética cercana a las novedades estilísticas llegadas de Europa, sobre todo a través de la Nouvelle vague.

Sin embargo, los directivos de la Universal se asustaron. Temieron que el tratamiento de la historia fuera demasiado radical, demasiado violenta y muy explícita en lo sexual, eso incluso cuando Hitchcock se ofreció a hacerla por menos de un millón de dolares, rodándola con actores desconocidos (pese a que llegaron a sonar nombres como Michael Caine o David Hemmings). Así el proyecto quedó en el cajón, pese a que años después recuperó algunas ideas para Frenesí (1972), hasta que el historiador del cine Dan Aullier encontró en 1999 unos rollos y documentación sobre la película entre el material que la hija de Alfred, Patricia Hitchcock, donó a la Academia de Ciencias Cinematográficas de Los Ángeles.

American Gangster

Ridley Scott es un director capaz de lo mejor y lo peor. Fue uno de los grandes triunfadores de los setenta/ochenta (Los duelistas, Blade Runner, Alien, Telma y Louise -aunque sea de 1991-) y autor de una carrera más bien discreta en los noventa (1492:la conquista del paraíso, La teniente O´Neil), que consiguió resurgir a partir del 2000 con Gladiator.
Ahora estrena American Gangster, la crónica del ascenso y la caída de Frank Lucas (Denzel Washington), al parecer, el primer gran capo de la droga de raza negra de Estados Unidos. Al tiempo presenciamos la historia de Richie Roberts (Russell Crowe), el policía que terminará por detenerlo.

Uno de los principales retos a los que se enfrenta Scott con esta película es que tras verla, se verá comparada con otras obras del mismo género, léase Atrapado por su pasado, El Padrino, El precio del poder, Uno de los nuestros, o incluso, Blow. Las similitudes que existen entre todas estas se centran en el argumento, lo que podríamos llamar "la puerta trasera del sueño americano". En esto no sucede en American gangster que, en principio, no presenta un interés moralizante tan claro. Es como si realmente lo que quisiera mostrarnos el director inglés es el inexorable triunfo del capitalismo a través del hombre hecho a si mismo, bien como delincuente (Frank Lucas), bien como policía honesto (Richie Roberts), mientras que sitúa la historia durante la guerra (contra el comunismo) del Vietnam. Además de que en este caso Scott ha optado por unl ritmo es muy pausado, rehuyendo del montaje acelerado tan típico ya del género.

Gran parte del peso fundamental de la película recae sobre las interpretaciones de los protagonistas, aunque creo que debería de considerarse a Denzel Washington como el principal. Este ha construido su actuación a partir de los rasgos más significativos de su personaje: familiar, humilde, sobrio, de solidos valores, pero también extremadamente violento, todo lo cual relaciona a su personaje con otro gran patriarca mafioso del cine, Vito Corleone.

Esta violencia que se oculta tras los momentos de calma son los que nos proporcionan los mejores momentos de la película, los que nos dan la dimensión mas "real" de su personaje. Por otro lado, Russell Crowe, en su papel de policía honesto intenta mostrarse como una persona "normal", compone un buen papel, con sus virtudes y sus defectos. Sin embargo, son las virtudes del personaje las que impiden que el papel sea redondo (lo que sucede en la última escena del juicio por la custodia de su hijo).

Pero la película no es redonda, me parece que necesitaría un poco más de tensión, sobre todo en sus momentos finales. Hay un primer final, que parece un poco precipitado y al que le falta cierta fuerza. Este, lleva a un epílogo, que parece defender una cierta moralidad, lo que (acertadamente) no había sucedido a lo largo de toda la cinta, que si parece ocurrir entonces. Pero el mayor defecto que tiene es la falta de un punto final brillante (se echa en falta una set piece como la de El precio del poder), o un crescendo... Con todo ello son las interpretaciones las que le dan caracter a la cinta, salvan la película y la hacen recomendable.

La primera nevada

Los primeros planos de La primera nevada parecen entroncar con el final de Carretera Perdida. Sin llegar a los extremos de David Lynch, el director de esta (Mark Fergus, guionista de A scanner Darkly y de Hijos de los hombres) intenta conjugar lo real con lo sobrenatural, con un resultado un tanto desigual.

La inefable sinopsis.... un vendedor (Guy Pearce) se queda tirado en la carretera. Mientras espera a que su coche sea arreglado, visita a un vidente que le predice que con la próxima nevada, morirá.

Bueno, me gustaría diferenciar, en este caso, de forma clara entre forma y contenido. Formalmente es una cinta bellísima. Ambientada en el medio oeste estadounidense, el director ha extraído imágenes preciosas, destacando la horizontalidad del paisaje y ha jugado con los encuadres y las texturas (atención al plano del protagonista atravesando un paisaje nevado), de una manera que me ha recordado a La promesa (de Sean Penn).

De otra parte tenemos la historia... aquí está lo que más flojea. Mientras predomina el elemento sobrenatural (la predicción, el mcguffin) la película función muy bien, el director sabe crear un clima opresivo, paranoico, donde todo le recuerda al protagonista a la muerte -y en lo que actúa a modo de contrapeso su novia (Piper Peraboo) y su mejor amigo (William Fitcher)-. Pero a partir de aquí flojea, según la trama se acerca a lo convencional, y va perdiendo fuerza hasta el final.

Preview: Avatar de James Cameron.

Esto más que una preview debería ser una pre-preview del que parece que será uno de los estrenos más importantes no ya de este año 2008 que se avecina, sino del siguiente, del 2009 (mayo, parece ser). Se trata de Avatar del director James Cameron.


Lo que sucede con Avatar, es como otras tantas películas futuras, que la red se ha llenado de noticias que se contradicen, sirven para difundir rumores y para, en definitiva crear espectación. Así que intentado especular lo menos posible recurrimos a fuentes fiables (¿existen en internet?), imbd y la wikipedia; y a otras un poco más discutibles como aquí, en esta página también o esta otra (ambas en inglés).

Por lo que se extrapola la película contara la historia de un marine (Sam Worthington), enviado a un planeta habitado por una raza alienigena humanoide y de una exhuberante riqueza biológica, Pandora. Bueno, el marine acude sustituyendo a su hermano gemelo fallecido que trabaja para una compañía (¿no les recuerda a Alien?) que ha creado avatares, recreaciones tridimensionales de cuerpos. Este entra en contacto con los alienigenas, y se enamora de una de ellos (Zoe Saldana), para terminar dirigiéndolos en un conflicto contra la compañía.

Aparte de esto, otras cuestiones, del reparto.... sale Sigourney Weaver, interpretando a una bióloga; Giovanni Ribisi, Michelle Rodríguez, y luego muchísima especulación. Quizás el personaje protagonista sea parapléjico, quizás el planeta esta poblado por criaturas gigantescas..... ¿Quién sabe? Tratándose de un perfeccionista como James Cameron, todo parece posible.
Ahora tan solo es cuestión de esperar.

Invasión

La verdad, no iba a comentar nada de Invasión, lo que pasa es que la cantidad de críticas -todas negativas- me terminó por convencer de verla, más que nada, por ver si era tan desastrosa como decían. Aquí os dejo dos, una de Lo que yo te diga y otra de la revista Fotogramas.
Les diré algo, creo que las críticas son tremendamente benevolentes.

Vamos por partes. La película formalmente esta bien, muestra una imagen retro estilísticamente, abundante en tonos grises y colores planos. Todo parece destinado a "hacernos pensar" sobre que es lo que nos diferencia como humanos ante los invasores. Pero poco más (salvo Nicole Kidman, que esta bastante bien) resulta interesante.
Bueno, no me detengo demasiado a contar la historia, basada en la novela de Jack Finney Los ladrones de cuerpos, que ya inspiró tres películas anteriores, de Don Siegel (1956), Philip Kaufman (1978) y Abel Ferrara (1994).

En este caso, el desaguisado explica porqué, como decía en el post sobre Soy Leyenda, da tanto miedo cuando una gran productora mete la mano en una historia como esta. Porque priman otros factores más allá de los artísticos..... más bien uno, la taquilla. Al parecer, el metraje original de Oliver Hirschbiegel no fue del agrado del productor, Joel Silver, quien acudió a los hermanos Wachowski que reescribieron parte del guión y al director James McTeigue (V de Vendetta) para que volviera a filmar algunas escenas. De este modo, toda la historia original queda desvirtuada, reducida a un guión plano, soso y reaccionario del que salen moralejas sonrojantes, y si no, que alguien me explique ese final (del que no quiero hablar para no destripar la peli al que aún no la haya visto).

Halloween (2007)

1978 vivió la presentación en sociedad de Mike Myers. Halloween, dirigida por John Carpenter significó el inicio de una amplia saga que, hasta hoy, incluía ocho películas. Ahora se estrena una nueva cinta que intenta redefinir los elementos del "mito" Myers de la mano de Rob Zombie.

Rob Zombie no ha hecho una nueva secuela. En su lugar se ha centrado en mostrar los orígenes del asesino. A ello le dedica la mitad del metraje (la mejor del mismo), mientras que la segunda parte del mismo narran los sucesos contados en la película de Carpenter. Esto ultimo, en cierto modo, termina por lastrar la película.

El primer movimiento nos muestra a la familia Myers y al pequeño Mike, explicando -por ejemplo- el porqué de su fobia al sexo y mostrando los primeros síntomas de su desequilibrio mental (y algunos de sus elementos más característicos -la máscara-) y finaliza con sus primeros asesinatos.

El segundo acto transcurre también durante su niñez, tras ser internado en su psiquiátrico al cuidado de un psicólogo interpretado por Malcom McDowell. Su estado mental empeora progresivamente y allí ataca a una enfermera. Esto lleva al final de acto, con el suicidio de su madre.

Lo narrado durante la última parte de metraje -la peor de la película-, corresponde con lo narrado en la primera película. Myers escapa de la institución donde estaba recluido y vuelve a su pueblo...

Halloween puede inscribirse en la línea de revisión que Hollywood ha planteado de filmes ya clásicos (La matanza de Texas: el origen, La matanza de Texas (2003) o El amanecer de los muertos), para lo cual han dejado la historia en manos de un director que ha sorprendido sus filmes anteriores, mostrando una serie de constantes que se hacen presentes también en esta. De una parte esta su empeño en mostrar núcleos familiares disfuncionales, como sucedía ya en La casa de los 1000 cadáveres. Y en este caso hay que unir la presión social que sufre el protagonista en su casa y en la escuela, más la fobia al sexo que le produce tener una madre stripper (Sheri Moon Zombie), que le transforma en objeto de mofa de sus compañeros. Ello es lo que hace que sea Mike Myers el verdadero "héroe" de la película. En este sentido juega un papel importante otro de los rasgos estilísticos del director como es el tratamiento de la violencia, alejado del slasher tradicional. En lugar de mostrar violencia de forma cruda, opta por utilizar elipsis y el el sonido (¿metáfora del desequilibrio interno?). De hecho, la escena más violenta de la película (la violación de una interna en la institución mental) no corresponde a una acción del asesino. Así, muchas veces los "normales, los "cuerdos" parecen más peligrosos que él.

Cómo ya comenté, hay un tratamiento de la violencia interesante por su sutileza y una indagación en el pasado del asesino, pero algo falla en la película y es la última parte. Esa es la que ralentiza el desarrollo del resto del metraje. Precisamente porque es la que ya conocemos, todos sabemos lo que va a pasar. Por ello es por lo que a falta de ritmo perjudica a toda la película (quizás le sobran veinte minutos) y por lo que ese doble final no cogerá a nadie por sorpresa.