domingo, 28 de diciembre de 2008

Cine club. 2001: Una odisea del espacio (2001: A space odissey).


Cuando ya falta poco para que se acabe este año 2008 hay una película que cumple su cuarenta aniversario que no podía dejar de recordar. Una de esas cintas que buscan plantearnos una serie de cuestiones fundamentales para el ser humano y que transforman este film en algo que se escapa de las barreras de lo cinematográfico. Estoy hablando de 2001: Una odisea del espacio (2001: A space odissey).

¿Cómo definirla? Proporcionar una sinopsis no es tarea fácil. La película se divide en tres partes.
1. El amanecer del hombre
Nos encontramos en África, hace cuatro millones de años. Un grupo de simios viven, malviven, temerosos, a expensas de los depredadores. Un día uno de ellos despierta y encuentra un monolito, una forma granítica de varios metros de altura. Poco a poco los primates comienzan a evolucionar. Empiezan a utilizar herramientas y a dominar el medio. Esto llevará, en -quizás la mayor elipsis de la historia del cine- a finales del siglo XX, a 1999, cuando el hombre ha dominado la Tierra y se comienza a adentrar en el espacio.

El Doctor Floyd viaja a la Luna para dirigir la investigación sobre un extraño objeto enterrado en el satélite. Al verlo, como los primates antes, los humanos se acercan temblorosos a él.

2. Misión a Júpiter.
Un grupo de astronautas son enviados en misión a Júpiter. Tres en hibernación, dos Poole y Bowman, despiertos juntos al ordenador HAL 9000. Sin un motivo aparente, el ordenador comienza a preguntarse sobre los motivos de la misión y en un intento -"humano"- de supervivencia va eliminando a toda la tripulación... a toda, menos a Bowman. Este loga desconectar los circuitos de HAL y descubre la verdadera naturaleza de la misión: Investigar el destino de una señal emitida desde la Luna en 1999.

3. Júpiter y más allá del infinito.
Solo, Bowman llega a Júpiter. Abandona su nave en un pequeño módulo. Allí, en las cercanías del planeta comienza un viaje alucinante y psicodélico.

Este termina en una habitación decorada en esilo Luis XVI, donde se ve a si mismo envejecer hasta morir ante la mirada del monolito. En ese instante renace, ¿humano? quizás... a lo mejor como "hombre de las estrellas", igual que los primates evolucionaron a Homo sapiens.


Más allá de las cuestiones que plantea, 2001: Una odisea del espacio, supuso en su momento un punto y aparte frente a lo que había sido el cine de ciencia ficción hasta el momento y que se unió a otras películas, como El planeta de los simios, del mismo año, con la que compartía la visión negativa del futuro. Hasta ese instante, el género estaba casi arrinconado en la serie B, sexo, científicos locos y monstruos, pululaba por la pantalla. En lugar de eso, Stanley Kubrick, que acaba de cosechar un gran éxito con ¿Teléfono rojo? Volamos hacíamos Moscú (Dr. Strangelove or How I stop to worry about the bomb and love it), buscó el realismo máximo, que queda patente -por ejemplo- en que, a diferencia de lo habitual- no se oye nada en la escenas que suceden en el espacio exterior... porque es lo que sucedería en realidad. Al no haber oxígeno, no se transmite el sonido. Eso, en cierta manera, sería una buena manera de definir la manera de rodar de Kubrick, por momentos fría, aséptica. En planos donde abunda, una de las constantes del director los reencuadres a partir del uso de figuras geométricas.

El origen de la historia está en un relato de Arthur C. Clarke llamado El centinela, en el que se habla de un objeto abandonado en la Luna a la espera de que el hombre estuviera lo bastante evolucionado para encontrarlo.
Este intereso a Kubrick y fue el germen de lo que se vio en pantalla, y de la novela que luego escribió Clarke.

El monolito es uno de los elemento que más polémica ha suscitado. Me aventuro en dar mi interpretación. Desde mi perspectiva, el monolito es una ayuda y a la vez señal.
Los simios evolucionan a partir de su contacto. El hombre se transforma cuando entra en contacto con él. Pero también sucede que cada hallazgo de un monolito significa un avance evolutivo. Con el primero se marca un primer estadio. Con el segundo se marcaría la madurez del ser humano. La bastante como para ser capaces de llegar a la Luna y excavar hasta encontrarlo. Quizás, lo mismo podría pasar con HAL ¿entraría en contacto con la señal? ¿sería eso lo que le hace cambiar su conducta a otra más "humana"?

Otro de los temas que toca la película es la condición humana. Y como era habitual en Kubrick, su visión es dura, descreída y pesimista. Resulta llamativo como el hombre comienza a ser hombre cuando descubre como crear un arma y como según avanza el grado de tecnificación las relaciones interpersonales se van haciendo más frías, si no inexistentes. Hasta el extremo que el personaje más humano de todos, es el ordenador HAL 9000.

Quizás por todo eso, por ser un director de reconocido prestigio metido en un género, considerado, menor, la crítica no terminó de recibir bien la película. Pero un grupo de jóvenes, los que formarían parte de la naciente contracultura quienes la recibieron con los brazos abiertos porque le daba salida a sus anhelos, y lo hacía respondiendo a una serie de preguntas fundamentales ¿Quién soy? ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy?

Preview: 9.

Leo en Abandomiez sobre 9, una película de animación dirigida por Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov. Por lo que se ve, el proyecto tuvo su origen en un corto de Acker -profesional de WETA-, que impresionó tanto al estadounidense como al ruso que permitió que pasará a largometraje.

El cortometraje 9 (2005).

El largo 9 se estrenará el 9 del 9(septiembre) del 2009 en los EE.UU. Entre el reparto de voces encontramos a Elijah Wood, Jennifer Connelly, John C. Reilly, Crispin Glover, Martin Landau y Christopher Plummer.

Trailer del largo 9
9 nace en un mundo post-apocalíptico. No quedan humanos sobre el planeta. Casualmente descubre que hay otros como él que intentan protegerse de terribles máquinas que intentan acabar con ellos. 9 convencerá a 7, 5, 6, 1 y 2 para que le acompañen a descubrir por qué las máquinas quieren acabar con ellos… en su viaje descubrirán que el futuro de la civilización depende de ellos.

sábado, 27 de diciembre de 2008

Metallica: All Nightmare Long.

Como ya hice con Thriller me voy a tomar una pequeña licencia y os dejo un vídeo musical que previamente se lo he "robado" a mi amigo Zombi. Se trata de All nightmare long, incluido en el Death magnetic de Metallica.

La letra habla sobre las malas actitudes de los hombres frente a sus malas acciones, y sus intentos de huir de los problemas que ellos mismos causan. Mientras el vídeo incluye fragmentos de la película japonesa Casshern (web oficial/wikipedia).

viernes, 26 de diciembre de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: El ejército de las tinieblas (con bonus).

Hoy, en Grandes momentos de la historia del cine, tenemos concurso. Os traigo una secuencia, memorabilísima de El ejército de las tinieblas, que cerraba la trilogía Evil Dead, con Bruce Campbell de protagonista. Repleta de homenajes y guiños. En esta secuencia hay una referencia a un película, única pista, reciente. ¿Alguien se aventura?


Además como regalo de Navidad, os traigo el final original de la película. En wikipedia se lee, que es con el que se presentó originalmente la cinta. Pero, tras verlo en Sitges los productores hicieron que la cambiara por la que finalmente se vio.
En esta el hombre sabio le da unas gotas a Ash. Por cada una, dormirá un siglo. Evidentemente siendo nuestro héroe quien es, difícilmente le iba a salir bien...

Ultimátum a la Tierra (The day the Earth stood still).

Durante los últimos años Hollywood ha ido volviendo su mirada hacia atrás. Así películas que, con el tiempo se han ido convirtiendo el clásicos han sido revisitados, muchos de ellos en clave moderna, cambiando los antiguos miedos por otros contemporáneos. Ejemplos de esto hay muchos, solo hay que ver La maquina del tiempo, La guerra de los mundos o Invasión -también incluiría Soy leyenda en este grupo-.

Sin embargo, ni actualizar los temas, ni los modernos efectos especiales pueden enmascarar el verdadero problema de las nuevas versiones. Fundamentalmente, por lo endeble de los guiones y por la necesidad de cubrir ciertos puntos, que garanticen que se cubran todos el espectro del mercado. Eso explica el casi (y triste) ridículo de películas que incluyen historias de amor que no se sostienen, la presencia de niños o animales de compañía o los forzadísimos happy end.

Dentro de esta tónica cabría incluir la versión que de la película de 1951, de Robert Wise, Ultimátum a la Tierra -The day the Earth stood still- ha dirigido Scott Dickerson (El exorcismo de Emily Rose).


La historia es prácticamente la misma, una nave espacial llega al planeta. En ella un enorme robot (Gort) y un individuo de apariencia humana (Klaatu/Kneanu Reeves) que tiene un mensaje importante que comunicar. Evidentemente es tomado por el gobierno como una amenaza. Pero una doctora (Jennifer Conelly) le ayuda a escapar.

Ultimátum a la Tierra en esta versión de 2008 es una película que apunta a cosas, algunas son interesantes, el motivo por el que vienen los extraterrestres al planeta. El no ver su imagen real, la concepción de toda la imaginería visual que se sale de lo que suele ser habitual, la presencia de la nanotecnología (que me recordó a La plaga, de Jeff Carlson)...
Lo que falla es que, al final, todo se queda a medias. Los personajes están exageradamente esbozados. Mejor dicho, solo están esbozados y algunas veces, como el personaje de Cathy Bates, demasiado tópicos. Esto hace que tengamos a buenos actores, Bathes, Connelly -que esta muy bien-, en personajes mal dibujados. De hecho, uno de los que mas juego podría dar, el científico interpretado por John Cleese termina por dejar la sensación agridulce de "lo que podría haber sido", y aunque estaba en el original, deja la sensación de haber querido acercarse al personaje de Michael Caine en Hijos de los hombres. Aunque el momento en el que Klaatu y el profesor trabajan juntos en una ecuación, con Bach de fondo, fue de lo que más me gustó.
Creo que incluso el niño diría que esta razonablemente bien. Jaden Smith, hijo de Will Smith y de Jada Pickett logra caer antipático durante gran parte del metraje, pero justo al final es cuando parece que su personaje adquiere su dimensión "comercial", para darle un toque familiar a la historia. Por otro lado, si es cierto que, al fin, Keanu Reeves tiene un personaje a la altura de sus cualidades interpretativas, aunque no deja de ser el mismo que lleva interpretando desde hace bastantes años.

Estéticamente, por otro lado, la película esta muy bien lograda. Algunas secuencias son, sencillamente, impresionantes -como la destrucción del estadio-. Lo mismo sucede con las naves. Al verlas se me vino a la mente la de Hugh Jackman en La fuente de la vida y su noción de "arcas de Noé". Paradójicamente, el juego de no mostrar la verdadera apariencia de los alienigenas no me ha disgustado. Al contrario, toda la parte inicial en la que se estudia de que esta compuesto Klaatu es de lo mejor de la película.
El problema de este Ultimátum a la Tierra es que parece muchas cosas, que nos llevará a una reflexión interesante sobre el ser humano (pese a ser una producción de Hollywood), incluso sobre lo que le hacemos a nuestro entorno y a nosotros mismos... pero al final no es nada de eso. Es una película, hasta cierto punto fría, construida en base a secuencias -a veces- deslabazadas. Suceden cosas, personajes toman decisiones importantes... y realmente no sabemos porqué. Y eso, realmente, si es el problema.

miércoles, 24 de diciembre de 2008

Creando al hombre (y a la mujer) perfecto(a). O el mito del moderno Prometeo en el cine de ciencia ficción.

Uno de los grandes temas del arte es la posibilidad de crear vida. En literatura, Frankestein, o El moderno Prometeo, de Mary Shelley quizás sea el ejemplo más importante del deseo humano de equipararse a Dios. A lo largo del tiempo el cine, por su lado ha ido recogiendo esa misma idea...

Maria en Metrópolis, Fritz Lang (1926)

Frankstein, James Whale (1931)

Terminator, James Cameron (1984)

Robocop, Paul Verhoeven (1987)

Terminator 2, James Cameron (1991)

Feliz navidad...

Bueno chiquitines... otro año más. Como pasa el tiempo. En fin... no me pondré sentimental (snif). Lo que haré será desearos felices fiestas y un buen año nuevo. No hablaré de la crisis, ni de la hipocresía social... ni del cine que nos engaña y nos defrauda casi constantemente. Os diré que espero que, con todo puedan pasar unas Felices Navidades y que el año que empieza permita, al menos remontar el vuelo.
A todos, muchas felicidades.

lunes, 22 de diciembre de 2008

Nombres a tener en cuenta... Sam Worthington.

Esta sección nace con toda la modestia del mundo, su objetivo es llamar la atención sobre los nombres que pronto darán mucho que hablar.

¿Quién?
Sam Worthington, Perth (Australia), 1976. Actor, con una carrera bastante sólida en su país, tanto en cine como teatro.


Somersault (2004)

¿Dónde se le ha visto?
En este lado del mundo, en un rol secundario en El territorio de la bestia, de Greg McLean y en algunos pequeños papeles en películas como La guerra de Hart.

¿Dónde le veremos?
2009 será un año movido para él. De entrada, todo el mundo espera el estreno de Terminator Salvation, donde compartirá pantalla con Christian Bale.

Pero, el plato fuerte vendrá en diciembre, cuando -por fin- llegue a las pantallas Avatar (más aquí), la película de James Cameron de la que es -junto a unos efectos especiales que han ido alterando la fecha de estreno- protagonista.

Y eso puede que solo sea el principio. Por lo que sabe, en 2010 le espera The Debt (John Madden) y el remake de Furia de titanes, en la que encarnaría el papel del héroe Perseo, posiblemente bajo la dirección de Louise Leterrier.

sábado, 20 de diciembre de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: Ice age (y preview de Ice age 3: Dawn of the Dinosaurs)

Uno de los personajes más memorables y, a la par, desgraciados del cine reciente es Scrat. El roedor que aparece en las dos (próximamente tres) entregas de La edad del hielo (Ice age), persiguiendo -incansablemente- una bellota...

Y, aprovechando la entrada, incluyo algunos de los trailers de la tercera parte de La edad del hielo, Dawn of the dinosaurs, que se estrena el primer fin de semana de julio del año que esta a punto de comenzar y donde, nuevamente, Scrat tiene un importante protagonismo.

jueves, 18 de diciembre de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: Heat.

Cuando Michael Mann se dio a conocer entre el gran público este ya contaba con una importante, y fundada, reputación dentro del mundo televisivo (Corrupción en Miami/Miami Vice). Pese a que ya había realizado algún largometraje fue en 1992 con El último mohicano su nombre se popularizó. Pero creo que no me equivoco si digo que fue un par de años después, en 1995, cuando se encargo de dirigir, escribir y coproducir la película en la que ya se encontraban definidos los rasgos principales de gran parte de su cine posterior (Collateral, Corrupción en Miami, etc).
Estoy hablando de Heat.
Aprovechando que hoy la han emitido en televisión me gustaría recuperar una de las escenas que mejor muestran lo poderoso de sus imágenes.
En este vídeo falta una parte, el tiroteo de Tom Sizemore, pero esa secuencia se puede ver aquí.

lunes, 15 de diciembre de 2008

Outlander.

Cuando buscaba algo de información acerca de Outlander para preparar la entrada me sorprendí por la gran cantidad de duras críticas que recibía por parte de la comunidad bloggeril. Y la verdad que, aunque comprensible... no deja de extrañarme, en el sentido que se trata de una peli de serie B que debe ser vista como eso, con sus defectos -que los tiene- y sus virtudes -alguna hay-.

Outlander es la historia de un extraterrestre (Jim Cavizel/Kainan) que se estrella en La Tierra, en territorio vikingo, de la Alta Edad Media. Pero resulta que no viene solo, en su nave también viaja una criatura, el moorwen, con forma de dragón que escapa y se dedica a sembrar el pánico por esas regiones.

Como decía, se trata de una película de serie B, que por momentos, por sus planos, por algunas imágenes parece casi más un cómic en movimiento. Una imagen es muy elocuente en este sentido -y que se parece, un poco, a una de El planeta de los simios-, Cavizel sale del lago en el que se ha estrellado su nave, con su compañero fallecido. Vestido con un traje espacial similar a una armadura, descansa en la orilla.

La historia, en principio engancha, muy en la línea de Stargate, El Guerrero número 13.... donde por un lado tenemos la historia principal y por otro la contraposición entre personajes diferentes. Aquí entre un extraterrestre y un grupo de vikingos, entre los que se establece una relación que avanza de la desconfianza y acaba en camaraderia... La película peca de mostrar tópicos, como la historia de amor, pero si me llama la atención que en algunos puntos tiene un cierto toque contracorriente. Los nórdicos, cuando oyen hablar de un dragón se ríen porque para ellos no es más que superstición. También esto se da en uno de los flashbacks. Estos poseen un aire de videojuego muy fuerte, pero hay una historia, de colonización y genocidio que, ciertamente, resulta llamativa.

Otra cosa más que evidente es la relación que se podrá ver con Beowulf, de hecho es destcable como en el cine de los últimos años la presencia del mito se ha ido multiplicando. Esto no hace más que redundar en la presencia de una cantidad importante de referencias a lo largo de todo el metraje, como las ya comentadas, Stargate, El guerrero nº13, Beowulf, Mad Max 2 -con la idea del guerrero llegado del páramo y ese niño...-, incluso El señor de los anillos... algo así como Neil Marshall en Doomsday, pero con algo menos de gracia -lo que juega contra esta-.

Hablando del director, aquí es Howard McCain, que también escribe el guión junto Dirk Blackman y no lo hace mal. La historia cae en tópicos -la historia de amor...- y se ha deshaciendo según avanza -como el personaje de Sophia Miles-, cayendo en algunas trampas. De hecho, la última media hora es muy prescindible. Con todo, está filmada correctamente, incluso con algún toque gore. Lo que si me pregunto es que habría hecho alguien con una imaginería más oscura como, por ejemplo, Marcus Nispel con este mismo material.

sábado, 13 de diciembre de 2008

Preview (2): Terminator 4. Salvation

22 de mayo en USA, 5 de junio México, 26 del mismo mes, España. Son las fechas a destacar de estreno de una de las películas más esperadas del año que pronto va a comenzar, Terminator 4: Salvation.
Esta nueva entrega de la serie, a la que ya le habíamos dedicado una entrada, está dirigida por McG, lo cual no me hace ser demasiado optimista. Lo que si, creo, se puede decir desde ya es que el aspecto, estéticamente y los efectos especiales, de la película son impresionantes.

Grandes momentos de la historia del cine: Old boy.

Qué mejor momento para recuperar una escena que cuando se está hablando de un posible remake de Old boy, parte de la "trilogía de la venganza" -junto con Sympathy for Mr. Vengeance y Sympathy for Lady Vengeance- dirigida por Park Chan Wook. Esta nueva versión estaría dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Will Smith.
Adaptando un cómic de Nobuaki Minegishi y Garon Tsuchiya narra como, tras quince años de cautiverio un hombre recupera la libertad. Pero su vida esta rota. Desde ese momento se dedicará a descubrir por qué y por quién fue encerrado, y en su búsqueda encontramos esta escena...

jueves, 11 de diciembre de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: Sid y Nancy.

Acabo de ver Sid y Nancy (Sid and nancy, 1986) y le veo algo mágico, algo especial. Una historia de amour fou, cruzada por algunas influencias, como La naranja mecánica (en este caso bastante clara) y todo ello bajo la mirada, hipnótica y surrealista, de Alex Cox.
Si hay una escena que puede resumir la película es la siguiente, en la que Sid Vicious (Gary Oldman) interpreta su versión del My way.


Y para que comparen con el original, aquí os lo dejo...

sábado, 6 de diciembre de 2008

Gomorra.

El director Matteo Garrone se ha encargado de llevar a la pantalla grande la adaptación de la novela Gomorra de Roberto Saviano. La denuncia de las prácticas de la Mafia napolitana que realiza su libro le han transformado en un autor amenazado.


La adaptación para el cine de la obra cuenta el día a día de la mafia en la ciudad de Nápoles y como esta se encuentra presente en todos los escalafones de la sociedad. Para ello se vale de varias historias que se desarrollan en la ciudad del sur de Italia...

...Toto, es un niño que ayuda en una tienda a su madre. Cada día se cruza con matones y camellos, que lo terminan reclutando para traficar con drogas y para formar parte de un guerra entre familias.
...Don Ciro es un "pagador" de la mafia, se intenta mantener al margen de la guerra entre grupos, pero no podrá evitar terminar metido en ella.
... Roberto es un joven que entra a trabajar para Franco, dedicado al "procesamiento" de residuos tóxicos... enterrándolos bajo tierra.
... Marco y Ciro, son dos críos que intentan imitar a Tony Montana y, sin saberlo, irán demasiado lejos en su ambición...
... Pasquale es un sastre que agobiado por su patrono para acelerar su producción, termina pactando con un grupo de chinos.

Una referencia al ver la película sería la brasileña Ciudad de Dios, en el que sentido que se van contando historias paralelas del mundo de la delincuencia. Una diferencia fundamental es que se aquí se nos muestra la filtración de la mafia a través de todos los estratos sociales, como una forma de vida o como una manera de lograr algo en ella.
Parte del juego que provoca es que lo que se nos chocará lo que cuenta en ella. Nos parecerá increíble que lo que vamos a ver pueda suceder en nuestra "civilizada" Europa, y más conociendo la base real en la que se apoya. La manera en la que la Camorra no sólo se encuentra en las clases más bajas, al contrario, las familias y sus métodos se encuentran por todas partes en la vida cotidiana de la ciudad.
Respecto la película brasileña, otra diferencia, a nivel formal es el montaje, menos lisérgico que en la de Fernando Meirelles. La de Garrone es una mirada mucho más fría, casi analítica de la realidad. Esto hace que formalmente se acerque más a otra película que también se centraba en el crimen organizado desde diversas perspectivas: Traffic. Y señalar la cercanía con la cinta de Soderbergh no es casual. Como en ella prescinde de juicios morales, prima un interés documental que también se acercaría al neorrealismo italiano y pero también al de Passolini y su visión de la marginalidad.

Frente al cine clásico de gangsters, en Gomorra no veremos personajes que se lleven por un código. En su lugar, veremos a personas interesadas en triunfar y que manejan al resto como peones que, en la mayoría de las veces, son incapaces de romper con su vida. Y así se ven abocados a la tragedia, lo que explica el sentido fatalista de la existencia a lo largo del metraje. La historia de Marco y Ciro, me parece -en ese sentido, ejemplar-. Dos críos que juegan a ser mafiosos, quieren ser como el Al Pacino de El precio del poder (Scarface), hasta que se topan con la realidad o el "rito" de iniciación de Toto.
En cierto modo, es como si la Mafia no fuera más que la máxima expresión del capitalismo,
El atisbo, único, de moralidad aparece en un par de personajes y más que moral, llamaría rectitud. En el sentido que son dos personajes que pudiendo tenerlo todo renuncian. Materialmente serán pobres pero tendrán los principios y los escrúpulos de los que carece la Mafia.
La película, en definitiva es muy recomendable. Dura por momentos y otros pueden provocar alguna risa por lo absurdo de las situaciones que presenta. Las únicas pegas, que al principio nos puede descolocar, hasta que vayamos situando cada una de las piezas en su lugar. ¿La otra?
saber que, como se suele decir, lo que vemos... "está basado en hechos reales".

Preview: Superfumados (Pineapple express).

Me gustaría dedicarle una entrada a lo que podríamos llamar la "generación Apatow", un grupo de actores, guionistas y directores que vinculados a Judd Apatow está realización un tipo de comedia, con personajes, situaciones y planteamientos muy característicos que -al tiempo- le esta dando un importante resultado. La última entrega sería Superfumados (Pineapple express).

(En este caso, merece la pena la versión original).


...y de regalo un clip de la peli, donde se explica el título...


Dirigida por David Gordon Green, cuenta con guión de Seth Rogen (también protagonista) y Evan Goldberg. En el reparto Rogen, James Franco, Rosie Pérez...
La historia es la de un agente judicial (Rogen) que presencia un asesinato. Perseguido por los asesinos, en su huida termina involucrando a su camello (Franco).

El estreno... en USA fue el 6 de Agosto; Perú, 25 de septiembre; España el 5 de Diciembre y en Venezuela el 12.

pd. ¿Digo algo sobre la traducción de los título o a estas alturas ya sobra?

viernes, 5 de diciembre de 2008

Preview: Ultimatúm a la Tierra (The day the Earth stood still) -2-.

Ya falta muy poco para el estreno de la nueva versión de la película de 1951, dirigida por Robert Wise Ultimatúm a la Tierra (The day the Earth stood still). A esta, dirigida por Scott Derrickson (El exorcismo de Emily Rose), ya le habíamos dedicado un primer preview, pero ahora me gustaría dejaros un clip de cinco minutos de la peli y confrontarlo con un fragmento de la original...

Ultimatúm a la Tierra (The day the Earth stood still), 2008.

Ultimatúm a la Tierra (The day the Earth stood still), 1951.
En la película, pueden encontrar a Keanu Reeves, Jennifer Conelly, Kathy Bates y John Cleese. Las fechas de estreno... USA, España y Venezuela, el 12 de diciembre y Argentina el 1 de enero de 2009.

jueves, 4 de diciembre de 2008

Madagascar 2 (Madagascar: Escape 2 Africa).

De entrada aviso que no vi la primera parte, así que es posible que meta la pata en alguna que otra cosa.
Madagascar 2 (Madagascar: Escape 2 Africa) comienza "a la manera Bambi", tocando -directamente- la fibra de espectador. Luego nos lleva en un rápido resumen de la primera parte al encuentro de los animales protagonistas. En la isla de Madagascar, a punto de emprender viaje de vuelta a Nueva York. Pero durante el camino las cosas se tuercen y en lugar de llegar a su hogar, terminan en la sabana africana.

Frente a otras producciones más recientes, Madagascar 2 cuenta con una historia sencilla, aparentemente más pensada para niños, utilizando como base una historia de aceptación y diferencias -al estilo de El patito feo-. Primero los personajes se sienten integrados en su entorno "natural", luego se sienten desplazados (porque son diferentes) y finalmente terminan por ser aceptados.
La película es resultona, se deja ver bien, pero no llega a la altura de, por ejemplo, Wall-e; es corta, apenas una hora y media, y cuenta con un buen ritmo, lo que me reafirma en que está más pensada para los más pequeños. Durante gran parte del metraje la historia separa a los protagonistas lo que se hace que se pierda parte del juego que podrían dar.
Estéticamente está muy bien, con un muy buen uso de la tridimensionalidad y un tremendo detallismo en los personajes.
Pero lo que si destacaría son a tres de los secundarios, que le dan mas vida a la película: Una anciana, de Nueva Yok, como nuestros protagonistas, que vendría a ser "la bruja mala" de los cuentos; un grupo de pingüinos, encargados de organizar el viaje de vuelta y un trio de lemures, que buscan una "lemuria" por la que extender su reino -en uno de los cuales creo que se ve cierta influencia de La edad del hielo-.

lunes, 1 de diciembre de 2008

Los Cronocrímenes. Making of.


Hace poco le dedicaba, con bastante retraso, un post a la película de Nacho Vigalondo (Los Cronocrímenes). Mientras andaba por internet encontré una serie de reportajes explicando cómo se realizó la película...
1. Presentación.

2. El guión.

3. Los personajes. Héctor.

4. Los personajes. Clara.

5. Los personajes. La Chica.

6. Los personajes. El Chico.

sábado, 29 de noviembre de 2008

Tropic Thunder. Una guerra muy perra (Tropic Thunder).

Leía hace poco un artículo en Sesión Golfa en el que su autor se quejaba de como los distribuidores, al menos en el caso de España, añaden subtítulos -supuestamente graciosos- a los títulos de las películas. Este es el caso de Tropic Thunder. Una guerra muy perra.


Tropic Thunder, dirigida por Ben Stiller y escrita por él mismo junto con Justin Theroux y Etan Cohen (no confundir con Ethan), cuenta como un grupo de actores endiosados rueda la adaptación de un bestseller ambientado en la Guerra del Vietnam. Ante el desastre en el que se está convirtiendo el rodaje, el director y el autor del libro deciden abandonar a los actores en medio de la selva buscando que la historia sea "de verdad".

De la película hay un par de cosas que me gustaría destacar. Primero, los actores y su caracterización, en lo que recae casi el setenta por ciento del peso de la historia.
Lo cierto es que en la construcción de los personajes se vale de una caracterización de los personajes que a todos nos resultará más que conocida...
...el actor de cine comercial que quiere realizar películas "serias" para que lo tomen en serio (Tugg Speedman/Ben Stiller)...
...el actor consagrado y multipremiado que hace del "método" su vida Kirk Lazarus, un genial Robert Downey Jr, de largo de lo mejor de la película como un actor australiano que cambía quirúrjicamente el color de su piel para interpretar a un personaje negro...
...un rapero que quiere iniciar una carrera cinematográfica (Alpha Chino/Brandon T. Jackson)...
...el actor de comedia que sufre múltiples problemas de adicciones (Jeff Portny/Jack Black)...
...el director de teatro que recibe el encargo de manejar a un grupo de "personalidades" de este calibre (Damien Cockburn/Steve Coogan)...
...el autor que ve su libro transformado (John Tayback/Nick Nolte)...
...el productor al que solo le interesa que el producto resulte rentable, Les Grossman un desmesurado y ciertamente brillante Tom Cruise...

Todos los actores están francamente bien -si es posible, hay que verla en versión original-, Sus composiciones están realizadas con muy mala leche, como se ve desde el principio, con los fake trailérs a lo Grindhouse y que se enmarcan en la visión muy poco condescendiente del mundo de productores, actores y agentes del Hollywood.

En segundo lugar, destacaría también la presencia de referentes cinematográficos muy importantes y en los que se ve la buena mano del Stiller director, entre las que destacaría la constante de Apocalipsis now.

Lo único que cabría reprocharle, algunos chistes muy fáciles, demasiado escatológicos, pero aún así tiene alguna explosiva sorpresa (...el "abandono" en la selva).



pd ¿Alguien necesita ayuda para identificar al personaje con "su persona" real?

Preview: El Intercambio (The Changeling).

Hace poco tiempo hablaba de Gran Torino, la película que protagoniza y dirige Clint Eastwood. Pero antes de esta, llegará a las pantallas El intercambio (The Changeling).

Una madre (Angelina Jolie) denuncia la desaparición de su hijo. La policía lo recupera. Pero cuando vuelve con ella, descubre que el niño que le han entregado no es el suyo.

Escita por J. Michael Straczynski (quien también está realizando el guión de World War Z, adaptando la novela de Max Brooks), cuenta en el reparto, con Angelina Jolie y John Malkovich.

Las fechas de estreno... 31 de octubre en USA, España 19 de diciembre y 22 de enero, Argentina.

jueves, 27 de noviembre de 2008

Los Cronocrímenes.

Me había resistido a ver Los Cronocrímenes, fundamentalmente, porque me preocupaba en que medida se habían creado demasiadas espectativas en torno al estreno en el largometraje del director Nacho Vigalondo, a raíz de su candidatura a los Oscars en 2005 por el corto 7.35 de la mañana.

Ahora puedo decir que la he visto y me ha gustado. La película cuenta como un buen día Héctor está en su casa. Mira al horizonte con sus prismáticos y ve a una chica. Empujado por la curiosidad... o quizás por el deseo, se adentra en una arboleda cercana para ver mejor.

Siento debilidad por el cine fantástico que tira de buenas ideas, aunque técnicamente carezca de recursos (o quizás por ello). Esta película es un buen ejemplo. La historia se sustenta en una idea y en tres personajes. Héctor (Karra Elejalde), el protagonista; su esposa (Candela Fernández), una chica que pasea por el bosque (Barbara Goenaga) y un hombre que parece muy al tanto de lo que sucede (el propio Nacho Vigalondo).

Pese a que la historia se sustenta en los viajes temporales y sus consecuencias, lo mejor de la historia son los puntos en los que se apoya. El deseo, frente a cierta idea de redención. De una manera tal que, sobre todo al inicio, recuerda poderosamente a David Lynch.
Tenemos a un hombre común -muy bien interpretado por un Karra Elejalde que empieza cayendo mal-, de clase media, media alta, con una esposa hermosa (casi como en Carretera Perdida), que observa el horizonte con sus prismáticos. A través de ellos ve a una chica desnudándose. Y se levanta.
Ese simple hecho es el que pone en marcha la historia. El deseo por lo prohibido que da pie a una sinfonía fatalista en la que constantemente el director nos imbuye en lo que parece ser una visión oscura y casi determinista del destino. Salpicada, eso si de puntos de humor, gags muy sutiles, pero que ayudan a que la película se vaya construyendo a modo de piezas de un rompecabezas, rematada por un final ¿feliz? negro, negrísimo, que tampoco es demasiado benévola con la condición humana... o ¿quizás es realista en ese sentido?. Una especie de Memento, contada linealmente y muy minimalista, porque narrativamente -como en la película de Nolan- es muy compleja, partiendo de la base en una paradoja temporal.En lo que respecta a la construcción de la historia es en lo que se pueden ver más problemas. En el tercer acto, cuando el guión se retuerce sobre sí mismo, quizás en exceso, lo que puede provocar cierta desubicación y confusión en el espectador.

¿Más?
Vigalondo hablando de su película:

domingo, 23 de noviembre de 2008

Cine Club: El fuera de la ley (The outlaw Josey Wales).


Sé que en ocasiones soy muy reiterativo con mis ideas. Esto me pasa, por ejemplo, cuando hablo del western y de su relación con la mitología. Desde ya advierto que esta entrada no será una excepción.
Este post lo quiero dedicar a El fuera de la ley (The outlaw Josey Wales).


La película, dirigida en 1976 por Clint Eastwood, adapta un novela de Forrest Carter (The Rebel Outlaw: Josey Wales) y protagonizada por el propio Eastwood, el Jefe Dan George, Sondra Locke, Paula Trueman y Geraldine Keams, al parecer se basa, al menos parcialmente, en un personaje auténtico que vivió en tiempo de la Guerra de Secesión, Bill Wilson.
La historia tarda, exactamente, tres minutos en comenzar. Los que son necesarios para que la tranquila vida del granjero Josey Wales se trunque. Un grupo de soldados del Norte llega a su granja y asesinan a su mujer y a su hijo.
Abatido, Josey solo encuentra refugio en el deseo de venganza. Enrolado en la milicia sureña, intentará encontrar a los responsables de la muerte de su familia en el frente.
Sin embargo, la guerra se termina. El Sur es vencido. Los combatientes deberán rendirse y jurar obediencia al Norte. Pero no ha terminado para todos. Para Josey, no.
Ese solo será el inicio de un largo viaje.

Para muchos, entre los que me incluyo, Sin Perdón significó un redescubrimiento de un género, pero Eastwood ya había dado su perspectiva antes el western, a través de esta cinta, que quizás no esté por encima, pero desde luego que tampoco está a un nivel inferior a la de los años noventa.

El fuera de la ley entra dentro de lo que se ha dado en llamar western revisionista, podemos entenderlo como el cine de género que rompía con los esquemas habituales (indios-malos, norte-buenos...), para dar una visión diferente del oeste.
Para no ir más lejos, esto lo vemos desde el inicio. El protagonista -aunque no combate por convicción-, forma parte del ejército confederado, tradicionalmente considerados "los malos" de la historia, por su apoyo a la esclavitud.
También, frente al tópico de los indios como salvajes, gran parte de la historia haba de la convivencia entre diferentes razas. Más aún, los indios se muestran como (casi los únicos) civilizados. De hecho, hay una gran ironía respecto a la naturaleza humana del hombre blanco, que engaña a los indios y los confina en reservas o que (como el barquero) miente descaradamente en su propio beneficio.


Y, de hecho, el personaje de Josey Wales rompe con lo tradicional del género. Habitualmente el vaquero solitario conformaba la gran imagen del cine de vaqueros (p.ej. John Wayne en Centauros del desierto-). En su lugar, aquí encontramos a un hombre que primero pierde a su familia y luego la ve "recompuesta" con los personajes -tan heridos como él- se que encuentra en su vagar.

En el fondo presenciamos un gran viaje, tanto físico como mental, la crónica de una perdida y la recuperación de la identidad de un individuo, a la par que su leyenda -a nivel popular. va creciendo. En esta travesía se irán cruzando personajes casi mitológicos, como esa suerte de Caronte que es el barquero que lleva de un lado a otro del río Missouri, en un paso que significa el comienzo de todo.

El individuo es otro de los aspectos importantes en esta El fuera de la ley, a lo largo del metraje vemos una reivindicación del ser humano y de su capacidad de dialogar y de llegar a un entendimiento, más allá de sus diferencias. Y para el que la venganza a veces, parece, no ser suficiente para cerrar las heridas.

Formalmente, la manera de rodar de Eastwood se aleja del western clásico y se acerca más al spaghetti western (del que fue la gran estrella), es una película sucia, polvorienta, donde también la naturaleza y el uso de los colores tiene un peso importante.
Al comenzar, el bosque donde está la casa de Wales está en un entorno amable, de colores suaves. A partir de ahí, pasa a unos tonos más duros. Azulados y amarillentos, que representarían la muerte; que luego vuelven a cambiar hasta una nueva suavidad, policroma. Este cambio en las tonalidades aludiría al cambio gradual de Josey, de su soledad y sus ansias de venganza, hasta su nueva vida, junto a su nueva familia, nacida de una convivencia pacifica.


Clint Eastwood consigue construir un relato de personas, individuos que se superponen a la adversidad y que desconfían de los gobiernos, porque saben que los gobiernos mientes y en el que transmite la creencia que el diálogo entre personas, entre iguales es capaz de superar los tópicos.

viernes, 21 de noviembre de 2008

Preview (2) y trailer de The Wrestler.

Después de una espera que se ha antojado larga y a la expectativa tras las buenas (buenísimas) críticas en la Mostra de Venecia, al fin está disponible el tráiler de The Wrestler la película que ha dirigido Darren Aronofsky.


En ella, un luchador de wrestling, Randy The Ram Robisnon (Mickey Rourke), idolatrado en los ochenta, malvive en New Jersey, enfermo del corazón, alejado de su hija (Eva Rachel Wood) e incapaz de mantener ninguna relación real.
Mientras su sentido de la identidad comienza a fracturarse, comienza a evaluar el estado de su vida.
(Me faltaba por decir que Marisa Tomei también la protagoniza).

El estreno en los USA está fijado para el 16 de enero y es de suponer que a partir de esa fecha, el resto vaya cayendo.

jueves, 20 de noviembre de 2008

Entrevista a Roberto Saviano, autor de "Gomorra".

No puedo resistirme a incluir una entrada con la entrevista a Roberto Saviano que apareció en El País hace unos cuantos días a raíz su aparición en Sevilla, a raíz del estreno de la película Gomorra. Saviano es autor del libro en el que se basa la película de Matteo Garrone y partícipe de la elaboración del guión y tras su éxito se ha convertido en un personaje marcado, amenazado de muerte por la mafia.


BORJA HERMOSO - Sevilla - 08/11/2008
ENTREVISTA: ROBERTO SAVIANO Autor de Gomorra.
El éxito me condenó a muerte.
Más de dos millones de libros vendidos por un reportaje sobre los laberintos de la Camorra napolitana tienen un precio: una vida en estado de sitio, vigilada y amenazada. El escritor acudió ayer al estreno en Sevilla del filme sobre su libro.

Roberto Saviano tiene 29 años y casi toda la tristeza del mundo en los ojos. Da la mano con un gesto entre mecánico y desconfiado, sonríe leve, muy levemente, y toma asiento en el patio de un hotel sevillano. Se refugia Saviano en los parapetos de lo incierto y lo temeroso y lo furtivo. No lleva chaleco antibalas, ya sólo le faltaría eso, pero los cuatro escoltas rodean ya su campo de acción, miran debajo de las mesas, miran al periodista, miran a los balcones. Son cuatro agentes del Ministerio del Interior que han relevado, desde que Saviano llegó a Sevilla el jueves por la tarde, a los cuatro carabinieri habitualmente encargados de velar por su seguridad.
Poco después, perros policía adiestrados en la búsqueda de explosivos olisquean las instalaciones del teatro Lope de Vega de Sevilla, sede del Festival de Cine Europeo, porque el autor de Gomorra (Debate) -asfixiante y a ratos lírica denuncia del tinglado del terror instalado por la Camorra napolitana- está a punto de llegar.

La Camorra ha condenado a muerte a Saviano no por lo que ha escrito, sino más bien por el impacto de lo que ha escrito, un impacto cifrado en casi dos millones de libros vendidos. "Lo que más molesta a la Camorra no es exactamente la palabra, sino la palabra cuando genera tensión... La palabra como tal, así a secas, les trae sin cuidado; lo que no soportan es que esa denuncia tenga tantos lectores, y ésa es la diferencia entre Rushdie y yo. A Rushdie le condenaron con una fetua por el mero hecho de haber escrito Los versos satánicos; a mí me han condenado porque el libro se ha leído mucho; es el éxito lo que me ha condenado a muerte", explica.

El caso es que la condena existe. Lo demuestran los policías, los perros y la mirada de Saviano, que se proyecta en el suelo con demasiada frecuencia. El caso es, también, que, según el diario italiano La Repubblica, hoy mismo, la policía de Nápoles ha detectado la llegada a la ciudad de una partida de 50 kilos de trinitotolueno que obra ya en poder del clan de los Casalesi, cuyo jefe absoluto, Francesco Schiavone, alias Sandokán, ha jurado matar al escritor por atreverse a desvelar los sucios negocios de la Camorra.

La presencia de Roberto Saviano en Sevilla fue un enigma casi hasta el final (también esta conversación), pero él decidió pasar cuatro días en la ciudad con motivo del estreno de Gomorra, la adaptación cinematográfica que de su libro ha firmado el director Matteo Garrone. "Me gusta Sevilla; es una ciudad con una luz que me recuerda al sur de Italia. Me fui a pasear ayer con mis escoltas y fue estupendo; hacía mucho tiempo que no paseaba así por las calles de una ciudad", comenta Saviano con voz tenue. Un paseo en el que, por cierto, se encontró con un compatriota: un mimo italo-sevillano que se bajó de su taburete para gritarle "¡forza, Roberto!". También, en el transcurso de esta entrevista concedida a El País, un turista noruego interrumpirá la conversación para decirle que se ha tenido que frotar los ojos cuando le ha visto, y que ha llamado a toda pastilla a su mujer, que está en Oslo, para contárselo.

Es normal. A Saviano le llegan centenares de cartas y de correos electrónicos; también bragas y sujetadores, porque no faltan en Italia quienes piensan que por fin hay un hombre como Dios y San Gennaro (patrón de Nápoles) mandan, un hombre que planta cara a la Camorra. "Volvería a escribir el libro; no me arrepiento de haberlo hecho, pero al mismo tiempo no puedo decir que lo ame. Soy un prisionero de mi libro. Vivo una situación que me agota; es un gasto de energía brutal, una energía gastada no en escribir, sino en estar alerta, en estar encerrado en lugares horribles, en perder tiempo inútilmente... Y todo eso me vuelve loco".

Para Saviano, periodista y novelista, la diferencia entre géneros estriba en la capacidad del autor a la hora de entresacar lo esencial, y hacerlo de una forma tan subjetiva como eficaz: "A Orhan Pamuk le amenazaron por relatar el genocidio armenio... ¡Pero eso lo sabía todo el mundo!, lo que pasa es que él escribió de ello de una forma que puso en un compromiso al Estado turco, y entonces se convirtió en un símbolo. Conmigo pasó igual: ¡todo el mundo sabía que existía la Camorra napolitana! ¿Y Anna Politkóvskaya? Cantidad de cronistas habían escrito antes sobre Chechenia, pero ella lo hizo de tal modo que la cuestión chechena llegó a todo el mundo; se convirtió en un problema mundial, ya no local".

Como no podía ser de otra forma, Saviano admite que las historias reales de la Mafia en general y de la Camorra en particular -ésas que transcurren en las calles de Scampia o Casale del Principe- constituyen un material literario de primer orden: "La Camorra es un material narrativo excelente, porque está la épica de por medio. Son historias de poder, de vida y de muerte, es decir, los temas a los que todo escritor debe confrontarse, sobre personajes que deciden -sin justificación ni máscaras- sobre la vida y la muerte, sobre la riqueza y la pobreza, sobre la construcción y la destrucción".

En cuanto al resultado de la película de Matteo Garrone sobre su libro (él tomó parte en el guión), Saviano confiesa: "Me gusta. Creo que Garrone no ha traicionado el espíritu del libro, aunque obviamente son diferentes: a mí me obsesionaba la parte de los negocios, y a él, la de la antropología". Y hablando de cine, se muestra bastante escéptico ante los excesos mitificadores que películas como El Padrino o series de televisión como Los Soprano han llevado a cabo del mundo mafioso: "Los criminales se fijan en el cine para ver cómo pueden publicitar su poder, porque lo ven como un escaparate, como un amplificador... A los jefes mafiosos les chifla el cine; se venden mejor si se presentan como un héroe del cine, claro. Pero, en cualquier caso, el modelo de las organizaciones criminales mafiosas no es El Padrino de Coppola, sino el Scarface de Brian de Palma, porque su personaje, Tony Montana, es alguien que se hace a sí mismo, sin hacer caso a las reglas, aunque con sus propias reglas".

Mientras apretamos el botón off de la grabadora, Roberto Saviano todavía tiene tiempo para exponer la que para él es una de las mayores anomalías del mundo mafioso: "Para ellos, ni existe una sacralización de la vida, ni la muerte es un concepto negativo. Para la Camorra, la muerte no es un riesgo, sino una parte del oficio". Del oficio de asesino, se entiende. No del de escritor. Aunque, por desgracia, a Roberto Saviano le han aplicado la regla. Pero él seguirá escribiendo. Porque "escribir es resistir".

¿Más?
La noticia original: El éxito me condenó a muerte.
El fenómeno 'Gomorra' llega al cine.
"España está invadida por el dinero de la Camorra".
La Camorra vende en Nápoles una versión pirata y defectuosa de 'Gomorra'.

martes, 18 de noviembre de 2008

Quantum of Solace.


En algún momento de principios del siglo XXI algo se le pasó por la mente a los productores de la larga saga de James Bond. Con Pierce Brosnan se había conseguido levantar el vuelo, tras el descalabro de Licencia para matar (34 millones de recaudación en USA). Las recaudaciones habían mejorado, sin lograr cifras apabullantes, si que habían mejorado.
Pero llegó el año 2002 y coincidió el estreno de Muere otro día (Die another day) con una película que con menos de la mitad de presupuesto lograba una taquilla casi similar. Una historia de espías, pero desde una perspectiva más humana, cercana al público moderno que el tradicional "toque Bond". Estamos hablando de El mito de Bourne. Probablemente esta significó un punto de reflexión sobre hacia donde había ido evolucionando el personaje de 007 y como había ido perdido gancho con el público, que había ido perdiendo interés en un personaje con el que era difícil identificarse.

Así llegó Casino Royale (2006), dirigida por Martin Campbell y con guión del oscarizado Paul Haggis (Crash), que se convirtió en la película más taquillera de la serie. Además de ser una gran película, en la que se construía "la identidad Bond". Se nos mostraba el origen del personaje y muchos de los elementos tradicionales (el Aston Martin, la disfunción sexual del villano, etc), pero desde una óptima realista. De hecho, Bond (Daniel Craig) es cualquier cosa menos refinado o encantador.

Ahora llega la continuación -en el sentido temporal -de Casino Royale: Quantum of Solace. Esta continúa en el mismo punto que finalizó la anterior, con Bond clamando venganza. En su búsqueda, se encontrará con un villano (Mathieu Amalric), que trabaja para una potente organización y una mujer (Camille/Olga Kurylenko) que, como el espía, busca venganza.

Me parece que en esta nueva entrega se pierden, un poco, los logros de la anterior. Se nota la diferencia entre la interpretación de las protagonistas femeninas (Eva Green/Kurylenko).
También porque gran parte de la trama se pierde en los viajes por diferentes partes del mundo, lo que termina por quitarle frescura a la historia, la que proporcionaba esos detalles de Bond que habían destacado de Casino Royale.

Aún así tiene sus momentos; la persecución al inicio; el momento de la ópera Tosca, un clímax que parece sacado de El Padrino de Francis Ford Coppola, así como toda la parte que sucede en Bolivia, especialmente hacia el final.
Lo que sucede igualmente es que también presenta una relectura de los elementos que comentaba antes, en clave realista. Recompone la figura del "supervillano" -brillante Amalric-, como miembro de una anónima corporación comercial. Cambia la mencionada disfunción sexual, por todo lo contrario y se mantienen los matices de la personalidad de Bond, continuándolos y reforzándolos.
Pero quizás lo que se le puede achacar es que por el camino del James Bond tradicional, se hayan quedado atrás los méritos apuntados en la parte anterior para darle más peso a la acción y menos al transfondo, lo que hace que sin ser mala resulte menos fresca. No hay gadgets, ni Bond es un misántropo. El personaje parece bastante más poliédrico de lo que había sido la norma, a lo que hay que unir un historia muy "años sesenta" con supervillanos que quieren dominar el mundo, etc. Pero lo que creo que flaquea es la historia, donde prima menos el detalle y más la acción.


Fuentes.
Sobre las taquillas, aquí.

En lo referente a las películas de James Bond.

domingo, 16 de noviembre de 2008

¿Grandes momentos de la historia del cine? Soy Leyenda (noticias de la precuela).

Parece que se confirma. Habrá continuación de Soy leyenda (I´m legend), pero que no será una continuación. En su lugar nos encontraremos con una precuela en la que, por lo leído, podría intervenir el propio Richard Matheson. Aprovechando (y aunque seguro que muchos lo habéis visto ya), os dejo algo. El final alternativo de la película protagonizada por Will Smith...

...si ya de por si la película, terminaba por decaer (por querer lograr un forzado happy end)... menos mal que nos salvamos de este final...

jueves, 13 de noviembre de 2008

Cine club: Holocausto Canibal (Cannibal Holocaust).


Hay un concepto que está ahora muy de moda en el cine, lo que podríamos definir como el "protagonista-cámara". Recientes producciones, como Rec, Monstruoso o El diario de los muertos, y otras no tan recientes (El proyecto de la bruja de Blair) han usado un recurso tan simple y tan complejo, a la vez, como meternos en la historia desde el punto de vista de uno de sus protagonistas. Algo así como una primera persona del singular, una figura que muchas veces permanece muda para nosotros, en un trasposición metafórica del yo del espectador. Otras es un personaje el que nos "permite" ver que pasa desde su perspectiva.



[Rec]



El proyecto de la bruja de Blair.

Si queremos aproximarnos al origen de esta manera de filmar nos debemos trasladar al lejano ya, año 1980. Ese año se estrenó Holocausto Caníbal (Canníbal Holocaust), una de las cintas más controvertidas y polémicas de la historia del cine, que aún hoy arrastra una etiqueta de maldita, estando durante mucho tiempo censurada en diversos países del mundo.




En 1979 Ruggero Deodato comenzaba a preparar la producción de la película. Un par de años antes, ya se había aproximado al mismo tema en Ultimo mondo cannibale, en la que un avión accidentado en la selva del sudeste asiático, era capturada por una tribu de salvajes. Para la realización de Holocausto Caníbal, Deodato y su productor, Franceso Palaggi se fueron a Colombia para buscar localizaciones de una cinta que se iba a ubicar en el "infierno verde" del Amazonas.

Holocausto Caníbal cuenta la historia del profesor Monroe (Robert Kerman) que acude a la selva amazónica a la búsqueda de un grupo de documentalistas que han desaparecido mientras rodaban un documental sobre las tribus indígenas. En su viaje, el profesor encuentra las cintas que filmó el equipo, en las que se muestra lo que sucedió con ellos.

Empecemos...
Uno de los elementos de la filmación que destacan es el uso de los tiempos. Hay una historia lineal, la de la búsqueda del equipo y el hallazgo del material filmado en la selva. Luego, se pasa a la ciudad en la que se alterna la lucha del profesor para que no se emita lo que ha visto, alternado con las imágenes es de lo sucedido.

¿Aspectos interesantes? cómo juega con el concepto de salvajismo. En la primera mitad de la película, asistimos como testigos a la forma de vivir de una tribu caníbal. Pero lo curioso es cómo esa misma idea se ve derrumbada en la segunda parte cuando vemos la manera en la que actúan los, supuestamente, individuos civilizados -más aterradora aún-. En esa línea destacaría la última escena del profesor en la selva, en la que se nos comienza a plantear una cuestión importante, ¿hasta donde somos capaces de llegar?

Obviamente hay que hablar de la polémica. La película emplea una violencia muy explícita, fría, casi descarnada, total y absolutamente gore que no la hacen apta para todos los públicos, diría que la manera de filmar de Deodato es casi pornográfica. A esto hay que unir que para publicitarla se optó por una estrategia basada en dar a entender que lo que se veía era cierto y que el equipo realmente había fallecido, lo que le provocó importantes problemas legales al director, de los que pudo escapar demostrando que todo lo que se veía en pantalla era ficción ¿he dicho todo? No. La muerte de los animales fue real y fue uno de los elementos que desembocaron en el mal ambiente que (al parecer) inundó el set de rodaje.
A consecuencia de todo ello, Deodato fue encarcelado y la película fue confiscada a los diez días de su estreno, hasta que consiguió que los actores aparecieran en público. Aún así fue juzgado como responsable de las muertes de los animales que aparecen en pantalla.

El problema de la película es que por su modo realista de mostrar las imágenes de torturas, asesinatos y violaciones y por el uso del lenguaje documental. Pero no olvidemos que se trata de una película rodada en época "pre-internaútica". Sin que ello suene despectivo, nos puede llevar a un reflexión aún más grave. A pensar como a la larga los medios de comunicación , su proliferación y la explotación de imágenes morbosas nos han vacunado ante este tipo de imágenes. De hecho (aparte de la presencia del gore), una de las tramas de la película trata sobre el esfuerzo del profesor por impedir que esas imágenes salgan a la luz.

Hoy, Holocausto Caníbal puede que haya perdido fuerza en sus imágenes. Probablemente para el espectador actual estas no sean tan impactantes, pero también es más que probable que el nivel de realismo logrado y la manera tan perturbadora en la que está rodada, haciendo que nuestros principios morales "occidentales" se tambaleen la hagan aún una película vigente. En definitiva, creo que se trata de una historia que de cara al gran público se ve mediatizada por la manera en que narra Deodato, pero cuya verdadera dimensión habría que encontrarla en su reflexión sobre la naturalea humana.


Fuentes.
Holocausto Caníbal en wikipedia.
Lloy Kaufman de Troma, sobre la películas (inglés).