sábado, 31 de enero de 2009

Preview: Déjame entrar (Let the right one in).

De manera inexplicable y pese al entusiasmo con el que la ha recibido la crítica, Déjame entrar (Let the right one in) aún no se ha estrenado en España. Estupendamente recibida en el Festival de Sitges, el galardón a la mejor película se lo llevó Surveillance. Sin embargo, es probable que hablemos de una de las mejores películas de la temporada pasada...

Suburbios de Suecia. 1982, Oskar tiene doce años. Sus padres están separados. En el colegio un grupo de matones se mete con él. Un día conoce a una extraña niña. En ese momento sabrá que ha encontrado a alguien especial...

Dirigida por Tomas Alfredson, adaptando la novela de John Ajvide Lindqvist (quien realiza el guión), se estrenará en España el 27 de marzo.

miércoles, 28 de enero de 2009

Valkiria (Valkyrie).

Bryan Singer es conocido por varios motivos. Para unos, por haber llevado a las pantallas las aventuras de los X-Men en dos ocasiones. Otros, recordarán su nombre de verlo como productor en la serie House. Y algunos le recordarán por haber realizado una de las joyas de los noventa, Sospechosos habituales.
Ahora, se sale de las adaptaciones de personajes de cómic -también filmó Superman Returns-, y recrea el intento de asesinato que sufrió Adolf Hitler en 1944. El nombre en clave de la operación también es el de la película: Valkiria (Valkyrie).

Es llamativo el interés que tiene el directo en el nazismo. Este formaba parte fundamental de la trama de otra de sus películas (Verano de corrupción/Apt Pupil), donde un jovencito (Brad Renfo) descubría que su vecino (Ian McKellen) era un antiguo alto cargo nazi. Y esto también se hacía patente en X-Men, donde aparecía Magneto (aunque su origen como superviviente de un campo de exterminio ya aparecía en el cómic).
Quizás, mirando más allá, lo que verdaderamente puede interesar a Singer es la idea de la alienación y como somos susceptibles a dejarnos engañar como colectivo. Esa es otra de sus constantes, que se relacionaría con el nazismo y con el marginamiento de los X-Men.
Porque en el fondo, el coronel von Stauffenberg (Tom Cruise) se muestra como un individuo que rechaza la mentira en la que vive la Alemania del momento.

Para contar esta historia, el director neoyorkino ha vuelto a contar con el guionista de Sospechosos habituales, Christopher McQuarrie y se ha rodeado de un reparto increíble:
Aparte de Tom Cruise... Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Carice van Houte, Thomas Kretschmann, Terence Stamp, Eddie Izzard ... General Erich Fellgiebel, Kevin McNally y Christian Berkel... y todos, en general, están muy bien.
La manera de narrar la historia se acerca al cine de suspense y, más concretamente, a películas donde se tocaba el tema de la II Guerra Mundial como El ojo de la aguja (1981), pero desde otra perspectiva. En este caso, lo que sucedía en la entrañas del régimen, lo que -también- la pondría en relación con otras películas recientes ambientadas en la época como El hundimiento o El libro negro.
Una cosa a destacar es la estética de la película, en una línea muy clásica y más que correcta, en donde, de manera brillante, Hitler parece casi más una presencia abstracta, un mal casi indeterminado, que una persona.

La película, sin embargo, se queda un poco atascada ahí. Pese a su duración, en torno a la hora y cincuenta no se hace larga, pero en su contra juega el guión. Aunque logra transmitir la confusión de algunos momento y la tensión se matiene más que correctamente hasta el final, la cuestión está en los personajes. A estos les faltan detalles, complejidades y rasgos que los humanizarán y, al tiempo. ayudarán a darle la dimensión épica, dramática e íntima -al tiempo- que requerían, especialmente el personaje de Cruise, del que se echan de menos aspectos que apenas aparecen insinuados (la importancia del cristianismo, su origen aristocrático...).

martes, 27 de enero de 2009

Preview: Planet 51.

Todos lo esperamos. Creemos que más tarde o más temprano, contactaremos con extraterrestres. Llegarán a la Tierra... pero... ¿si fuera al revés? Quizás seamos nosotros los que seamos los alienígenas. Esto es lo que plantea la película Planet 51. Realizada por los madrileños estudios Ilion, la película -que se estrenará a lo largo de este año- es una cooproducción hispano británica que se convierte en la producción española más ambiciosa -al menos por ahora-.

Distribuida por New Line, y dirigida por Jorge Blanco y Javier Abad, su guión cuenta con guión de Joe Stillman (Shrek). En su reparto vocal encontramos a Dwayne The Rock Johnson, Sean William Scott, Jessica Biel, Gary Oldman y John Cleese.

lunes, 26 de enero de 2009

Grandes momentos de la historia del cine: La guerra de las Galaxias. Una nueva esperanza (Star Wars. A new hope).

1977. Se estrena una película que iba a marcar un punto y aparte en el cine, no sólo de ciencia ficción durante los treinta años siguientes. Dentro del género, porque cambió totalmente y también significó un cambio absoluto en la concepción del cine.
¿Hace falta que diga más?

sábado, 24 de enero de 2009

La semilla del mal (The unborn).


David S. Goyer se ganó bastante prestigio como guionista, aunque en el caso del Batman. El caballero oscuro, tengo mis dudas -quizás erróneamente- de hasta que punto el mérito era suyo y donde de los hermanos Nolan.
Ahora ha llegado a las pantallas su última película como director, La semilla del mal (The unborn). Hay que señalar que Goyer ya había dirigido con anterioridad la tercera parte de Blade y se comenta que será el director del spin off del personaje de X-Men, Magneto.
La semilla del mal es la historia de una chica (Odette Yusman), que desde el suicidio de su madre tiene terribles visiones, en la que se hace presente un niño. Poco a poco irá descubriendo lo que oculta detrás de ellas.



La película es un catalogo de influencias y lugares comunes del reciente cine de terror. De hecho, creo que el mismo argumento lo es. Porque, en el cine, niños han habido mucho. Lo mismo sucede en el cine de terror. Podríamos hablar de Al final de la escalera, o de Regan en El exorcista. Pero tampoco se puede negar como, La señal (The ring) significó un punto de inflexión en su presencia en el cine comteporáneo. Como muestra, la ingente cantidad de niños terroríficos que han poblado nuestras pantallas desde entonces.
A partir de ahí, que decir, un poco lo habitual. Una mezcla de -las mencionadas referencias-, leyendas urbanas y golpes de música que persiguen dar el susto en el momento justo. Con lo que un espectador, más o menos avezado, sabrá -o intuirá- que va a pasar en cuando la protagonista abra la puerta o mira por la web cam.


La cinta parece (o está) pensada para un público adolescente, con personajes planos, (Gary Oldman, que "aparece" y poco más). Lo único, quizás, las referencias al nazismo y lo más destacable, la dirección que sin ser nada del otro mundo, mantiene el ritmo a lo largo de la, casi, hora y media que dura.

jueves, 22 de enero de 2009

Edgar Allan Poe.

Se cumplieron, el lunes, doscientos años del nacimiento de Edgar Allan Poe. Hablar de su vida y de su obra es una labor casi inabarcable, como medir su influencia en el terror contemporáneo, al tiempo que (como dicen en Haunted House) es fácilmente visible en wikipedia.
En lugar de enrollarme escribiendo, para recordarlo, y honrarlo, en esta fecha os dejo unos vídeos. El primero, una versión de El Cuervo (The Raven), interpretada por el increíble Vicent Price.

El siguiente El corazón delator (The Tell Tale Heart), dirigido por Ted Parmalee y con la portentosa voz de James Mason.

miércoles, 21 de enero de 2009

Preview: Coraline

Coraline se acaba de mudar a una nueva casa. Investigándola, descubre una puerta secreta a través de la cual accede a una versión alternativa de su vida. Solo que mucho mejor.
Pero su aventura se vuelve peligrosa. Sus padres "alternativos" no quieren dejar que vuelva a su vida. Coraline, con la ayuda de un gato negro, deberá armarse de valor para volver a su casa y salvar a su familia.

Esta es la sinopsis de la última, por ahora, adaptación al cine de una novela de Neil Gaiman, una especie de versión oscura de Alicia en el país de las maravillas. Dirigida por Henry Selick (James y el melocotón gigante, Pesadilla antes de Navidad), su reparto de voces cuenta con Dakota Fanning, Teri Hatchet, Ian McShane y Keith David.

La película se estrenará el 6 de febrero en los Estados Unidos, el 19 de febrero en Argentina y, previsiblemente, el 26 de junio en España.

lunes, 19 de enero de 2009

The Spirit.

Las críticas que leí antes de ver The Spirit me habían preocupado. Había intentado no estar muy al tanto de ellas para que no me influenciaran, pero mientras veía la película no hacía más que recordarlas... y darles la razón.

The Spirit adapta el cómic homónimo creado por el dibujando Will Eisner. En ella se cuenta la historia de un policía que vuelve de la muerte y se dedica a cuidar de su ciudad, Central city, su único amor... aunque en ello se entrecruzan supervillanos y nuevos (y viejos) amores del héroe.
Frank Miller realiza, también escribe el guión, la película siguiendo la técnica que utilizó Robert Rodriguez cuando adaptó el cómic de Miller, Sin City, en la que se intenta reproducir el aspecto de las viñetas. Pero las similitudes se quedan ahí.
En el aspecto estético me parece destacadísima, diría que es apabullante, pero se queda ahí. La historia y la interpretación de los actores llegan a momentos sonrojantes, pese a un par de momentos "místicos", que anulan cualquier efecto.
Esto pasa por dos motivos. Uno, la historia es floja. La excusa argumental es nula y la que hay, es casi absurda. Un villano, Octopus (Samuel L. Jackson), intenta hacerse con un objeto mitológico que le proporcionará la inmortalidad.
La segunda cuestión es que realmente no hay una auténtica continuidad. Presenciamos gags -supuestamente- cómicos algunos con menos gracia... otros, directamente, con ninguna, que se mezclan con momentos dramáticos casi sin lógica alguna.
Pero no solo es eso... Samuel L. Jackson... no sé como definir su interpretación. Creo que habría quedado estupendo como personaje de Mortadelo y Filemón. Por otro lado, el nivel general de las interpretaciones, es muy bajo. Y, por último, personalmente me parecen más que discutible la imagen que de la mujer se da en la película.

sábado, 17 de enero de 2009

Preview: Franklyn

Una película de la que he oído hablar de pura casualidad (a través de abandomoviez) es de esta Franklyn. Por lo que se sabe es una coproducción franco británica, ambienta en dos mundos paralelos. Uno el nuestro, otro una futuro en el que gobierno y religión gobiernan.

Estéticamente me ha gustado, al menos lo que se ve en el tráiler (que espero no sea demasiado engañoso) es atractivo. En el reparto, Ryan Philippe y Eva Green. Esperemos que no acabe siendo como La criatura perfecta...
El estreno, el 20 de febrero en el Reino Unido, y al resto sólo nos quedará esperar.

jueves, 15 de enero de 2009

Repo! The Genetic Opera.

Repo! The Genetic Opera es una de las películas que con más interés esperaba de entre todas las de esta temporada. A priori no es que es esperase gran cosa, pero al menos, esperaba que su premisa no defraudara y que fuera entretenida...
...y lo es.


La película está dirigida por Darren Lynn Bousman, conocido por ser director de la segunda, tercera y cuarta parte de la saga Saw. Lo que cuenta es como en el siglo XXI una epidemia global ha provocado una catástrofe. Miles de personas han muerto debido a fallos de sus órganos. En toda esta crisis aparece una compañía, GeneCo, que ofrece la solución. Crear órganos y venderlos. Lo que también logra esta es que el gobierno apruebe una ley según la cual en caso de impago, el vendedor puede recuperar su mercancía. Aquí es donde interviene el Repo man, el recuperador del título.

Todo en la cinta es oscuro, gótico y sangriento, pero no deja de ser un músical y, aunque no es el género que mejor conozco, en ella todo resulta muy divertido. El mundo de Repo! The Genetic Opera es el de una distopía futurista, que cabría relacionar con Blade Runner y su mundo decandente repleto de publicidad, con la creatividad grotesca de Terry Gilliam, la ópera y el cómic, como se ve en los intermezzos animados que nos dan el background de los personajes.

La película cuenta con un gran reparto y unos personajes secundarios de mucho peso y muy bien interpretados. Todos en general. Anthony Head, el Repo man, que más de uno recordará por su personaje en Buffy cazavampiros, borda su papel, pasando de ser un abnegado padre protector a un asesino cruel. Paul Sorvino, Rotti Largo. El dueño de un imperio, al que se le acaba el tiempo y que ve que ninguno de sus hijos será capaz de continuar su herencia... sus hijos, sobre todo Bill Moseley (Luigi) y Nivek Ogre (Pavi).
Y no hay que olvidar a Sarah Brightman, que sale poco, pero su presencia llena muchísimo la pantalla; Paris Hilton que en el fondo se interpreta a si misma (cuanto presupuesto extra habrá supuesto su aparición) o Terrance Zdunich, el ladrón de tumbas, guía (y coguinista junto Darren Smith) de este mundo. Pero el verdadero descubrimiento de la película, es Alex Vega, la niña alrededor de la que gira gran parte de la trama.
Repito, creo que una de las mejores cosas de la película es que con apenas cuatro datos, los personajes secundarios quedan perfectamente retratados.

La estructura de la película es muy teatral, así toda su construcción que se basa en apenas tres lugares, ambientaciones. Pero como suele pasar en todos los musicales, quizás lo mas débil sea su guión. Aunque puedo entenderlo como algo lógico, porque en el fondo lo que más importa es la música y la estética.
Con todo, no deja de tener su aspecto crítico, particularmente con el mundo de la moda y el corazón, la publicidad, la fama y el culto al cuerpo, que desemboca en la "cirugiamanía" que llena la cinta.

En definitiva, se trata de un musical en la línea de Sweeney Todd, que por su estética entre el punk y el glam y por la locura que transmite no dejará indiferente a nadie y que amenaza con convertirse en el Rocky Horror Picture Show de este inicio de siglo, encarnando los virtudes, defectos y vicios de esta época.

pd. Si quieren más, les recomiendo el myspace de la película.

martes, 13 de enero de 2009

Quarantine.


Voy a intentar no hacer lo que sería más fácil, criticar Quarantine por ser un remake de REC, sin más. Porque no sentiría que estoy diciendo la verdad. Aunque pueda parecer sorprendente, en el fondo, Quarantine no es una mala película, porque aunque copia casi plano por plano REC, lo hace de una película que no es mala. Lo que sucede es que muchos de sus defectos vienen del hecho de ser una copia. Otra cosa es que moral, ética o cinematográficamente esto nos pueda parecer mejor o peor.



Quarantine, cuenta exactamente la misma historia de REC. Una reportera, Angela Vidal -no, no han cambiado el nombre) y un cámara de televisión están grabando un programa para la televisión. Esta noche están con los bomberos. La jornada transcurre de forma casi tediosa hasta que reciben una llamada de un edificio...

El principal problema que le veo a la película es que no sorprende, no solo me refiero a que sea una nueva versión, sino que a ya no parece que estemos viendo un programa de la televisión, se nota que es una película. ¿Uno de los motivos de ello? Puede que la presencia de actores conocidos, como Jay Hernández, Rade Serbedzija o Jennifer Carpenter, como Angela. Esta bastante bien, pero personalmente prefiero a Manuela Velasco.
Existen una serie de conceptos como el de lo "real" que desaparecen, así como ciertas cuestiones en cierto modo "políticamente incorrectas" o incómodas para el público medio USA, es decir... la desconfianza racial (los vecinos orientales) o la crítica a los medios de comunicación y la búsqueda del morbo.

Lo que también se ha eliminado la explicación al origen del virus, en lo que me parece el mayor acierto de la película. Lo es porque evita tener que dar la consabida explicación de lo que sucede, o también puede ser un intento de no ponerse al público estadounidense en contra, al relacionar (bio)terrorismo y religión.

domingo, 11 de enero de 2009

Surveillance.


Con división de opiniones fue recibido que el jurado del pasado Festival de Stiges le otorgara el Premio a la mejor película a la cinta dirigida por Jennifer Lynch, hija de David Lynch, Surveillance.

Esta cuenta la historia de la investigación de unos crímenes en serie. Dos agentes del FBI (Julia Ormond y Bill Pullman) llegan a una pequeña comisaría, perdida en medio de la nada. Allí, tres testigos de un asesinato múltiple -un policía, una niña y una drogadicta-, cuentan sus versiones de los hechos.


Hay que llamar la atención en determinados aspectos de la historia. En cierto modo, esta película se relacionaría con cierta parte de los hechos narrados en Los extraños. Nos encontramos con unos criminales, muy "abstractos" que asesinan sin motivo. "Rompen" con la intimidad, del hogar, familiar... y asesinan.
Durante la primera hora se plantea, ante el espectador, un duelo. Entre los testigos y los investigadores; entre los propios policías y los agentes del FBI... tratan de averiguar la verdad, pero también tratan de imponer límites. Estos tendrían que ver, entre otras cosas, con la intimidad de la que hablaba, que es una de las víctimas de la película. Los asesinos atacan a una pareja, al inicio, que duerme en su casa. Los policías disfrutan acosando a personas que circulan tranquilamente por la carretera, con independencia de que sean una pareja o una familia con sus hijos. Todo es válido para ellos (como para los asesinos).
Otra cosa es que la institución familiar, así como los vínculos "tradicionales" que no salen demasiado bien parados de toda la historia. Se presenta como falsos, artificiales. De hecho, las relaciones "auténticas" parece que solo pueden venir a través del impulso destructivo. De esta manera, la familia o la autoridad... no significan nada.
Por ese lado se plantea interesante la perspectiva que ofrece la directora mediante la presencia de cámaras, de una manera de ver la realidad mediada. Cómo si el juicio de los protagonistas no fuera el real, sino una representación de lo que asumen como tal. ¿Todos los personajes? No, todos no. La niña, ofrece la clave del porqué de las cosas y de los motivos que empujan a los asesinos a actuar como lo hacen ¿azar? ¿capacidad de ver "la verdad"?

Durante hora y cuarto la película transita, relativamente bien. Gusta de jugar con malosentendidos, con la oposición entre lo que cuentan y lo que vemos que sucedió, todo planteado a la "manera Rashomon". También muestra un sentido del humor muy lynchiano, entre el surrealismo y lo absurdo, con la presencia de ideas recurrentes, como la presencia de "gemelos", mucha sangre, una sexualidad enfermiza y personajes, que siendo adultos, actúan como niños.
Todo esto son cosas, que pueden gustar o no, pero que se podían sobrellevar dentro de la línea general del argumento. Pero justo a los setenta y cinco minutos,la película empeora, prácticamente de manera fatal.

Si por un lado, los actores están bien, Pell James y Ryan Simpkins (la niña) me han gustado mucho, Bill Pullman me ha sorprendido para mal, pese a lo que he leído por ahí. Al inicio de la película parece sobreacelerado y luego según va llegando al final, creo que está aún peor.
Cierto es que Surveillance ofrece cosas interesantes, el problema es que en la última parte desaprovecha sus posibilidades. La primera, prescinde de entrar a mostrar las diferentes versiones de cada testigo, en su lugar optar por fundirlas, lo que mantiene la fluidez del relato, que pese a ello en su parte central se hace muy densa. Otro problema es que al final pretende plantear una serie de vueltas de tuerca, aparentemente sorprendentes, pero que lejos de alcanzar su objetivo no hacen más que dejarnos fríos.

sábado, 10 de enero de 2009

Red de mentiras (Body of lies).


Pese a que ya es una cuestión recurrente, voy a intentar escribir esta crítica sin hablar mal de Ridley Scott... al menos, intentaré no hablar de lo que hizo, ni usar frases (míticas) como "¿quién dirigió realmente Blade Runner?". No... espero.
Ridley Scott es un cineasta al que asociar a la mentira, el engaño, al timo. A lo largo de toda su filmografía hay una presencia, constante de cosas que son (o no) lo que parecen. En Blade runner, unos androides pretenden hacerse pasar por "verdaderos" seres humanos; Gladiador... o cómo un general romano se transforma en un gladiador para vengar a su familia; ¿qué decir de Los timadores?
Red de mentiras (Body of lies) es otro ejemplo de ello.

Red de mentiras se basa en la novela homónima de David Ignatius, en la que se cuenta la historia de un agente de la CIA -Roger Ferris/Leonardo DiCaprio- destinado a Jordania en la búsqueda de un importante líder de Al Quaeda. Mientras tiene, por un lado, a su jefe -Ed Hoffman/Russell Crowe- que le sigue, la mayoría del tiempo, a distancia y al jefe del espionaje jordano -Hani/Mark Strong-, que intenta utilizarlo en beneficio propio.

Como decía, si todo el argumento se desarrolla alrededor de la mentira, no menos importancia tienen los actores. El personaje de DiCaprio muestra una manera de ver las cosas muy poco habitual, muy antiamericana. Esto, en cierto modo, vendría a ser el símil del Lawrence de Arabia de Peter Otoole. Un individuo que interesado en lo musulman intenta alejarse de lo occidental, habla el idioma y conoce sus costumbres. Es raro para sus compatriotas como su jefe, una especie de Demiurgo, que lo ve todo desde el cielo, y que representaría esa manera de actuar teórica, manipuladora, que considera al otro como mas primitivo -en todo el sentido peyorativo que pueda tener esa palabra-. Esta oposición entre personajes queda patente en la concepción de cada personaje, de un lado, en el modo de concebir el trabajo. Uno se lo toma así de manera distante, el otro como algo personal, intentando mantener sus ideales -aunque estos quizás estén demasiado idealizados (perdón por la reiteración-. Para uno, Oriente medio es un lugar del que salir y para el otro es el lugar para estar. Esta oposición irá más allá, Crowe tiene una vida tranquila en un barrio residencial, esta casado con una mujer guapa y unos hijos adorables. Mientras que DiCaprio es casi un nómada, de país en país, casi inhabilitado para tener relaciones interpersonales.
La diferencia los entre personajes se acentúa en la escena que comparte Crowe y Strong, donde la distancia entre ambos parece insalvable, al tiempo que dejan claro el carácter de cada personaje. Pero también sucede con DiCaprio, que no deja de ser visto como un extranjero.

La película es eficaz, no aburre y consigue, poco a poco, atrapar al espectador en su historia. Es inteligente, o al menos lo suficiente como para que el espectador no se sienta tratado como un tonto. Pero el regusto que deja al final es un poco... contradictorio. Ocurre como con American ganster. Está muy bien rodada, es una obviedad decir que Scott tiene muchísimo oficio con la cámara, pero la historia no sorprende -no olvidemos aquella Syriana-. Llega a ser una buena película, pero no llega a ser una gran película. Tiene la suerte de contar, eso si, con un reparto muy bueno y con un McGuffin, justo a media película que pese a bien llevado, no deja de parecer -por momentos- un poco inverosímil.

jueves, 8 de enero de 2009

RocknRolla.

Guy Ritchie se dio a conocer con Lock & Stock y se encumbró con Snatch. Cerdos y diamantes, que lo convirtieron en la nueva promesa del cine británico. Con un estilo propio, de montajes frescos y ágiles, contando historias ambientadas en los bajos fondos londinenses, cargadas con elevadas dosis de humor.
Luego se casó con Madonna, se convirtió en un personaje de la prensa rosa... y llegó Barridos por la marea. A partir de hay, el olvido de público y crítica. Después, el divorcio y con él, como le sucede a los divorciados, intentar demostrar(se) que todavía "se mola". Así que retoma su trabajo en el terreno que mejor conoce, el del brit cool noir. Así llega RocknRolla.

Proporcionar una breve sinopsis de esta es tan difícil como de sus películas anteriores. Someramente, se puede decir que es una trama de enredo en la que intervienen millonarios rusos propietarios de equipos de fútbol, mafiosos británicos metidos en el negocio inmobiliario, delincuentes de medio pelo y estrellas del rock con problemas de drogas

Como decía en la introducción, Ritchie ha vuelto al terreno que conoce. Minimizando los riesgos, apostando sobre seguro. La cuestión es que el resultado no sorprende. Gusta, pero también es cierto que todo suena a ya visto.

RocknRolla cuenta con un reparto interesante. Gerard Butler, en su papel; Tom Wilikinson, como mafioso y varios secundarios a destacar: Thandie Newton, la contable del millonario ruso, queda un poco de relleno; Toby Kebbell, un músico-niño mimado-drogadicto, que se convierte en el auténtico robaplanos de la cinta y, por último, Idris Elba, que conforma interesante un contrapunto al persona de Butler.
Lo que ocurre, al menos a mi me sucede, es que este cast es muy glamuroso, muy de diseño. Algo así como un Ocean´s Eleven londinense, pero carente, en gran medida, del atractivo de personajes de otras películas anteriores. Pese a que si, los personajes de Gerard Butler yMark Strong (se me olvidó antes) son interesantes, no siento que haya personajes tan carismáticos como lo eran, por ejemplo, Boris el navaja (Rade Serbedzija/Snatch. Cerdos y diamantes) o el Turco (Jason Statham/Snatch. Cerdos y diamantes).

Otra cuestión es el guión. La historia no sorprenderá, y por momentos hasta dará un poco igual que este mejor o pero llegada, mientras sus partes funcionen aisladamente. Además de que todos esperamos ciertos giros en la historia... que se terminan dando. Si llamarán la atención las referencias a la homosexualidad que plagan la película, pero en muchos casos no pasan de la anecdótico -aunque algunas muy buenas (Butler vs. los rusos)-. Lo que sucede con el libreto es que aparte de las trampas habituales de Ritchie, en este hay unos cuantos huecos. Algunos, particularmente en lo que respecta al personaje de Thandie Newton, parecen pensados en una segunda parte -que en función de la recepción de esta se rodaría-. Pero esto no deja de ser molesto, en el sentido que da la sensación de que la película queda demasiado abierta, sobre todo con un personaje del que el espectador ha estado demasiado próximo.
En el plano estético, el director intenta mantener la continuidad con el estilo cultivado en sus dos primeras películas. Sin embargo, aqui o no sorprende o le falta cierta chispa. Pese a todo, hay alguna que otra escena que merece destacar (Particularmente, me quedaría con el baile).

Lo dicho, como los recién divorciados, Ritchie pone en marcha sus viejos trucos. Pueden gustar, pueden hacer gracia (que hacen), pero también es verdad que todo termina sonando demasiado y parece hecho para agradar. Por eso, por no arriesgar, por tenerlo todo demasiado diseñado, al final puede acabar aburriendo.

martes, 6 de enero de 2009

3 días.


El pasado abril se estrenó 3 días, dirigida por F. Javier Gutiérrez -que realiza su primer largo-, que cuenta con el nombre de Antonio Banderas en la producción de la que, creo, se trata de una de las propuestas más sorprendentes del panorama cinematográfico español de la temporada que acaba de finalizar.

3 días son los que restan para el fin de la humanidad. En poco más de 80 horas un meteorito se estrellará sobre el planeta. No habrá supervivientes. A lo largo de todo el mundo se desata la histeria. Todos quieren huir, pero hay donde. No hay esperanza. En un pueblo andaluz una mujer tiembla al ver las noticias de presos fugados.

Esta es la interesantísima premisa de la película. ¿Una historia de ciencia ficción? ¿un drama desesperado? Lo que plantea es una situación extrema, cuando sabemos que todo se va a terminar ¿debemos hacer lo correcto o resignarnos a esperar el fin?
Ese es el gran mérito que ha sabido imprimirle el director-coguionista (junto Juan Velarde) a la película. El saber transmir qué implica una toma de postura, que al tiempo es la misma del protagonista (un estupendo Victor Clavijo), con lo que su evolución queda magníficamente resuelta.
La historia comienza como una típica producción hollywoodiense, con el anuncio del apocalipsis, planteando muy bien el clima de pánico colectivo, de un querer huir a cualquier sitio, sea donde sea (tremenda la escena de Dechent). Pero la verdadera historia es mucho más íntima, la del protagonista al que todo le da igual. La vida le ha tratado mal, cree que su familia a arruinado sus sueños, la chica que le gusta está embarazada -de otro- y el anuncio de la caída del meteorito no significa, en el fondo que nada vaya a empeorar. Su madre (brillantísima), a pesar de todo, le convencerá de que le acompañe a proteger a sus nietos.

Además de por el argumento y la ambientación, en la que juega un papel importante la fotografia de Miguel A. Mora, con sus tonos constrastados que constribuyen a acrecentar la atmósfera de calor y agobio, la película destaca por las interpretaciones de los actores, todos muy bien. Quizás, el que menos se luce en su papel, sea Eduard Fernández, pero me atrevería a justificarlo por el grado de abstracción que recibe su personaje a lo largo del metraje, en la medida que se le percibe como una presencia amenzante que poco a poco va cayendo sobre la vida de los protagonistas.

Lo que si se le puede achacar, por contra, es que según el tono dramático de la cinta va decayendo y aumentando el componente de de thriller esta va perdiendo la fuerza ganada en toda la parte anterior. También es posible que, de manera innecesaria, se alarge la fase en la que se presenta el personaje de Lucio (Fernández). Igualmente, tengo mis dudas sobre la "historia" de amor. Puedo entender su motivo, pero lo que me plantea dudas es si realmente esta era del todo necesaria. Aún así, con estos defectos, creo que cabría incluir de una manera destacada 3 días dentro de lo que ya se llama nueva ola del cine español.

Más:
-Blog no oficial de la película.

Gran Torino.


Todavía no he tenido la oportunidad de ver El intercambio (de la que os dejo aquí una reseña), pero si la película del director -Clint Eastwood- que se estrenará próximamente, Gran Torino. Algo parecido hizo en 2006 con Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima. Si en ese caso el centro de interés era la II Guerra Mundial, vista desde los dos bandos, aquí vendría a ser la lectura de las relaciones paterno/materno-filiales. En la cinta protagonizada por Angelina Jolie, ella es una madre que perdía a su hijo y luchaba por recuperarlo. En esta, Clint Eastwood interpreta a un duro veterano de la Guerra de Corea, totalmente distanciado de sus hijos, que se niega a aceptar los cambios que suceden a su alrededor.


Grant Torino cuenta la historia de Walt Kowalski. Tras toda una vida junto a su esposa, esta fallece. La relación con sus hijos, más interesados en meterlo en una residencia, y unos nietos preocupador por quedarse con su coche es prácticamente nula. A todo ello hay que añadir que tiene nuevos vecinos, unos asiáticos a los que desprecia profundísimamente. En un suburbio de Detroir, donde la población blanca es la minoritaría, Walt sólo aprecia tres cosas: su perra, su viejo fusil de combate y su coche, un Ford Gran Torino de 1972.

Creo que sin llegar a la altura de Mystic River, esta cuenta con elementos que permiten reconocer la grandeza del Eastwood director. El más importante, es como una historia sencilla que en manos de otro se agotaría a la hora, aquí se mantiene muy bien, por pequeños detalles que llenan la película de significado. Y también, porque en el fondo no se trata más que de la reformulación del western, poco o nada disimulada. La historia de unos inmigrantes que terminan protegidos, involuntariamente, por un individuo solitario que se encuentra en sus antípodas, es el germen mismo del género, con el que tiene unos nada sutiles guiños.

Así cuenta con elementos que la acercan al cine del oeste más clásico...
...la amistad, tan cercana al sentido que contaba en el cine de John Ford. Este es uno de los elementos más logrados de la película. A nivel de guión, adquieren muchísima importancia las relaciones entre los personajes: Walt con el joven padre Janovich (Christopher Carley), que intenta reconducirle al "redil", en lo que me parece que está, de largo, entre lo mejor de la película. Muy posiblemente, por encima de la relación que mantiene con el protagonista y su joven vecino Thao (Bee Vang), que se supone principal. En ello cuenta un peso importante la diferencia entre la calidad interpretativa de ambos actores. A estas hay que unir toda la red de relaciones que surcan la película, que proporcionan algunos de los mejores momentos de la película (p.ej. la estremecedora llamada de teléfono).
...la violencia, constantes en el cine del director nacido en San Francisco. Inteligentemente, juega con su propia imagen de duro, a la que sitúa en el entorno de una historia contada de manera íntima para mostrar como la violencia sólo deja víctimas. Unas que la sufren y otros que padecen las consecuencias de sacrificios sin sentido alguno, alienados y alejados del mundo.
...el racismo, el mismo que John Wayne en Centauros del desierto. El odio, en primera instancia hacia el desconocido, por simple ignoracia. Blancos, asiáticos, latinos y negros se odian entre sí. Pero eso es solo es un primer nivel, porque la película quiere ir más allá y mostrar como somos rechazados, aún cuando siendo iguales, no queremos actuar igual.

Esta es una historia de redención y hallazgos, de encontrar un lugar en el mundo, muy simple, pero a la vez muy bien contada. Aunque con todo creo que a la película le falta algo, fundamentalmente en el caso de Bee Vang, cuyo nivel interpretativo creo que flaquea mucho, pese a que el Eastwood actor está magnífico, imponente, triste y, al tiempo, autoparódico. Un héroe trágico, un dinosaurio condenado a desaparecer.

sábado, 3 de enero de 2009

Grandes momentos de la historia del cine. 2001: Una odisea del espacio vs Contact.

Hace un par de entradas hablé de 2001: Una odisea del espacio. Ahora me gustaría comparar una de sus escenas más recordadas, el viaje final, con otra de una película, también de ciencia ficción. En este caso, hablo de Contact, de Robert Zemeckis, a partir de la novela de Carl Sagan con Jodie Foster como protagonista.

2001: Una odisea del espacio (1968).


Contact (1997).

viernes, 2 de enero de 2009

La guerra de los mundos. Edición Radiofónica.

El 30 de octubre de 1938, un joven Orson Wells y su Mercury Teather se encargaban de llevar a la radio la dramatización de los hechos contados por H.G. Wells en su novela La guerra de los mundos.

Hoy, pese a que muchas fuentes lo ponen en cuestión, todavía se habla del pánico que suscitó entre muchos de los oyentes de la emisión creyeron que se contaban hechos que realmente estaban sucediendo. Pero también se dice que había sido publicitada con bastante antelación como para que nadie se confundiera. ¿Quizás alguien al oirla, ya comenzada, creyó que era cierta?

El día 28 de diciembre, el Día de los santos inocentes, escuché como en la cadena Ser se recuperaba la versión española de la emisión que la Ser, RNE, COPE, Onda Cero, Onda Rambla, Punto Radio, Radio Interconomía y Onda Madrid realizaron conmemorando su setenta aniversario coincidiendo con el Día de la Radio.

Ahora, para iniciar el año me gustaría recuperar el programa. Así que dejo un widget para que lo puedan oír, con una introducción de tres minutos.

...pero como no se si me he liado al colocarlo, AQUÍ os dejo un link con la emisión.