sábado, 29 de noviembre de 2008

Tropic Thunder. Una guerra muy perra (Tropic Thunder).

Leía hace poco un artículo en Sesión Golfa en el que su autor se quejaba de como los distribuidores, al menos en el caso de España, añaden subtítulos -supuestamente graciosos- a los títulos de las películas. Este es el caso de Tropic Thunder. Una guerra muy perra.


Tropic Thunder, dirigida por Ben Stiller y escrita por él mismo junto con Justin Theroux y Etan Cohen (no confundir con Ethan), cuenta como un grupo de actores endiosados rueda la adaptación de un bestseller ambientado en la Guerra del Vietnam. Ante el desastre en el que se está convirtiendo el rodaje, el director y el autor del libro deciden abandonar a los actores en medio de la selva buscando que la historia sea "de verdad".

De la película hay un par de cosas que me gustaría destacar. Primero, los actores y su caracterización, en lo que recae casi el setenta por ciento del peso de la historia.
Lo cierto es que en la construcción de los personajes se vale de una caracterización de los personajes que a todos nos resultará más que conocida...
...el actor de cine comercial que quiere realizar películas "serias" para que lo tomen en serio (Tugg Speedman/Ben Stiller)...
...el actor consagrado y multipremiado que hace del "método" su vida Kirk Lazarus, un genial Robert Downey Jr, de largo de lo mejor de la película como un actor australiano que cambía quirúrjicamente el color de su piel para interpretar a un personaje negro...
...un rapero que quiere iniciar una carrera cinematográfica (Alpha Chino/Brandon T. Jackson)...
...el actor de comedia que sufre múltiples problemas de adicciones (Jeff Portny/Jack Black)...
...el director de teatro que recibe el encargo de manejar a un grupo de "personalidades" de este calibre (Damien Cockburn/Steve Coogan)...
...el autor que ve su libro transformado (John Tayback/Nick Nolte)...
...el productor al que solo le interesa que el producto resulte rentable, Les Grossman un desmesurado y ciertamente brillante Tom Cruise...

Todos los actores están francamente bien -si es posible, hay que verla en versión original-, Sus composiciones están realizadas con muy mala leche, como se ve desde el principio, con los fake trailérs a lo Grindhouse y que se enmarcan en la visión muy poco condescendiente del mundo de productores, actores y agentes del Hollywood.

En segundo lugar, destacaría también la presencia de referentes cinematográficos muy importantes y en los que se ve la buena mano del Stiller director, entre las que destacaría la constante de Apocalipsis now.

Lo único que cabría reprocharle, algunos chistes muy fáciles, demasiado escatológicos, pero aún así tiene alguna explosiva sorpresa (...el "abandono" en la selva).



pd ¿Alguien necesita ayuda para identificar al personaje con "su persona" real?

Preview: El Intercambio (The Changeling).

Hace poco tiempo hablaba de Gran Torino, la película que protagoniza y dirige Clint Eastwood. Pero antes de esta, llegará a las pantallas El intercambio (The Changeling).

Una madre (Angelina Jolie) denuncia la desaparición de su hijo. La policía lo recupera. Pero cuando vuelve con ella, descubre que el niño que le han entregado no es el suyo.

Escita por J. Michael Straczynski (quien también está realizando el guión de World War Z, adaptando la novela de Max Brooks), cuenta en el reparto, con Angelina Jolie y John Malkovich.

Las fechas de estreno... 31 de octubre en USA, España 19 de diciembre y 22 de enero, Argentina.

jueves, 27 de noviembre de 2008

Los Cronocrímenes.

Me había resistido a ver Los Cronocrímenes, fundamentalmente, porque me preocupaba en que medida se habían creado demasiadas espectativas en torno al estreno en el largometraje del director Nacho Vigalondo, a raíz de su candidatura a los Oscars en 2005 por el corto 7.35 de la mañana.

Ahora puedo decir que la he visto y me ha gustado. La película cuenta como un buen día Héctor está en su casa. Mira al horizonte con sus prismáticos y ve a una chica. Empujado por la curiosidad... o quizás por el deseo, se adentra en una arboleda cercana para ver mejor.

Siento debilidad por el cine fantástico que tira de buenas ideas, aunque técnicamente carezca de recursos (o quizás por ello). Esta película es un buen ejemplo. La historia se sustenta en una idea y en tres personajes. Héctor (Karra Elejalde), el protagonista; su esposa (Candela Fernández), una chica que pasea por el bosque (Barbara Goenaga) y un hombre que parece muy al tanto de lo que sucede (el propio Nacho Vigalondo).

Pese a que la historia se sustenta en los viajes temporales y sus consecuencias, lo mejor de la historia son los puntos en los que se apoya. El deseo, frente a cierta idea de redención. De una manera tal que, sobre todo al inicio, recuerda poderosamente a David Lynch.
Tenemos a un hombre común -muy bien interpretado por un Karra Elejalde que empieza cayendo mal-, de clase media, media alta, con una esposa hermosa (casi como en Carretera Perdida), que observa el horizonte con sus prismáticos. A través de ellos ve a una chica desnudándose. Y se levanta.
Ese simple hecho es el que pone en marcha la historia. El deseo por lo prohibido que da pie a una sinfonía fatalista en la que constantemente el director nos imbuye en lo que parece ser una visión oscura y casi determinista del destino. Salpicada, eso si de puntos de humor, gags muy sutiles, pero que ayudan a que la película se vaya construyendo a modo de piezas de un rompecabezas, rematada por un final ¿feliz? negro, negrísimo, que tampoco es demasiado benévola con la condición humana... o ¿quizás es realista en ese sentido?. Una especie de Memento, contada linealmente y muy minimalista, porque narrativamente -como en la película de Nolan- es muy compleja, partiendo de la base en una paradoja temporal.En lo que respecta a la construcción de la historia es en lo que se pueden ver más problemas. En el tercer acto, cuando el guión se retuerce sobre sí mismo, quizás en exceso, lo que puede provocar cierta desubicación y confusión en el espectador.

¿Más?
Vigalondo hablando de su película:

domingo, 23 de noviembre de 2008

Cine Club: El fuera de la ley (The outlaw Josey Wales).


Sé que en ocasiones soy muy reiterativo con mis ideas. Esto me pasa, por ejemplo, cuando hablo del western y de su relación con la mitología. Desde ya advierto que esta entrada no será una excepción.
Este post lo quiero dedicar a El fuera de la ley (The outlaw Josey Wales).


La película, dirigida en 1976 por Clint Eastwood, adapta un novela de Forrest Carter (The Rebel Outlaw: Josey Wales) y protagonizada por el propio Eastwood, el Jefe Dan George, Sondra Locke, Paula Trueman y Geraldine Keams, al parecer se basa, al menos parcialmente, en un personaje auténtico que vivió en tiempo de la Guerra de Secesión, Bill Wilson.
La historia tarda, exactamente, tres minutos en comenzar. Los que son necesarios para que la tranquila vida del granjero Josey Wales se trunque. Un grupo de soldados del Norte llega a su granja y asesinan a su mujer y a su hijo.
Abatido, Josey solo encuentra refugio en el deseo de venganza. Enrolado en la milicia sureña, intentará encontrar a los responsables de la muerte de su familia en el frente.
Sin embargo, la guerra se termina. El Sur es vencido. Los combatientes deberán rendirse y jurar obediencia al Norte. Pero no ha terminado para todos. Para Josey, no.
Ese solo será el inicio de un largo viaje.

Para muchos, entre los que me incluyo, Sin Perdón significó un redescubrimiento de un género, pero Eastwood ya había dado su perspectiva antes el western, a través de esta cinta, que quizás no esté por encima, pero desde luego que tampoco está a un nivel inferior a la de los años noventa.

El fuera de la ley entra dentro de lo que se ha dado en llamar western revisionista, podemos entenderlo como el cine de género que rompía con los esquemas habituales (indios-malos, norte-buenos...), para dar una visión diferente del oeste.
Para no ir más lejos, esto lo vemos desde el inicio. El protagonista -aunque no combate por convicción-, forma parte del ejército confederado, tradicionalmente considerados "los malos" de la historia, por su apoyo a la esclavitud.
También, frente al tópico de los indios como salvajes, gran parte de la historia haba de la convivencia entre diferentes razas. Más aún, los indios se muestran como (casi los únicos) civilizados. De hecho, hay una gran ironía respecto a la naturaleza humana del hombre blanco, que engaña a los indios y los confina en reservas o que (como el barquero) miente descaradamente en su propio beneficio.


Y, de hecho, el personaje de Josey Wales rompe con lo tradicional del género. Habitualmente el vaquero solitario conformaba la gran imagen del cine de vaqueros (p.ej. John Wayne en Centauros del desierto-). En su lugar, aquí encontramos a un hombre que primero pierde a su familia y luego la ve "recompuesta" con los personajes -tan heridos como él- se que encuentra en su vagar.

En el fondo presenciamos un gran viaje, tanto físico como mental, la crónica de una perdida y la recuperación de la identidad de un individuo, a la par que su leyenda -a nivel popular. va creciendo. En esta travesía se irán cruzando personajes casi mitológicos, como esa suerte de Caronte que es el barquero que lleva de un lado a otro del río Missouri, en un paso que significa el comienzo de todo.

El individuo es otro de los aspectos importantes en esta El fuera de la ley, a lo largo del metraje vemos una reivindicación del ser humano y de su capacidad de dialogar y de llegar a un entendimiento, más allá de sus diferencias. Y para el que la venganza a veces, parece, no ser suficiente para cerrar las heridas.

Formalmente, la manera de rodar de Eastwood se aleja del western clásico y se acerca más al spaghetti western (del que fue la gran estrella), es una película sucia, polvorienta, donde también la naturaleza y el uso de los colores tiene un peso importante.
Al comenzar, el bosque donde está la casa de Wales está en un entorno amable, de colores suaves. A partir de ahí, pasa a unos tonos más duros. Azulados y amarillentos, que representarían la muerte; que luego vuelven a cambiar hasta una nueva suavidad, policroma. Este cambio en las tonalidades aludiría al cambio gradual de Josey, de su soledad y sus ansias de venganza, hasta su nueva vida, junto a su nueva familia, nacida de una convivencia pacifica.


Clint Eastwood consigue construir un relato de personas, individuos que se superponen a la adversidad y que desconfían de los gobiernos, porque saben que los gobiernos mientes y en el que transmite la creencia que el diálogo entre personas, entre iguales es capaz de superar los tópicos.

viernes, 21 de noviembre de 2008

Preview (2) y trailer de The Wrestler.

Después de una espera que se ha antojado larga y a la expectativa tras las buenas (buenísimas) críticas en la Mostra de Venecia, al fin está disponible el tráiler de The Wrestler la película que ha dirigido Darren Aronofsky.


En ella, un luchador de wrestling, Randy The Ram Robisnon (Mickey Rourke), idolatrado en los ochenta, malvive en New Jersey, enfermo del corazón, alejado de su hija (Eva Rachel Wood) e incapaz de mantener ninguna relación real.
Mientras su sentido de la identidad comienza a fracturarse, comienza a evaluar el estado de su vida.
(Me faltaba por decir que Marisa Tomei también la protagoniza).

El estreno en los USA está fijado para el 16 de enero y es de suponer que a partir de esa fecha, el resto vaya cayendo.

jueves, 20 de noviembre de 2008

Entrevista a Roberto Saviano, autor de "Gomorra".

No puedo resistirme a incluir una entrada con la entrevista a Roberto Saviano que apareció en El País hace unos cuantos días a raíz su aparición en Sevilla, a raíz del estreno de la película Gomorra. Saviano es autor del libro en el que se basa la película de Matteo Garrone y partícipe de la elaboración del guión y tras su éxito se ha convertido en un personaje marcado, amenazado de muerte por la mafia.


BORJA HERMOSO - Sevilla - 08/11/2008
ENTREVISTA: ROBERTO SAVIANO Autor de Gomorra.
El éxito me condenó a muerte.
Más de dos millones de libros vendidos por un reportaje sobre los laberintos de la Camorra napolitana tienen un precio: una vida en estado de sitio, vigilada y amenazada. El escritor acudió ayer al estreno en Sevilla del filme sobre su libro.

Roberto Saviano tiene 29 años y casi toda la tristeza del mundo en los ojos. Da la mano con un gesto entre mecánico y desconfiado, sonríe leve, muy levemente, y toma asiento en el patio de un hotel sevillano. Se refugia Saviano en los parapetos de lo incierto y lo temeroso y lo furtivo. No lleva chaleco antibalas, ya sólo le faltaría eso, pero los cuatro escoltas rodean ya su campo de acción, miran debajo de las mesas, miran al periodista, miran a los balcones. Son cuatro agentes del Ministerio del Interior que han relevado, desde que Saviano llegó a Sevilla el jueves por la tarde, a los cuatro carabinieri habitualmente encargados de velar por su seguridad.
Poco después, perros policía adiestrados en la búsqueda de explosivos olisquean las instalaciones del teatro Lope de Vega de Sevilla, sede del Festival de Cine Europeo, porque el autor de Gomorra (Debate) -asfixiante y a ratos lírica denuncia del tinglado del terror instalado por la Camorra napolitana- está a punto de llegar.

La Camorra ha condenado a muerte a Saviano no por lo que ha escrito, sino más bien por el impacto de lo que ha escrito, un impacto cifrado en casi dos millones de libros vendidos. "Lo que más molesta a la Camorra no es exactamente la palabra, sino la palabra cuando genera tensión... La palabra como tal, así a secas, les trae sin cuidado; lo que no soportan es que esa denuncia tenga tantos lectores, y ésa es la diferencia entre Rushdie y yo. A Rushdie le condenaron con una fetua por el mero hecho de haber escrito Los versos satánicos; a mí me han condenado porque el libro se ha leído mucho; es el éxito lo que me ha condenado a muerte", explica.

El caso es que la condena existe. Lo demuestran los policías, los perros y la mirada de Saviano, que se proyecta en el suelo con demasiada frecuencia. El caso es, también, que, según el diario italiano La Repubblica, hoy mismo, la policía de Nápoles ha detectado la llegada a la ciudad de una partida de 50 kilos de trinitotolueno que obra ya en poder del clan de los Casalesi, cuyo jefe absoluto, Francesco Schiavone, alias Sandokán, ha jurado matar al escritor por atreverse a desvelar los sucios negocios de la Camorra.

La presencia de Roberto Saviano en Sevilla fue un enigma casi hasta el final (también esta conversación), pero él decidió pasar cuatro días en la ciudad con motivo del estreno de Gomorra, la adaptación cinematográfica que de su libro ha firmado el director Matteo Garrone. "Me gusta Sevilla; es una ciudad con una luz que me recuerda al sur de Italia. Me fui a pasear ayer con mis escoltas y fue estupendo; hacía mucho tiempo que no paseaba así por las calles de una ciudad", comenta Saviano con voz tenue. Un paseo en el que, por cierto, se encontró con un compatriota: un mimo italo-sevillano que se bajó de su taburete para gritarle "¡forza, Roberto!". También, en el transcurso de esta entrevista concedida a El País, un turista noruego interrumpirá la conversación para decirle que se ha tenido que frotar los ojos cuando le ha visto, y que ha llamado a toda pastilla a su mujer, que está en Oslo, para contárselo.

Es normal. A Saviano le llegan centenares de cartas y de correos electrónicos; también bragas y sujetadores, porque no faltan en Italia quienes piensan que por fin hay un hombre como Dios y San Gennaro (patrón de Nápoles) mandan, un hombre que planta cara a la Camorra. "Volvería a escribir el libro; no me arrepiento de haberlo hecho, pero al mismo tiempo no puedo decir que lo ame. Soy un prisionero de mi libro. Vivo una situación que me agota; es un gasto de energía brutal, una energía gastada no en escribir, sino en estar alerta, en estar encerrado en lugares horribles, en perder tiempo inútilmente... Y todo eso me vuelve loco".

Para Saviano, periodista y novelista, la diferencia entre géneros estriba en la capacidad del autor a la hora de entresacar lo esencial, y hacerlo de una forma tan subjetiva como eficaz: "A Orhan Pamuk le amenazaron por relatar el genocidio armenio... ¡Pero eso lo sabía todo el mundo!, lo que pasa es que él escribió de ello de una forma que puso en un compromiso al Estado turco, y entonces se convirtió en un símbolo. Conmigo pasó igual: ¡todo el mundo sabía que existía la Camorra napolitana! ¿Y Anna Politkóvskaya? Cantidad de cronistas habían escrito antes sobre Chechenia, pero ella lo hizo de tal modo que la cuestión chechena llegó a todo el mundo; se convirtió en un problema mundial, ya no local".

Como no podía ser de otra forma, Saviano admite que las historias reales de la Mafia en general y de la Camorra en particular -ésas que transcurren en las calles de Scampia o Casale del Principe- constituyen un material literario de primer orden: "La Camorra es un material narrativo excelente, porque está la épica de por medio. Son historias de poder, de vida y de muerte, es decir, los temas a los que todo escritor debe confrontarse, sobre personajes que deciden -sin justificación ni máscaras- sobre la vida y la muerte, sobre la riqueza y la pobreza, sobre la construcción y la destrucción".

En cuanto al resultado de la película de Matteo Garrone sobre su libro (él tomó parte en el guión), Saviano confiesa: "Me gusta. Creo que Garrone no ha traicionado el espíritu del libro, aunque obviamente son diferentes: a mí me obsesionaba la parte de los negocios, y a él, la de la antropología". Y hablando de cine, se muestra bastante escéptico ante los excesos mitificadores que películas como El Padrino o series de televisión como Los Soprano han llevado a cabo del mundo mafioso: "Los criminales se fijan en el cine para ver cómo pueden publicitar su poder, porque lo ven como un escaparate, como un amplificador... A los jefes mafiosos les chifla el cine; se venden mejor si se presentan como un héroe del cine, claro. Pero, en cualquier caso, el modelo de las organizaciones criminales mafiosas no es El Padrino de Coppola, sino el Scarface de Brian de Palma, porque su personaje, Tony Montana, es alguien que se hace a sí mismo, sin hacer caso a las reglas, aunque con sus propias reglas".

Mientras apretamos el botón off de la grabadora, Roberto Saviano todavía tiene tiempo para exponer la que para él es una de las mayores anomalías del mundo mafioso: "Para ellos, ni existe una sacralización de la vida, ni la muerte es un concepto negativo. Para la Camorra, la muerte no es un riesgo, sino una parte del oficio". Del oficio de asesino, se entiende. No del de escritor. Aunque, por desgracia, a Roberto Saviano le han aplicado la regla. Pero él seguirá escribiendo. Porque "escribir es resistir".

¿Más?
La noticia original: El éxito me condenó a muerte.
El fenómeno 'Gomorra' llega al cine.
"España está invadida por el dinero de la Camorra".
La Camorra vende en Nápoles una versión pirata y defectuosa de 'Gomorra'.

martes, 18 de noviembre de 2008

Quantum of Solace.


En algún momento de principios del siglo XXI algo se le pasó por la mente a los productores de la larga saga de James Bond. Con Pierce Brosnan se había conseguido levantar el vuelo, tras el descalabro de Licencia para matar (34 millones de recaudación en USA). Las recaudaciones habían mejorado, sin lograr cifras apabullantes, si que habían mejorado.
Pero llegó el año 2002 y coincidió el estreno de Muere otro día (Die another day) con una película que con menos de la mitad de presupuesto lograba una taquilla casi similar. Una historia de espías, pero desde una perspectiva más humana, cercana al público moderno que el tradicional "toque Bond". Estamos hablando de El mito de Bourne. Probablemente esta significó un punto de reflexión sobre hacia donde había ido evolucionando el personaje de 007 y como había ido perdido gancho con el público, que había ido perdiendo interés en un personaje con el que era difícil identificarse.

Así llegó Casino Royale (2006), dirigida por Martin Campbell y con guión del oscarizado Paul Haggis (Crash), que se convirtió en la película más taquillera de la serie. Además de ser una gran película, en la que se construía "la identidad Bond". Se nos mostraba el origen del personaje y muchos de los elementos tradicionales (el Aston Martin, la disfunción sexual del villano, etc), pero desde una óptima realista. De hecho, Bond (Daniel Craig) es cualquier cosa menos refinado o encantador.

Ahora llega la continuación -en el sentido temporal -de Casino Royale: Quantum of Solace. Esta continúa en el mismo punto que finalizó la anterior, con Bond clamando venganza. En su búsqueda, se encontrará con un villano (Mathieu Amalric), que trabaja para una potente organización y una mujer (Camille/Olga Kurylenko) que, como el espía, busca venganza.

Me parece que en esta nueva entrega se pierden, un poco, los logros de la anterior. Se nota la diferencia entre la interpretación de las protagonistas femeninas (Eva Green/Kurylenko).
También porque gran parte de la trama se pierde en los viajes por diferentes partes del mundo, lo que termina por quitarle frescura a la historia, la que proporcionaba esos detalles de Bond que habían destacado de Casino Royale.

Aún así tiene sus momentos; la persecución al inicio; el momento de la ópera Tosca, un clímax que parece sacado de El Padrino de Francis Ford Coppola, así como toda la parte que sucede en Bolivia, especialmente hacia el final.
Lo que sucede igualmente es que también presenta una relectura de los elementos que comentaba antes, en clave realista. Recompone la figura del "supervillano" -brillante Amalric-, como miembro de una anónima corporación comercial. Cambia la mencionada disfunción sexual, por todo lo contrario y se mantienen los matices de la personalidad de Bond, continuándolos y reforzándolos.
Pero quizás lo que se le puede achacar es que por el camino del James Bond tradicional, se hayan quedado atrás los méritos apuntados en la parte anterior para darle más peso a la acción y menos al transfondo, lo que hace que sin ser mala resulte menos fresca. No hay gadgets, ni Bond es un misántropo. El personaje parece bastante más poliédrico de lo que había sido la norma, a lo que hay que unir un historia muy "años sesenta" con supervillanos que quieren dominar el mundo, etc. Pero lo que creo que flaquea es la historia, donde prima menos el detalle y más la acción.


Fuentes.
Sobre las taquillas, aquí.

En lo referente a las películas de James Bond.

domingo, 16 de noviembre de 2008

¿Grandes momentos de la historia del cine? Soy Leyenda (noticias de la precuela).

Parece que se confirma. Habrá continuación de Soy leyenda (I´m legend), pero que no será una continuación. En su lugar nos encontraremos con una precuela en la que, por lo leído, podría intervenir el propio Richard Matheson. Aprovechando (y aunque seguro que muchos lo habéis visto ya), os dejo algo. El final alternativo de la película protagonizada por Will Smith...

...si ya de por si la película, terminaba por decaer (por querer lograr un forzado happy end)... menos mal que nos salvamos de este final...

jueves, 13 de noviembre de 2008

Cine club: Holocausto Canibal (Cannibal Holocaust).


Hay un concepto que está ahora muy de moda en el cine, lo que podríamos definir como el "protagonista-cámara". Recientes producciones, como Rec, Monstruoso o El diario de los muertos, y otras no tan recientes (El proyecto de la bruja de Blair) han usado un recurso tan simple y tan complejo, a la vez, como meternos en la historia desde el punto de vista de uno de sus protagonistas. Algo así como una primera persona del singular, una figura que muchas veces permanece muda para nosotros, en un trasposición metafórica del yo del espectador. Otras es un personaje el que nos "permite" ver que pasa desde su perspectiva.



[Rec]



El proyecto de la bruja de Blair.

Si queremos aproximarnos al origen de esta manera de filmar nos debemos trasladar al lejano ya, año 1980. Ese año se estrenó Holocausto Caníbal (Canníbal Holocaust), una de las cintas más controvertidas y polémicas de la historia del cine, que aún hoy arrastra una etiqueta de maldita, estando durante mucho tiempo censurada en diversos países del mundo.




En 1979 Ruggero Deodato comenzaba a preparar la producción de la película. Un par de años antes, ya se había aproximado al mismo tema en Ultimo mondo cannibale, en la que un avión accidentado en la selva del sudeste asiático, era capturada por una tribu de salvajes. Para la realización de Holocausto Caníbal, Deodato y su productor, Franceso Palaggi se fueron a Colombia para buscar localizaciones de una cinta que se iba a ubicar en el "infierno verde" del Amazonas.

Holocausto Caníbal cuenta la historia del profesor Monroe (Robert Kerman) que acude a la selva amazónica a la búsqueda de un grupo de documentalistas que han desaparecido mientras rodaban un documental sobre las tribus indígenas. En su viaje, el profesor encuentra las cintas que filmó el equipo, en las que se muestra lo que sucedió con ellos.

Empecemos...
Uno de los elementos de la filmación que destacan es el uso de los tiempos. Hay una historia lineal, la de la búsqueda del equipo y el hallazgo del material filmado en la selva. Luego, se pasa a la ciudad en la que se alterna la lucha del profesor para que no se emita lo que ha visto, alternado con las imágenes es de lo sucedido.

¿Aspectos interesantes? cómo juega con el concepto de salvajismo. En la primera mitad de la película, asistimos como testigos a la forma de vivir de una tribu caníbal. Pero lo curioso es cómo esa misma idea se ve derrumbada en la segunda parte cuando vemos la manera en la que actúan los, supuestamente, individuos civilizados -más aterradora aún-. En esa línea destacaría la última escena del profesor en la selva, en la que se nos comienza a plantear una cuestión importante, ¿hasta donde somos capaces de llegar?

Obviamente hay que hablar de la polémica. La película emplea una violencia muy explícita, fría, casi descarnada, total y absolutamente gore que no la hacen apta para todos los públicos, diría que la manera de filmar de Deodato es casi pornográfica. A esto hay que unir que para publicitarla se optó por una estrategia basada en dar a entender que lo que se veía era cierto y que el equipo realmente había fallecido, lo que le provocó importantes problemas legales al director, de los que pudo escapar demostrando que todo lo que se veía en pantalla era ficción ¿he dicho todo? No. La muerte de los animales fue real y fue uno de los elementos que desembocaron en el mal ambiente que (al parecer) inundó el set de rodaje.
A consecuencia de todo ello, Deodato fue encarcelado y la película fue confiscada a los diez días de su estreno, hasta que consiguió que los actores aparecieran en público. Aún así fue juzgado como responsable de las muertes de los animales que aparecen en pantalla.

El problema de la película es que por su modo realista de mostrar las imágenes de torturas, asesinatos y violaciones y por el uso del lenguaje documental. Pero no olvidemos que se trata de una película rodada en época "pre-internaútica". Sin que ello suene despectivo, nos puede llevar a un reflexión aún más grave. A pensar como a la larga los medios de comunicación , su proliferación y la explotación de imágenes morbosas nos han vacunado ante este tipo de imágenes. De hecho (aparte de la presencia del gore), una de las tramas de la película trata sobre el esfuerzo del profesor por impedir que esas imágenes salgan a la luz.

Hoy, Holocausto Caníbal puede que haya perdido fuerza en sus imágenes. Probablemente para el espectador actual estas no sean tan impactantes, pero también es más que probable que el nivel de realismo logrado y la manera tan perturbadora en la que está rodada, haciendo que nuestros principios morales "occidentales" se tambaleen la hagan aún una película vigente. En definitiva, creo que se trata de una historia que de cara al gran público se ve mediatizada por la manera en que narra Deodato, pero cuya verdadera dimensión habría que encontrarla en su reflexión sobre la naturalea humana.


Fuentes.
Holocausto Caníbal en wikipedia.
Lloy Kaufman de Troma, sobre la películas (inglés).

miércoles, 12 de noviembre de 2008

Preview: Up

Up es el título del próximo estreno de la productora Pixar tras Wall-e. A estrenar el 29 de mayo en Estados Unidos, cuenta la historia de Carl Fredricksen, que se ha pasado la vida soñando con viajar por el mundo y vivir aventuras, pero a los 78 años parece que su tiempo ha pasado, hasta que el destino (y un niño de 8 años) le conducen a una nueva vida.

Aunque ya sé que, evidentemente, es muy complicado decir algo, si creo (espero) que esta película apunte a algo que ya se veía en Wall-e y que pienso, marcará el desarrollo del futuro cine de animación, como es el progresivo alejamiento de la realidad "literal" (p.ej. Beowulf) para buscar un aproximamiento a un concepto más abstracto o autónomo de lo real, que recree más que reproduzca.

domingo, 9 de noviembre de 2008

Grandes momentos de la histora de cine: La noche es nuestra (We own the night).

Aunque progresivamente la película iba perdiendo fuelle, La noche es nuestra (We own the night) poseía algunos momentos visualmente muy impactantes. Uno de ellos, esta persecución (OJO A LOS SPOILERS), que significaba el punto de inflexión de la trama.

sábado, 8 de noviembre de 2008

Preview: Monsters vs. Aliens

Cuando los extraterrestres llegan a la Tierra, dispuestos a destruirla, lo habitual es enviar al ejército. Si esto falla, el siguiente paso es intentar bombarlearlos. Pero si ni siquiera esto es suficiente, siempre queda un último remedio... llamar a un grupo de monstruos...



Monsters vs. Aliens es la nueva propuesta de DreamWorks para el próximo año (el 27 de marzo en USA y el 2 de abril en Argentina y México), que cuenta con la presencia, en forma de voz de Seth Rogen, Hugh Laurie, Paul Rudd, Reese Witherspoon y Kiefer Sutherland.

viernes, 7 de noviembre de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: La última noche (25th hour).

La última noche (25th hour). A Monty Brogan (Edward Norton) se le acaba el tiempo. Condenado por tráfico de drogas va a pasar los próximos siete años en prisión. El último día de libertad intenta atar los cabos sueltos de su vida, pero también necesita explusar de sí la rabia y el dolor...


...y en versión original...



pd. Spike Lee dirigió esta película poco después del atentado del World Trade Center, ¿puede haber una declaración de amor a una ciudad mejor que esta?

jueves, 6 de noviembre de 2008

Preview: Gran Torino.

Aunque ahora Clint Eastwood está, con todo merecimiento, en el "panteón" de grandes directores contemporáneos, hubo un tiempo en el que era conocido por sus papeles de duro. Esa es la imagen que recupera su última película (como actor y director): Gran Torino.

En ella, interpreta a Walt Kowalski un veterano de guerra, que vive en un mundo cambiante, que se ve obligado a vencer sus prejuicios al ayudar a sus vecinos inmigrantes.
Y tengo que admitir, que aunque al principio me parecía que quizás ya este tipo de papeles no eran adecuados para el viejo Clint, a la vista del trailer creo que espera una muy buena película. El único estreno confirmado, por ahora, el 16 de enero en los USA.

miércoles, 5 de noviembre de 2008

El tren nocturno de la carne (The midnight meat train).


El mundo de Clive Baker está marcado por la presencia de realidades paralelas y seres demoniacos, pero también de dolor y sexo como elementos que acompañan al elemento sobrenatural. Atmósferas malsanas de violencia fascinante. Un muy buen ejemplo lo tenemos en la adaptación de su propio relato The Hellbound Heart, llamado Hellraiser (1987). Una de las películas de terror más emblemáticas de los ochenta y que contaba con un guión que no hacía más que encerrar la historia de un amor, un deseo pasional capaz de superar las barreras de la muerte.


Otro de sus relatos, El tren nocturno de la carne (The midnight meat train) es llevado ahora a la pantalla. Dirigida por el japonés: Ryuhei Kitamura, en ella un fotógrafo (Bradley Cooper), especializado en retratar la "otra cara de la ciudad", comienza a seguir a un extraño personaje (Vinnie Jones) que encuentra en el metro. Desde entonces, su vida, así como su concepto de lo real, no harán más que cambiar.


No me extenderé en vano. Creo que es una película fallida. Parte de una muy buena premisa, tiene una base interesante y estéticamente está muy bien, el vagón del metro resulta frío, incómodo... justo como requiere la historia. Los actores, también, están correctos, pero hay algo que falla. Un conjunto final frío, muy frío...

Precisamente falla porque parece querer ser más -por momentos- una cinta de acción gore que un relato de ese terror cósmico, tan cercano a Lovecraft, que cultiva el autor británico. Es decir, nos puede impactar por su violencia, pero no da miedo por lo que se esconde detrás... justo cuando gran parte de la trama gira en torno a lo que existe más allá de lo que vemos, y esto se desperdicia, de forma especialmente significativa durante la parte final de la película.
Otro elemento más que pesa muy negativamente en la historia es el guión. Si el gran tema es lo que se oculta tras nuestro mundo, el otro es -o debería de ser- como acceder a ese conocimiento nos puede cambiar. Vemos como sucede el proceso y como se altera la conducta del protagonista y al final, hasta podemos haber entendido la finalidad de ese cambio, pero deja sin responder una pregunta básica... ¿por qué sucede?

domingo, 2 de noviembre de 2008

Grandes momentos de la historia del cine: Alien, el octavo pasajero.

Se cuenta el rumor, ya casi a modo de la leyenda, que durante el rodaje de Alien. El octavo pasajero, salvo uno de los actores (John Hurt) ninguno sabía, exactamente, que iba a ocurrir en una escena determinada. La propia Veronica Cartwright explicaba, en una entrevista, que ellos tenían idea de que algo sucedería, pero no exactamente qué...