martes, 29 de enero de 2008

La criatura perfecta (Perfect creature)


Bien, en condiciones normales no habría hablado de esta película. La criatura perfecta (Perfect criature) cuenta -con un retraso de dos años en las pantallas españolas- como el descubrimiento de un alquimista propició la aparición de dos clases humanas. Los humanos de toda la vida y "los hermanos", vampiros que cuidan del bienestar de la especie humana, hasta que un día, uno de ellos rompe la concordia entre ambas. Sobre el papel, parece interesante, pero una vez vista...



...deja bastante que desear. La historia, se nota que está muy recortada y carece de intensidad y pese a lo original del planteamiento, cae en tópicos -como el enfrentamiento entre hermanos (a lo Caín y Abel o Al este del Edén) y en interpretaciones que desperdician a los protagonistas (Dougray Scott y Saffron Burrows).

Lo que si destaca -y que ha hecho que hable de la película- y mucho es la ambientación, un retrofuturismo steampunk muy bien perfilado que nos transporta a unos hipotéticos años sesenta en los que el vapor ha sido la base del progreso industrial, y también destacaría la -interesantísima- idea de los vampiros como culto religioso; pero eso no es suficiente para mantener la historia.

jueves, 24 de enero de 2008

Monstruoso (Cloverfield)


Me decía mi amigo Pedro en un comentario de uno de los previews de Cloverfield que pensaba que lo novedoso de Monstruoso estaría más en la forma de presentar la acción que en la propia historia, y lo cierto es que así ha sido. También es cierto que mucho se ha hablado (y se hablará) acerca de la película debido a una acertadísima campaña de marketing, que por otro lado puede haber propiciado que la cinta producida por J.J. Abrams no sorprenda todo lo que debería.



El argumento es, a estas alturas, más que de sobra conocido. Durante la fiesta de despedida a Rob -que se marcha a trabajar a Japón-, algo sucede. Un temblor, algo sale del mar y comienza a atacar la ciudad de Nueva York (el "esquema Godzilla").

Al verla se me han venido a la cabeza varias películas. Una de ellas Holocausto caníbal (Ruggero Deodato, 1980), otra Los pájaros, de Alfred Hitchcock (1963).
La primera, narraba la historia de un grupo de jóvenes "civilizados" que se adentraba en la selva para hacer un documental sobre las costumbres de los indígenas amazónicos. Al final solo quedaba su grabación como testimonio de lo que les había sucedido. Mientras que en la segunda, se nos cuenta la historia de un ataque de aves al tranquilo pueblo de Bahía Bodega. Pero lo que más que atrajo para este caso es que justo cuando la historia de amor entre los protagonistas entra en conflicto es el momento en el que comienza el ataque las aves.

Estas dos referencias me han hecho pensar en las lecturas de la película. La primera y la más evidente la convierte en un catálogo de los miedos de la sociedad moderna. Si el cine de terror japones nació como resultado del poso de miedo dejado por las explosiones nucleares en Hiroshima y Nagasaki, en Monstruoso es fácil reconocer imágenes (Nueva York bajo el terror, rostros de wasps cubiertos por el polvo, el temor a un mal casi abstracto...) que nos resultan extrañamente familiares.
Sin embargo, también es posible que este cayendo en un error, incurrir en el "tópico" de la presencia del 11-S en el cine de terror USA contemporáneo.


Por eso lo interesante de la cinta dirigida por Matt Reeves es que soporta varias lecturas. Otra sería la de Monstruoso como historia de amor (si, han leído bien). Durante toda la película presenciamos una historia de amor ante la cual el monstruo podría entenderse como una metáfora. Su primera aparición coincide con la crisis, la intensidad del final encuentra su paralelismo en la declaración de la pareja (a lo Duelo al sol), incluso el epílogo tendría una clara lectura en este sentido.


Quizás en el fondo no sea más que un reflejo de la vida contemporánea sometida al miedo (a lo desconocido, a la perdida....) o puede que no sea más que un entretenimiento muy bien realizado. Lo cierto, es que la película me ha sorprendido (si, pese a todo). Por momentos me ha traído a la mente Perdidos (lo que era inevitable... y muy fácil), por la importancia de la relaciones entre personajes, si bien aquí la noción de instantaneidad impide profundizar en ellas más allá de lo que se ve. Aunque también cae en uno de sus fallos como algún que otro tiempo muerto, alguna pregunta que queda en el aire, pero aún así creo que tiene un muy buen ritmo.
Pero lo mejor de Monstruoso es que nos pone a la altura del suceso, vemos al monstruo muy brevemente de manera fragmentada, de hecho basta un sonido para transmitirnos la sensación de terror. Lo que tambien es cierto es que es la manera decontar lo que salva la película y "ahoga" sus
defectos.

(pd. Ya sé que pinta slusho en todo esto).

domingo, 20 de enero de 2008

Preview: Monstruoso (Cloverfield) -3-. La publicidad.


Este fin de semana se ha estrenado (por fin) el misterioso proyecto de J.J. Abrams, Monstruoso (Cloverfield). Ahora ya solo queda contar los días hasta su estreno aquí (España). De todos modos aquí dejo unos enlaces para ver que tal ha sido su acogida:
1. Cloverfield en imdb.
2. Cloverfield en rotten tomatoes.
3. La crítica de moviesonline.
4. Recopilación de críticas USA.

Sin embargo, este tercer preview más que a la película querría dedicarlo a su campaña de publicidad, marcada por comentarios, vídeos "misteriosos", supuestas imágenes, teorías...

... lo primero que supimos fue a través de un vídeo, sin nombre alguno, grabado con cámara de vídeo y con una fecha 01-18-08 y proyectado antes de Transformers. Muchos creyeron que tenía que ver con Perdidos (Lost) pues ese mismo fin de semana de enero se estrena la nueva temporada.



Pero luego aparecieron una serie de carteles que prometían ser de la película (vía neocinetv). Después se dijo que estos habían sido creados por fans... pero hay quien sostiene que fueron idea de Abrams (lo que no sería de extrañar), como parte de la campaña...



...también es importante el peso de la web. La primera que apareció fue esta, 18-01-08.com, en principio solo salían imágenes de la fiesta con la que empieza la película y alguna, no demasiado clara, de soldados por las calles, pero poco ha poco ha ido añadiendo más imágenes.
Luego hay que hablar de otras tres: ethanhaswaasright.com, ethanhaswaaswrong.blogspot.com y la del refresco slusho.



Las dos primeras fueron descartadas por el propio productor, mientras que la tercera parece que guarda alguna relación.... eso si ¿cual? -no querría olvidar lo que viene en la wikipedia, pero ojo desvela detalles de la peli-. Bueno, tampoco no hay que dejar atrás su myspace (recoge las webs, tanto originales como fakes, aquí) y la web oficial.


Posteriormente, según se aproximaba el estreno, salió un nuevo trailer más largo y un poco más completo, aunque seguía sin dar pistas del monstruo:



Capítulo aparte merecen las teorías acerca del ser y que ha terminado por acaparar gran parte del interés por la película: ¿Godzilla?, ¿el ser de The Host?, ¿Cthulhu?.... Yo, desde el principio, creí que no se iba a ver. Pero las opiniones se multiplicaron. Un gran reportaje sobre ellas están aquí, en aullidos.com. Y tampoco podemos olvidar imágenes que ruedan por la red que dicen ser del monstruo (la superior vista en movieweb, la inferior en aullidos).




Otro vídeo que descubrí ayer mismo puede ser de interés (aunque no he confirmado que tenga que ver con Cloverfield, llegan via movieweb).



Ahora tras el estreno y buceando por la red he encontrado un par de imágenes que se presentan como de los monstruos. La primera la podéis ver a través de este enlace de youtube y es una grabación de la película. La otra, que encontré de casualidad (pincha en la primera) en un foro es esta:


Y ahora, como siempre digo, solo queda esperar hasta el día del estreno para comprobar cual de todas las teorías es cierta. El día 24 de enero en Perú, el 1 de febrero en España y Méjico y el 7 en Argentina.

Para concluir, dejo una lista de links que pueden ser interesantes (se aceptan sugerencias):
Cloverfield en neocinetv.blogspot.com
Carta abierta a propósito de la campaña de marketing de Cloverfield (en inglés, en movieweb).
Slusho analizado en el septimo vicio.
Las noticias de la película en uruloki.
Monstruoso en aullidos.
Más noticias
en extracine.
Entrevistas al director, Matt Reeves (en inglés), donde -al parecer- aclara que pinta slusho en todo esto.
Foro de comicastle, donde se habla de la historia.

jueves, 17 de enero de 2008

En el valle de Elah (In the Valley of Elah).


La intervención norteamericana en Oriente medio está marcada por la instantaneidad de la respuesta que ha encontrado en Hollywood. A diferencia de lo que sucedió con la II Guerra Mundial o Vietnam, es una situación aún supurante ante la cual la industria cinematográfica no se ha quedado de brazos cruzados. Redacted, Leones por corderos,... han sido algunos ejemplos y el último que hay que añadir (por ahora) es En el valle de Elah (In the Valley of Elah), la última cinta dirigida por Paul Haggis.





En esta conocemos a un militar veterano cuyo hijo, tras volver de Irak, desaparece. Decide entonces acudir en su búsqueda, en la que al tiempo, terminará descubriendo la verdad acerca de la situación de su hijo.

Crash, el exitoso debut en la dirección de Haggis era un puzzle. Historias aisladas que se entrecruzaban intentando demostrar que somos un todo. Formalmente En el valle de Eliah posee una estructura "más" clara, a lo largo de la historia seguimos al padre. Pero realmente me parece que gran parte de la misma es un gigantesco mcguffin. Durante casi una hora, con la excusa de seguir una investigación policial, vamos sumando piezas de un rompecabezas que terminaran por encajar en los últimos veinte minutos. Pero todo el movimiento central termina por lastrar a la película, que pierde ritmo en esos momentos (aun a pesar de la última parte) y cae en ciertos tópicos, como sucede con el personaje de Charlize Theron.

En lo que respecta a los actores Tommy Lee Jones está magnífico, él es el eje alrededor del que orbita la película (y casi si única razón de ser). El es representa el orden, la organización y también el silencio. Posee un mundo estructurado en valores que se van derrumbando a medida que avanza la película (tremendo el momento en el que habla con su esposa por teléfono tras encontrar a su hijo).
También me ha encantado Susan Sarandon, la madre del soldado desaparecido. Apenas sale en tres-cuatro escenas. Pero no hace falta más. La emoción contenida, la ira que encierra su personaje es suficiente para llenar la pantalla en esos momentos.

En el valle de Elah me ha recordado a Acorralado (si, he dicho bien) porque intenta tratar la guerra como una abstracción que destruye a las personas e intenta mostrar que es lo que queda después. Sin embargo, creo que no termina de cumplir. Primero, como decía, por la falta de ritmo durante la investigación y segundo, quizás la manera de presentar las consecuencias resulta demasiado tópica (ciertas metáforas como el plano final), fría e incluso, distante.

martes, 15 de enero de 2008

Persépolis.


Me llega vía Pedro la recomendación para que vea Persépolis, de Marjane Strapi y Vincent Paronnaud. Antes me documento un poco y veo que es la película que la academia francesa para representar a Francia en la próxima entrega de los Oscar, pero también veo mucha polémica, a favor y en contra -aquí o aquí- y mucha palabra (algunas sin haber visto la película).



Bueno, lo cierto es que la película se basa en el cómic autobiográfico homónimo de Marjane Satrapi, publicado en cuatro volúmenes que narra la infancia y juventud de su protagonista y la búsqueda de si misma, durante la caída del Sha y la creación de la república islámica de Irán. Con esta comienza la guerra irano-irakí, cuando sus padres deciden enviarla a Austria a terminar su formación. Pero en Europa, aparentemente libre no termina de encontrar su lugar y vuelve a Irán. Pero si en Viena era una extraña, en Teherán lo es aún más.

Lo primero que quería decir, tras verla, es que puedo entender la decisión de la academia gala. Es una película increíble, hemosísima y dolorosa, que se ve con un nudo en el estómago, que por su tristeza me ha recordado a Cuando el viento sopla (When the wind blows). Precisamente en la amargura que logra transmitir juega un papel fundamental la animación, una animación sencilla, "clásica" (nada que ver con Beowulf). Por alejarse de la realidad parece que toca una fibra emparentada con cierta inocencia, cuando a la vez esta (y su perdida) es otro de los temas de la historia.

Técnicamente juega mucho con el clarooscuro, blancos y negros que se contrastan (como la propia realidad de la protagonista) salvo en lo que sucede en el tiempo "presente", una simplicidad máxima que cumple y muy bien, para hablar de un mundo que parece salido de la mente de Huxley (Un mundo feliz) o Orwell (1984), donde cualquier libertad, hasta la de expresar los sentimientos, está prohibida y que termina por detrozar al invididuo.

La historia flaquea en el segmento medio, cuando Marjane estudia en Viena, porque no termina de quedar claro porqué no encaja. Pero la primera parte y la final, la niñez y la edad adulta, son magníficas, como los son los secundarios, su familia (sus padres, su tío y su abuela). Se muestra como un personaje crítico con el mundo que la rodea y poco condescendiente consigo mismo, rasgos realistas que compensan la "irrealidad" del dibujo y, como decía, nos llegan a lo mas hondo y nos arrastran hasta el final conteniendo la emoción.

This is England.


Si hay algo que siempre he apreciado del cine británico es su capacidad de integrar su propia historia en sus narraciones, y eso lo hace tratando temas "políticos", o poniendo el listón a la altura de la calle. Por eso son capaces de hacer películas como The Queen o Camino a Guanátamo y otras como esta estupenda y muy recomendable This is England dirigida por Shane Meadows (y que se estrena en España, casi un año después que en el Reino Unido), sin caer en el radicalismo ni en la sensiblería fácil.




Desde el título ya tenemos claro lo que vamos a ver: esto es (será) Inglaterra. Nos remontamos a hace poco mas de veinte años (1983) a la Inglaterra de Margaret Thatcher durante la guerra de las Malvinas. La esposa y el hijo de un soldado muerto en combate se mudan a una nueva ciudad, donde primero el pequeño pasará una fase en la sufre las burlas de los demás en el colegio debido su aspecto y a la muerte de padre. Y después encuentra una nueva familia en un grupo de skinheads (puntualización importante, la película recoge el momento en el que el movimiento skin se radicaliza y se divide entre racistas y no racistas). En ellos encuentra un apoyo, hasta que un miembro el grupo, que estaba en la carcel, sale en libertad.

La película comienza como un cuento, hermosamente filmado, en el que el pequeño Shaun(Thomas Turgoose), un patito feo, encuentra a un grupo que lo acoge. Todo ello se rompe (y la película adquiere un nuevo tomo) cuando aparece (un genial, terrorífico) Stephen Graham en escena, como Combo, el skin recién salido de prisión -que se "adueña" de la historia desde entonces-. Con él se termina el cuento y comienza la realidad. La de jóvenes desorientados que se ven inmersos en un mundo adulto sin terminar de entenderlo y buscan algo, alguien, en quien apoyarse. Interesante me parece la relación entre los personajes de Graham y el protagonista que parecen en el fondo reflejar, casi, un mismo personaje (increíble el momento de ambos en el coche y el discuso de Graham). Alguien que quiere ser algo, lo que sea con tal de sentirse integrado, aun a pesar el riesgo que ello conlleva.

Se me han venido a la cabeza dos referencias mientras la película. Una, muy evidente sobre todo al final (quizás, lo único discutible de la película), a los 400 golpes de Truffaut. La otra, La naranja mecánica (en versión proletaria) de Stanley Kubrick, donde violencia e integración en el grupo (diferenciado por moda, lenguaje...) eran la reacción de los jóvenes ante el mundo. Que, sin embargo, no dejan de ser niños a nivel emocional, como vemos en las relaciones que mantienen o que intentan mantener y que a la vez provocan el desenlace final.




sábado, 12 de enero de 2008

Preview: Diary of the dead (2).

Hace ya meses que comenté sobre la nueva película de George A. Romero, Diary of the dead, y hoy he visto que ya hay fecha para el estreno en España, al parecer el 29 de febrero (siento no poder adelantar la fecha para otros países)
Lo que si puedo comentar es que ya se esta planeando una secuela. Por lo que se ha podido saber, transcurre cuando los supervivientes llegan a una isla, en principio deshabitada...
Bien, pera no me lio más y aquí os dejo el trailer de Diary of the Dead.

viernes, 11 de enero de 2008

Interview.


El apellido van Gogh parece siempre asociado a la fatalidad. Vincent, el pintor, recibió el nombre de un hermano fallecido antes de nacer el. Cornelius, que también sufrió graves problemas mentales y Theo. El galerista, el apoyo de Vincent, que cayó en una profunda depresión tras la muerte de su hermano y murió seis meses después (quizás por complicaciones de la sífilis que sufría).
Theo van Gogh, nieto de este falleció asesinado en Amsterdam en 2004, por un islamista radical. La actitud del director holandés fue siempre ácida y crítica hacia la sociedad que le rodeaba, pero también hacía sus miembros. Ahora, Steve Buscemi ha dirigido el remake de una de sus películas (de 2003): Interview.




Interview es un baile entre una felina Sienna Miller y un desencantado Steve Buscemi (también director). Él es un reportero de guerra que ha perdido su prestigio y se ve forzado a realizar entrevistas a celebrities.
Se trata de una hermosa película, donde lo primero que llama la atención es la estructura, tremendamente teatral. Dos personajes, apenas tres escenarios y el poder (poderoso) de la palabra. A través de ella, los personajes se denudan, se muestra como seres heridos, marcados por cicatrices, internas y externas.
Verdades y mentiras se van entrelazando y terminan por desembocar en una sensación agridulce de la naturaleza humana. Sinceramente, la película me ha sorprendido y sin embargo, no me ha terminado de gustar el desenlace... quizás porque esperaba un final más dulce.
Pero si me ha parecido maravillosa la relación que se establece entre los personajes directa, espontánea y convincente.


Una frase hacia al final es definitiva y describe las relaciones humanas como un pulso, una relación de poder, un tira y afloja en el que siempre debe haber un vencedor. Y eso es lo que sucede aquí. Al final, da igual la verdad, da igual quien habla. Realmente lo importante es la máscara, la persona que parecemos ser, más allá de quien somos realmente.

jueves, 10 de enero de 2008

Viaje a Darjeeling (Darjeeling Limited).


Como me decía un amigo, hay directores que o te encantan o los odias profundamente, pero no dejan a nadie indiferente. Esto es lo que pasa con Wes Anderson. O te irritan su modernidades o adoras sus historias contadas como cuentos recubiertos de una pátina pop.
En este caso, hay que tener en cuenta que gran parte de la atención de este Viaje a Darjeeling (Darjeeling Limited) se ve desviada por el corto Hotel Chevalier, un corto que debía servir como "prólogo" a la película y que introduce a uno de los protagonistas. Pero en él, además se puede ver un desnudo de Natalie Portman... con lo que ello implica.


www.Tu.tv

Bien, una vez resulta las dudas acerca del corto, pasemos a lo realmente interesante. La película.
Viaje a Darjeeling cuenta la historia de tres hermanos que se reencuentran tras un año sin verse, justo desde el funeral de su padre, para embarcarse en un viaje "espiritual" por La India, el que intentarán recuperar su relación.



Wes Anderson es uno de los representantes de lo que podríamos llamar la "modernidad" dentro de Hollywood, como Sofia Coppola, Spike Jonze, Michel Gondry o Charlie Kauffman. Y esta queda patente en la forma de la película, que sin embargo, no hace más que recuperar ciertas formas en desuso por el cine mainstream: planos secuencia (me gusta mucho la escena en la que los protagonistas van a subir al avión), zooms..., a los que el director le da un importante significado, pero también sucede esto si hablamos de las referencias, una de ellas: Jaques Tati.
Si, he dicho bien, Jacques Tati, porque otro de los aspectos que encierra la película es una crítica a la vida moderna occidental, en la que parece que se puede ir a un lugar y captar su espiritualidad en la hora y cuarenta y cinco minutos que dura la parada del tren.

La idea del viaje también es interesante, aunque algo evidente, porque el viaje termina siendo interior. Pero algo que si me ha gustado que cuando el viaje termina, es cuando, verdaderamente comienza todo para los personajes.


Y he querido dejar para el final a los personajes. Pese a que al cine de Anderson se le ha achacado que le da más importancia a la forma que al contenido, en esta película me ha parecido maravillosa la descripción de cada uno de los hermanos. Adultos que actúan igual que adolescentes, inseguros, frágiles, disputándose haber sido el más querido por el padre. Uno, Owen Wilson, el mayor que cree que debe actuar como padre de los demás. Otro, Adrien Brody, lleno de inseguridades hasta un extremo enfermizo, refugiándose en los objetos de su padre; y el tercero Jason Schawrzman (que junto con Brody me ha gustado mucho), tan inmaduro afectivamente que no sabe poner punto y final a una relación.

Como decía se trata de un hermosísimo cuento, quizás un poco desigual en el ritmo y en el que hacia el final sobra alguna "modernez", pero en el que la poesía y un gran guión nos termina atrapando.

martes, 8 de enero de 2008

Fracture.


Si, ya se que hace casi dos meses que se estreno Fracture (al menos en España), pero la acabo de ver y no quería dejar pasar la oportunidad de comentarla, aunque sea muy por encima.
En principio, admito que no tenía demasiado interés en ella. De un lado, el genero judicial no es mi predilecto y, de otro, digamos que pese a ser un gran actor, Anthony Hopkins (creo) lleva algo de tiempo sin una interpretación de las que impactan (la sombra de Lecter es muy alargada).

Bien, la historia es la de un ingeniero que asesina su esposa, pero durante el juicio demuestra como lo ha planeado todo para no ser condenado, llevándose por delante a un joven abogado arribista (Ryan Gosling) -que creía que el juicio carecía de complicación alguna- en lo que parece el crimen perfecto




Que a nadie le extrañe si la trama recuerda a Las dos caras de la verdad (Primal Fear, 1996), con ella comparte director, el personaje del abogado interesado en el éxito y el gusto por los giros argumentales (en teoría) impactantes.

Entre las cosas que no me han gustado... la historia de amor del protagonista, que chirría por todas partes, pese a que se muestra necesaria si se quiere justificar la toma de conciencia (supuestamente necesaria) del personaje de Gosling.
Y tampoco me ha gustado el ultimo tercio de la narración, en el que parece que cerrar la película y darle una resolución pesa por encima de todo, haciendo que el ritmo se acelere, aunque con ello se sacrifique la propia historia con un final algo atropellado .

Pero si a pesar de todo he querido hablar de la película ha sido por:
1) Por el trabajo actoral (que salva la película) Hopkins esta notable durante gran parte de la cinta (salvo al final). Sale poco, pero su sombra manipuladora merodea todo el metraje. Ryan Gosling, por su parte, lleva todo el peso de la historia, con una actuación naturalista, llena de gesto pero sin histrionismos, pequeños tics que le dan credibilidad a su personaje. Fijense en el uso de las manos, sobre todo en el primer encuentro entre sus personajes como este va variando hasta el encuentro final.
2) La idea del demiurgo, el personaje de Anthony Hopkins que crea una trama, modela la historia -aparentemente perfecta (lo que hace que su error sea más incomprensible)-, controlándola a su antojo, a imagen y semejanza de los mecanismos que construye.



Por cierto, ¿a alguien más le recuerdan estas máquinas a las que tallaba el nombre de los futuros asesinos en Minority Report?

jueves, 3 de enero de 2008

30 días de oscuridad (30 days of night).


Con más de cinco meses de retraso se estrenará en España (y Argentina), el próximo día 8 de febrero la adaptación de la novela gráfica escrita por Steve Niles e ilustrada por Ben Templesmith: 30 days of night o, como se ha traducido aquí, 30 días de noche... con el título de 30 días de oscuridad.
La historia. En un pueblo de Alaska -Barrow-, durante el invierno se suceden treinta días de oscuridad total. Esta curiosa circunstancia (y al parecer real) es aprovechada por un grupo de vampiros para atacar, y saquear, el pueblo.



La primera imagen de la película es poderosa. La imagen de un barco encallado en el hielo, mientras que una versión moderna del Reinfeld de Bram Stoker (Ben Foster), se aproxima al pueblo. Sin embargo, a partir de aquí todo va cuesta abajo.

Me explico. Sin entrar en más detalles, se supone que la gente del pueblo esta sitiada y escondida durante casi un mes de los vampiros, pero la cuestión es que no hay tensión alguna. Si en lugar de treinta, hubieran sido tres los días... habría sido muchísimo mejor. Es decir, durante ningún momento se nos transmite la sensación opresiva de tener que estar encerrado que se supone deberían sufrir los habitantes del pueblo.

También es cierto, que durante gran parte de la película me he acordado de John Carpenter y me he preguntado que habría hecho el con este mismo material. Tan, al menos en principio, cercano al western (salvo que cambiando a los bandidos por vampiros). Eso me lleva a otro capítulo. El director. Recuerdo el brillante debut (lo cual ha aumentado la decepción de esta) de David Slade, Hard Candy. En aquella ocasión recurrió a cierto minimalismo formal, unido a unos cuantos golpes de efecto para construir una creciente atmósfera malsana. Por contra, en 30 días de oscuridad -además de la falta de tensión-, esos mismos toques resultan extremadamente truculentos (e inútiles), además de que presenta ciertos problemas en el montaje (como queda patente en el primer ataque al pueblo).


Pero no todo es malo, me ha gustado la caracterización de los vampiros (pese a que los personajes humanos, todos, resultan muy tópicos), más cerca del mito original del vampiro casi como una bestia (un acierto la imagen animalística que muestran), que de la habitual imagen romántica habitual en el cine.

Preview: Monstruoso (Cloverfield) (2).

Es la segunda entrada dedicada a uno de los estrenos que, personalmente, más espero en este nuevo año: Cloverfield o, como se llamará en España, Monstruoso. Esta vez es para dejar el último anuncio, con subtítulos en español, que nos llega vía NeoCineTv.