domingo, 29 de junio de 2008

Primeras noticias de [REC]2.

En el blog de Paco Plaza, una entrada muestra la siguiente imagen:


¿Hace falta decir más?

sábado, 28 de junio de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: El club de la lucha.

Recuerdo una entrevista a Alejandro Amenabar; en ella, al preguntarle sobre sus películas favoritas mencionaba a El club de la lucha (Fight club), porque reflejaba el vacío que se ocultaba tras la vida moderna.
Lo cierto es que en el momento de su estreno, 1999, no tuvo una especial repercusión; pero con el tiempo ha ido ganando un status de película de culto.
Pero para los que no lo recuerden, las reglas del club de la lucha...

Un extra... algunas curiosidades.

Primeras imágenes: The Wrestler.

Si cuento que la historia de The Wrestler habla de un viejo luchador de wrestling que tiene la posibilidad de enfrentarse al rival que le derrotó años atrás... a más de uno le parecería que hablo de una película del estilo de Rocky. Pero si especifico que su director es Darren Aronofski, puede que empecemos a sospechar que la trama puede ser más compleja.
Por lo pronto, os dejo un vídeo que anda circulando de la filmación de la película, con Mickey Rourke caracterizado.

Además, para los más impacientes, aquí tenéis un enlace en el que podéis leer un análisis del guión.

Preview: RocknRolla.

Algunos actores y directores caen, casi inexplicablemente, en desgracia. Un ejemplo de ello lo tendríamos en Guy Ritchie. Tras darse, agradablemente, a conocer con Lock & Stock y estrenar la notable Snatch. Cerdos y diamantes; sufrió un descalabro con Barridos por la marea. A consecuencia de ello, todavía hoy no se ha estrenado en España Revolver (2005). Pero confiemos en poder ver su próxima película, RocknRolla, aunque sea por contar con el tirón de Leónidas Gerard Butler en el reparto.


(Trailer vía Empire).

RocknRolla promete seguir con la línea de Ritchie del british cool noir, en el se cruza especulación urbanística, estrellas del rock y la mafia rusa.
La película, que en los USA se estrena el 31 de octubre en los USA, cuenta con un reparto coral con Jeremy Piven, Tom Wilkinson, Thandie Newton y el ya mencionado Gerard Butler.

miércoles, 25 de junio de 2008

Preview: Tropic Thunder.

A insistencia de un amigo (si Eduardo, si), unos trailers de Tropic Thunder. Dirigida por Ben Stiller, narra la historia de un director que rueda película sobre la guerra del Vietnam. Al verse sin presupuesto, abandona a sus actores en medio de la selva, donde son confundidos por agentes de la DEA.

Detrás de las cámaras y como protagonista Ben Stiller, junto a Jack Black y Robert Downey Jr., como un actor australiano del método, que se opera para cambiar el color de su piel. A ellos, hay que unir numerosos actores, como el de Tom Cruise.
El 15 de agosto en USA y México, y el 4 y el 26 de septiembre en Argentina y España, por ese orden.

De regalo, el vídeo promocional que prepararon para los MTV Movie Awards...

lunes, 23 de junio de 2008

Preview: El curioso caso de Benjamin Button.

David Fincher es uno de esos directores (de los pocos) que son capaces de hacer películas que deslumbren, casi por igual, al crítica y público; Zodiac, Seven o La habitación del pánico, dan fe de ello.
Ahora adapta una obra de F. Scott Fitzgerald: El curioso caso de Benjamin Button. La historia de un hombre nacido bajo circunstancias "poco usuales". Nace como un anciano y a largo del tiempo, durante todo el siglo XX, va rejuveneciendo.

Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Elias Koteas y Tilda Swinton, completan el reparto. El estreno.... 19 de diciembre en los USA, 15 de enero en Argentina y el 23 de enero en España.

sábado, 21 de junio de 2008

Entrevistas a Michael Haneke.

Hace una década se estrenaba Funny Games, una reflexión sobre la violencia y la manera en la que esta nos fascina. Diez años después de la cinta que le proporcionó fama internacional, su director, Michael Haneke, reversiona su película, esta vez en lengua inglesa.
A raíz de esto aullidos.com recoge una entrevista (que reproducimos) al director austriaco, pero también hemos querido hacernos eco de el vídeo de una entrevista que dio a raíz del estreno de la primera versión de Funny Games.

(Entrevista a Michael Haneke, 1997)



(Entrevista a Michael Haneke, 2007)
¿Cómo piensa que han cambiado los medios en los últimos diez años desde el estreno de la primera versión de Funny Games? ¿Cómo cree que ha cambiado la perspectiva de los espectadores en cuanto a su visión de la violencia?
Creo que la película es más relevante ahora porque las películas son más brutales y las estrategias de ventas son más refinadas. También me refiero a estrategias de ventas desde un punto de vista estético, no desde un punto de vista comercial, sabes, sino la forma en que se hace el marketing de una película ha cambiado.

¿Se ha planteado nuevas preguntas sobre la violencia y los medios con esta versión de la película, o son las mismas que planteó con la versión de 1997?
Las preguntas son las mismas, pero creo que su relevancia ha cambiado.

En la época que Ud. hizo la película original de Funny Ggames, las películas Saw y Hostel aún no se habían rodado. Con la llegada de ambas franquicias ¿cómo ve la evolución del cine americano y el papel que se adjudica al espectador de ello ?
De alguna manera, es la misma pregunta o está relacionado con el mismo tema de que todo se está empeorando, todo se está haciendo más odioso. Encuentro que las películas de hoy en día son cada vez más planas, más banales y al espectador le tratan como si fuera tonto y con esta película, intento protestar contra eso. Quiero que me tomen en serio como espectador y cuando hago una película intento pensar en mi espectador como una persona inteligente, no tonto, eso es todo.

¿Qué diferencias, si es que las hubiera, hay a la hora de hacer esta película para un público europeo en vez de un público americano? ¿Fue consciente de esta cuestión durante la producción de la remake? ¿Hubo algo diferente en su acercamiento al tema?
No es tanto una cuestión de hablar del público americano contra el público europeo. Lo que importa es que si hago esta película en inglés llega a la mayoría del resto del mundo. Llega a la gente en Asia y África, o donde sea, no solo a Estados Unidos, y eso no es posible con una película rodada en alemán.


Esta es una historia de la invasión de un hogar, pero la gente que invade no quiere robarles sino atemorizar a sus victimas. Por un lado, Ud. demuestra que tenemos hambre de ver violencia. Por otro lado, la película aprovecha los temores que tenemos de convertirnos en victimas. ¿Estaba intentando demostrar ambas ideas o se inclinaba hacia una de ellas?
Como principio, no me analizo a mi mismo, quiero que el espectador interprete mi película. Como espectador, puedes sacar la lectura que quieres de ella. Hay muchas complejidades en esta película—no se trata solo del consumo de violencia—aquello es solo un aspecto de la película. Espero que las otras complejidades sean claras para el espectador cuando la vea. No quiero dar una manual de instrucciones de cómo hay que ver esta película- todo el mundo puede interpretar la película como quiera, la película termina con el espectador. No termina con mi opinion.


El tema de la película es muy provocativo. ¿Por qué es este un asunto tan importante, sobre todo dentro del paisaje cultural actual?
Todo el que infringe la corriente principal de pensar y no me refiero solo al cine, generalmente es provocativo. Cualquiera que sea la antítesis a la norma y a la forma convencional, se le llama obsceno y provocativo. Así que si lo interpretas así, espero que todas mis películas sean obscenas y provocativas. Pero hay que tener en cuenta que lo obsceno es lo contrario de lo pornográfico. Mis películas no deberían ser pornográficas pero pueden ser obscenas y provocativas.

¿Cómo fue el proceso del casting? Con unos papeles tan comprometidos, ¿qué buscaba en los actores?
Una de las condiciones para que hiciera la película era que Naomi Watts interpretaría a Anna porque pensaba que ella sería ideal para este papel como una actriz de habla inglés. En cuanto a los otros actores, los buscaba según los criterios que siempre me guían cuando busco actores: la calidad del actor. No me interesa un tipo en concreto- me interesa un actor o una actriz que encaja en el papel, que trabaja en ese papel, y en este caso en concreto, necesitaba actores que podrían interpretar unos papeles muy comprometidos.

¿Cómo ha elegido los actores para los papeles de los dos intrusos en esta remake? ¿Buscó algo en particular?
Buscaba buenos actores—era el criterio más importante para mí. Era importante que fueran ideales para el papel y que fueran actores que son emocionantes de ver en pantalla y con Michael Pitt y Brady Corbet, creo que encontré aquello con ambos actores. Esta el hecho que estos actores son algo parecidos. Los dos son rubios, de un tamaño parecido etc., y tienen más o menos la misma edad, que es una coincidencia. A mí me da igual el color de su pelo. Por ejemplo, en la original en alemán, son unos tipos muy distintos. Yo simplemente buscaba los mejores actores para los papeles.

¿Qué películas en la filmografía de Naomi Watts le convencieron para elegirla para la remake de Funny Games?
La vi en 21 gramos y Mulholland drive y me pareció una actriz increíblemente buena. Sencillamente quería trabajar con ella porque creo que es una actriz excelente.

Cuando trabaja con los actores ¿cómo consigue aquellas expresiones terroríficas y aquellas interpretaciones tan magníficas? ¿Cómo les ha ayudado a conseguir un nivel de intensidad y de emoción tan consistente a lo largo de la película?
Es imprescindible contar con actores de primera clase y hay que evitar errores. Por ejemplo, Fred Zinneman un paisano mío que trabajó mucho en Hollywood—hizo películas como Solo ante el peligro y The nun´s stroy —él dijo una vez cuando le preguntaron básicamente la misma pregunta o sea de cómo conseguía tan buenas interpretaciones de sus actores, y él dijo que es bastante fácil. Necesitas a) un buen reparto y b) hay que evitar errores. Puede sonar banal, pero es verdad y hacer un buen casting no solo quiere decir conseguir buenos actores pero que los buenos actores encajen con sus papeles. Y cuando se habla de evitar errores, quiere decir que si ellos se desvían en algún momento del guión o de la visión del director, tienes que saber cómo hacerles volver y esto por supuesto, es muy complejo y muy difícil. No existe ninguna receta para esto pero básicamente se puede resumir con esos dos puntos.

¿Cuales son sus favoritas películas de los últimos cinco años?
Las películas de Abbas Kiarostami y Bruno Dumont.

¿Cuándo fuiste niño, ¿qué películas querías hacer cuando llegaras a ser un director?
De hecho, cuando era niño no pensaba en hacerme director, quería ser cualquier otra cosa según la edad que tenía. Quería haber sido músico pero desgraciadamente no tenía suficiente talento así que me convertí en director.

¿Piensa volver a hacer alguna otra de sus películas? Si es así, ¿cuáles?
No, desde luego no volvería a hacer ninguna otra de mis películas.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Estoy trabajando en una película que se sitúa antes de la Primera Guerra Mundial, sobre los niños que se han criado en esa época y que luego se convierten en la generación de los Nazi.

martes, 17 de junio de 2008

Preview: Mirrors.

Voy a tener que editar este post. Mientras buscaba información de Alexander Aja, descubrí que la revista británica Total Film lo ha incluido en el llamado Splat pack, junto a otros directores de su generación (como Neil Marshall, Eli Roth o James Wan)... y creo que sería interesante dedicarle un poco más de espacio en una entrada.
Pero a lo que iba...

Tras impactar a ambos lados del océano con Alta tensión y el remake de Las colinas tienen ojos, Alexandre Aja vuelve a dirigir en los Estados Unidos y, de nuevo, un remake. En esta ocasión del film coreano Into the mirror.
Mirrors, la versión estadounidense cuenta con Kiefer Sutherland como protagonista, encarnando a un expolicía que trabaja como vigilante de seguridad en un centro comercial que empieza a padecer extraños fenómenos.


(Otro trailer más largo aquí).
Si, evidentemente yo también me he dado cuenta de que el argumento es muy similar al de otras películas de terror que readaptan originales asiáticos. Pero al contar con Aja, creo que vale la pena darle el beneficio de la duda (desde el 15 de agosto en USA, el 3 de octubre en España y el 9 en Argentina).



domingo, 15 de junio de 2008

El incidente (The happening).


Cuando apenas habían pasado veinticuatro horas tras su estreno y pese a leer unas primeras críticas no demasiado alentadoras (o quizás por ello), me vi El incidente (The happening), de M. Night Shyamalan.




Normalmente, siempre he creído que gran parte de la crítica ha sido muy dura con él. Desde el éxito de El sexto sentido, las posturas a su alrededor parece que se han ido radicalizando cada vez más. Personalmente, creo que el director de origen hindú es autor de algunas obras más que notables, caso de Señales o El bosque.
Sin embargo, su última película ha supuesto una decepción mayúscula. Pero vayamos poco a poco...

El incidente, es la historia de una serie de ataques que se suceden contra la población de la costa noreste de Estados Unidos que provocan el suicidio casi inmediatamente.
También es la historia de un profesor de instituto (Mark Wahlberg), su mujer (Zooey Deschanel) y la hija de su mejor amigo (John Leguizamo) que intentan huir de la zona afectada.

El planteamiento de la película es interesante. De hecho, las dos secuencias que abren la película me parecen magníficas. Formalmente, lo que cuenta es interesante y puede llegar a ser aterrador. Pero el problema está en lo que había sido hasta ahora uno de los fuertes de Shyamalan, los personajes y las relaciones entre ellos. Estas están tan esbozadas que apenas existen.
Normalmente en sus películas suele existir una situación anómala externa, que tiene su paralelismo o que se desarrolla al tiempo que los personajes sufren algun tipo de crisis personal. Es el caso del matrimonio (supuestamente) roto de El sexto sentido o la falta de fe del sacerdote protagonista de Señales. El hecho de que esto no pase merma la implicación del espectador con los personajes. Es más, diría que el motivo de la tensión entre la pareja protagonista es casi sonrojante.



Shyamalan ha querido hacer un homenaje al cine de serie B, y lo que es verdad es que películas como La guerra de los mundos, La noche de los muertos vivientes y La invasión de los ladrones de cuerpo se hacen presentes en distintos aspectos de la película, como la sensación de inseguridad, paranoia o continua huida.
Al tiempo que es una película que encierra, a su vez, dentro otras muchas películas. Tendríamos la historia de los protagonistas que huyen de la amenaza, que como los zombis de Romero les rodean. Estaría la historia del terror a lo desconocido de aquellos que se encierran en sus casas y se intenta aislar del mundo, y por encima de todo, el miedo a la despersonalización, el gemelo oscuro, el doppelgänger, el yo que no es yo, que arrastra -en esta película- al suicidio.

Esta es una película desigual. Previsible en algunos tramos, cuenta con una brillante Zooey Deschanel y una premisa más que interesante. También tiene algunos momentos muy buenos, como es toda la secuencia de la casa de la señora Jones, quien los acoge en su huida por el campo, pero que al tiempo queda fuera de sintonía con el resto del conjunto, en el que Shyamalan parece buscar más el impacto en el público que narrar una historia. Prueba de ello es el desperdicio del personaje de John Leguizamo o el uso de una grabación en vídeo, un recurso que ya había usado en Señales como forma de añadir tensión, aquí -parece- solo buscar impactar.
Hay una diferencia brutal entre lo que promete la historia, el modo de contarla y el proceso interno de la misma, que parece totalmente defectuoso. Así, de todas las películas de Shyamalan esta es la que parece menos arriesgada, mas cómoda y casi más pensada en un público mayoritario. De igual modo que el tercer acto (si es que existe) parece montado de forma apresurada, abriéndolo con una frase en off que sirve para introducir un final feliz para los protagonistas y un añadido que, a la vez, continúe pertubando (la coda francesa).

domingo, 8 de junio de 2008

Funny Games U.S.


Intuyo que desde que comenzó a filmarla, Michael Haneke sabía que el remake estadounidense de Funny Games no le iba a gustar a nadie. Para el público medio norteamericano será una película extraordinariamente incómoda de ver (por el grado de violencia que se ve -o se intuye), mientras que los recursos que utiliza para manipular al público tampoco creo que gusten demasiado.
Lo que si es cierto, es que creo que hay que intentar acercarse a esta Funny Games U.S. sin pensar en la original. Puede, y solo puede, que el mérito de revisitar su obra, plano a plano, persiga otra intención, fundamentalmente acercarla a un público que 1) muy probablemente la desconocía y 2) presentarla en una sociedad muy conservadora donde la violencia está tan presente como la norteamericana.


(Funny Games, 1997)


(Funny Games, 2008)

Funny Games U.S. es la historia de un matrimonio de clase alta que de vacaciones se encuentran con un par de jóvenes, inteligentes, atractivos, que sadicamente "juegan" a torturarlos, física y, sobre todo, mentalmente.

La cuestión es intentar obviar una (si se puede) para hablar de la otra -tengo mis dudas sobre si se puede y de si ese no es el interés del director-. De todas maneras, y pese a las críticas, creo que siempre será mejor criticar a Haneke por repetirse que ver la misma película de terror de diseño repetida.

Funny Games U.S. no es ni más ni menos que un ejercicio de pornografía emocional, donde somos constantemente manipulados. Desde la primera secuencia, cuando nos encontramos a una familia ideal, más ideal aún que en la del 97 (Tim Roth, Naomi Watts y Devon Grearhart), a cuya imagen idílica le superpone una estridente música heavy.
Luego Haneke alarga el tempo de la historia, usa planos secuencias, secuencias largas, que primero nos desesperarán porque parece que no pasa nada. Poco después el mismo recurso nos sacará de quicio por la tensión que guarda cada escena.
Así que nos convertiremos en marionetas. Parecerá que la víctima es la familia, pero que nadie se engañe. Somos nosotros.
Los momentos en los que Paul (un magnífico Michael Pitt) nos habla, o en la escena del mando a distancia, son en los que sabemos que realmente están jugando con nosotros y que la familia no tiene esperanza ni posibilidad alguna.
Una diferencia está en los protagonistas de 1997 y en el del 2007. El Paul original, Arno Frisch, resultaba más duro. En esta Michael Pitt es más "cordial", lo que termina por ser más aterrador. En la austriaca Peter era una figura opuesta a Paul, mientras que aquí vendría a ser un complemento, casi un gemelo.


El gran juego de Haneke es el de plantearnos una situación y hacernos creer que somos meros espectadores, cuando realmente la cinta esta llena de elipsis y situaciones que suceden fuera de plano... pero que no necesitamos ver... ¿pero no queremos?
La primera víctima será la propia intimidad de la familia, el hogar. Luego el cuerpo de Naomi Watts (muy bien, igual que Roth), convertido en objeto. Lo que se acerca a una de las escenas mas recordadas de La naranja mecánica, la irrupción en la casa del escritor, de nuevo, la destrucción del hogar y la transformación del cuerpo en objeto. La conexión con Kubrick no es casual, al fin y al cabo Paul y Peter matan por diversión, sin que existan consecuencias, igual que Alex y sus drugos en la obra de Anthony Burgess.
Con la familia encerrada, se nos hace creer que podrán escapar, para arrebatarnos de golpe toda la esperanza. En el fondo, somos espectadores en la misma medida que para los dos protagonistas la experiencia es real, en la medida que lo seria un videojuego como representación de lo "real". Aunque nos identificamos con las víctimas porque representan la normalidad, nosotros -como espectadores- estaríamos del lado de los asesinos, porque para ellos esa experiencia no es cierta, igual que para nosotros no lo es, ya que al fin y al cabo no deja de ser una película, mera representación.

sábado, 7 de junio de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: Eyes wide Shut

Eyes Wide Shut fue la última película de Stanley Kubrick. Creo que muy pocas historias han tratado el mundo de la pareja, con sus miedos y su frustaciones tan bien como esta. Y de todas sus imágenes quizás la más reveladora sea la siguiente...




El Doctor Harford y su esposa, Alice acaban de llegar de una fiesta en la que ambos han jugado a las infidelidades no consumadas. Suena Chris Isaak. Desnuda ante el espejo él se acerca y la besa, su mirada parece perdida.
¿Qué es lo que hay en ella?

viernes, 6 de junio de 2008

El territorio de la bestia (Rogue).


Hace no demasiado tiempo pasó por nuestras pantallas Wolf Creek. En su momento, la sensación que me dio es su guión adolecía de personajes planos, pero que su forma de estar filmada era bastante interesante.
Ahora ha llegado a nuestras pantallas El territorio de la Bestia (Rogue), el siguiente trabajo de Gregg McLean. En este caso, lo que narra es la historia de unos turistas atacados por un cocodrilo gigante.





La historia y los personajes no son gran cosa. De hecho, hasta cierto punto son tópicas, como la contraposición entre el turista americano y los pueblerinos; mientras que los turistas no parecen más que un grupo típico de víctimas (eso si, destacar la presencia -fugaz- de Sam Worthington, protagonista de Avatar de James Cameron) bastante planos de los que poco, o nada, sabemos. Más o menos, lo mismo que sucedía con Wolf Creek. Pero en esta como aquella hay algo que si funciona y es el modo de narrar, diría incluso que mejor.

Lo primero es que McLean se toma tiempo en contar la historia, utiliza la naturaleza como un personaje más de la historia, filmándola con calma y deteniéndose en pequeños detalles (como los paisajes, o la subida de la marea).
Luego tenemos la manera de presentar al cocodrilo. Casi hasta el final no lo veremos, en lo que constituye el gran acierto de la película, sino que se nos presenta como una presencia que sabemos que está, pero no terminamos de ver (la forma de cazar a la primera víctima me parece admirable), de hecho parecerá una presencia casi abstracta lo largo de metraje. Digamos que el director trató más de construir una película de "suspense", a partir de mantener la tensión, que de miedo propiamente dicho -donde la música, o su ausencia, juega un papel fundamental-. Así, por contra, en cuanto lo vemos -al final- es cuando la película baja y se vuelve más convencional y menos interesante, pasando a ser otra más con animal asesino.

jueves, 5 de junio de 2008

Ironman


Cuando iba a escribir sobre Ironman pensé en comenzar hablando de cómo el cómic se ha convertido en lo que fueron los cuentos en el pasado: una manera popular de transmitir lecciones y valores. Pero inmediatamente me di cuenta de que esa idea esta ya más que manoseada.

También pensé en Truffaut. Hace muchos años, en una extensa entrevista con Alfred Hitchcock, el francés se quejaba del riesgo que implicaba que el cine se refugiara en la literatura como medio de legitimarse como arte, porque eso podía significar que al final el cine se limitara a traducir las palabras en imágenes.

Esto viene a cuento, de la paradójico que es el hecho de como en unos cuantos años se ha pasado del miedo a un cine literario a utilizar el cómic como referencia por motivos... ¿comerciales? ¿artísticos? ¿morales?

A lo que iba, todo esto viene por Ironman, la última -por ahora- adaptación de un cómic de la Marvel (y la primera producida al 100% por la misma). La película es más de lo mismo... el origen del superhéroe, su chica (la típica Marvel-florero), su antítesis y su venganza... Y todo ello a pesar de contar con Mark Fergus y Hawk Ostby (que intervinieron en los guiones de Primera nevada y de Hijos de los hombres). A lo que hay que unir la dirección de Jon Favreau, que resulta correcta... plana... la habitual en las películas de esta franquicia... aún a pesar de un inicio en flashback bastante aceptable (incluso toda la parte afgana).



Me veo obligado a decir de qué va la película... Tony Stark es un multimillonario fabricante de armas que durante una demostración en Afganistán es tomado como rehén. En su encierro crea una armadura que le permitirá salir de allí...

¿Qué tiene esta película? a un magnífco Robert Downey Jr., quien carga con todo el peso de la película. En ese sentido, admito sentir curiosidad por saber hasta que punto la ironía del personaje es cuestión de guión y en que medida es cosa del actor (creo que mucha).

Pero poco más que decir, el metraje discurre por la línea que hemos visto últimamente todo muy plano, muy desaprovechado -la película no es mala, entretiene, pero podría haber dado mucho más-. Como el personaje de Gwyneth Paltrow (hermoso florero) o el de Terrence Howard(magnífico contrapunto a Downey). O aspectos el guión que habrían dado más juego, como esa unión carne-máquina, que me recordó a Robocop (y diría que a Cronenberg, pero duele mencionarlo aquí).

martes, 3 de junio de 2008

Preview: 3.10 to Yuma.

¡AL FIN!
Es lo único que se me ocurre decir al saber que por fin se estrena 3.10 to Yuma en España.



3.10 to Yuma cuenta como un ranchero pobre (Christian Bale) acompaña en la custodia de un peligroso ladron (Russell Crowe).

Estrenada el pasado verano en los USA y tras pasar bastante desapercibida en los Oscars, 18 de julio se estrenará en España esta versión de la película de Delmr Daves (1957), dirigida por James Mangold. Creo que es una de las películas más interesantes del verano y una relectra modernísima del western.

domingo, 1 de junio de 2008

Preview: La Carretera (Primeras imágenes).

Conocí la novela El Camino (The Road) y supe que iba a haber adaptación cinematográfica casi al tiempo, gracias a mi amigo el Doctor Zombi.

La novela de Cormac McCarthy (No es país para viejos) narra la historia de un viaje. El de un padre y un hijo que han "sobrevivido" al apocalipsis y se encaminan a la costa en busca de un lugar mejor. El mundo ha desaparecido y los que han sobrevivido han enloquecido y se han vuelto caníbales. Menos ellos dos.

La película cuenta con Viggo Mortensen y Charlize Theron y está dirigida por Jim Hillcoat. Su estreno en USA se preveé para noviembre de este año.







Preview: The Spirit.

Francis Ford Coppola llevaba años avisando sobre la muerte del cine en celuloide y el triunfo del digital y ese momento, creo que ya está aquí.
Tras 300 o Sin City nos llega un nuevo ejemplo de esta manera de hacer cine: The Spirit. Dirigida por Frank Miller, adaptando el cómic de Will Eisner (y con una estética más que cercana a Sin City), cuenta la historia de un policía que es dado por muerto por el villano Octopus, tras los que regresa como The Spirit para defender a la ciudad y sus habitantes.
Entre el reparto, Gabriel Match como protagonista, Samuel L. Jackson, Eva Mendes y Scarlett Johansson.



¿Impacientes por el estreno? habrá que esperar. En los USA se estrena el 25 de diciembre. En Argetina el 22 de enero... y en España el 20 de marzo.